Los tres pintores italianos más célebres aparecieron antes de finalizar el siglo XV, en el centro de Italia, en las comarcas que ya en la Edad Media habían producido grandes artistas del mismo género. Dos eran de Florencio, Leonardo de Vinci y Miguel Angel, que fué al propio tiempo el escultor más grande del Renacimiento; el tercero, Rafael, nació en Umbría. Su historia da idea de lo que era entonces la vida de un gran artista. Leonardo, nacido en 1452 en Vinci, aldea de Toscana, era hijo de un rico burgués de Florencia, propietario de un castillo. Aprendió siendo niño la geometría, la mecánica y la música. Luego su padre le puso de aprendiz en el taller de un pintor en Florencia. Marchó a establecerse a Milán para entrar al servicio del duque. Había aprendido también el arte del ingeniero. Escribió al duque enumerándole todo lo que sabía hacer, puentes, cañones, minas, máquinas de guerras, navío, edificios, acueductos, esculturas en mármol y en bronce, pintura, arquitectura. Leonardo no se alababa en vano, porque, a más de sus cuadros y un número muy grande de dibujos, dejó manuscritos que tratan de mecánica, ingeniería militar, ciencias naturales, ilustrados con dibujos que representan sus inventos, y en ellos se han encontrado descritos los principios de descubrimientos que no se han realizado hasta nuestros días. Pero Leonardo era difícil de contentar y emprendía tantas cosas que nunca lograba llevarlas a término. El duque le encargó un monumento con la estatua a caballo de su predecesor, Sforza. Leonardo trabajó dieciséis años sin poder terminarle. El duque le empleó también como arquitecto para construir edificios, como decorador para organizar fiestas, hacer dibujos de trajes, erigir arcos de triunfo. Los monjes de un convento de Milán le encargaron que pintase la Sagrada Cena en la pared de su refectorio. Leonardo empleó mucho tiempo en este trabajo. Francisco I, que vió aquella obra todavía en buen estado, quedó maravillado. Pero la pared era húmeda, el color fué atacado por detrás, y hoy es difícil representarse lo que era la pintura cuando estaba fresca. No se pagaba a Leonardo el sueldo que se le había prometido y tenía deudas. Luego el ejército francés invadió el Milanesado (1499). Leonardo anduvo errante algún tiempo y entró al servicio de César Borgia. El gobierno de la ciudad le envió al campamento delante de Pisa, que los florentinos sitiaban, para que hallase medio de desviar el curso de río. El Consejo decidió hacer pintar, en las paredes de una gran sala, las victorias de Florencia. Dióse el encargo de representar una a Leonardo. Estudió mucho tiempo las crónicas e hizo estudios de caballos. Ensayó una pintura con cera caliente, que no obtuvo resultado; luego otra con aceite de nuez, que dejaba transparentarse el estuco dado sobre la pared. Siguió sus trabajos de ingeniero e hizo canales y esclusas. Cuando Francisco I entró en Pavía, Leonardo le presentó un león automático que andaba. Sus dibujos son a la vez obras científicas y obras de arte. Rafael Sanzio, nacido en 1483 en Urbino, pequeña población de la montaña, era hijo de un artista que pintaba cuadros de santos. Entró de aprendiz en el taller de un célebre pintor de Perusa denominado "el Perugino", y le ayudó a hacer pinturas para retablos. Luego fué a Florencia, pintó varios cuadros de Santas Vírgenes (que en Italia se llaman Madonas). Le desesperaron en un principio las manchas de humedad, se cansaba de estar todo el día subido en un andamiaje, con la cabeza echada hacia atrás, el rostro embadurnado con la pintura que goteaba. Representó siempre la naturaleza con gran intensidad de vida y de alegría, y hasta sus vírgenes son muchachas de su tiempo, de frescas carnes.
http://es.wikisource.org/wiki/Historia%20IV%3ALos%20pintores%20en%20Italia?oldid= 112005
Se siguió en el siglo XVII edificando iglesias y castillos (que eran ya llamados palacios). Pero no fueron más que iglesias y palacios a la italiana, se despreciaba la arquitectura francesa (gótica). En tiempo de Luis XIII, María de Médicis mandó construir el palacio del Luxemburgo (París), imitación de un palacio italiano de Florencia, con un gran jardín de paseos rectos en el género italiano. Estos palacios tienen un piso principal que se ha tratado de hacer todo lo alto posible, y un segundo piso mucho más bajo. Las iglesias, lo mismo que las de Italia, están imitadas de los monumentos romanos. Son una masa pesada, sin abertura a los lados, adornada con una fachada que forman columnas, y coronada por una cúpula enorme, como la de San Pedro de Roma. Luis XIV quiso tener hermosos monumentos, como tenía grandes escritores. Colbert le decía: «Nada indica más la grandeza y el espíritu de los príncipes que los edificios». Se resolvió acabar el palacio del Louvre, haciéndole una entrada monumental. Se acabó por confiar la dirección a un médico francés, Perrault, que trabajó de acuerdo con el primer arquitecto del rey. Luis XIV le conservó, pero mandó añadir sucesivamente tres series de edificios que rodean cada una un patio.
http://es.wikisource.org/wiki/Historia%20XVIII%3AArquitectura%20del% 20siglo%20XVII?oldid=115724
No produjeron ya ninguna grande obra original; pero aprendieron, como los italianos, a hacer cuadros mitológicos. En el siglo XVII apareció el gran pintor flamenco Rubens (1577-1640). Rubens encontró protectores, hizo estudios con los jesuitas, llegó a ser paje de la Corte de Bruselas, luego viajó por Italia. Se hizo entonces edificar una linda casa en la que vivió, y recibió gran número de encargos de las iglesias, de los principos y de los nobles, Hacía que le ayudasen sus discípulos, pero él trabajaba mucho, con gran habilidad. Representó escenas muy variadas, cuadros de santidad, escenas mitológicas, alegorías, incluso escenas populares, como la Kermesse del Louvre. Hizo para María de Médicis, en un año, 24 grandes cuadros (hoy en el Louvre), en que las aventuras de la reina aparecen representadas con una mezcla mitológica de Ninfas, Gracias y Tritones. El más conocido de los pintores flamencos, después de Rubens, es su discípulo Van Dick' (1599-1641), que vivió sobre todo en Italia y en Inglaterra, ocupado en hacer los retratos de los príncipes y de las grandes damas.
http://es.wikisource.org/wiki/Historia%20XVIII%3APintura%20flamenca?oldid=115695 Colaboradores:
Los primeros artistas franceses del siglo XVII fueron un belga procedente de Bruselas, Felipe de Champaigne, autor de retratos y de cuadros de santidad, y un lorenés de Nancy, el dibujante Callot, que representó escenas de la guerra de Treinta Años, y mendigos de un realismo terrible. Púsose de moda en Francia la pintura correcta, solemne y fría, que se juzgaba más «noble». Vouet (1590-1649), nombrado pintor del rey en 1627, tuvo por discípulos a los pintores de más fama en tiempo do Luis XIV: ---Lebrun, profesor, más tarde director de la Academia de Pintura, que pintó grandes cuadros de Historia; ---Lesueur, imitador de Rafael, cuya obra principal es una «Vida de San Bruno», en 22 cuadros; ---Mignard, que fué el pintor de retratos de moda en tiempo de Luis XIV.--- Todos estos pintores parecen hoy fríos, forzados o amanerados. Se admira más a Nicolás Poussin (1594-1665), que pasó casi toda su vida en Italia, estudiando las estatuas antiguas. Tienen un color oscuro que se ha ennegrecido, hasta el punto de que casi no puede apreciarse la composición y el dibujo. Un contemporáneo y amigo de Poussin, Claude Gellée, apellidado Lorrain que vivió en Italia, pintó paisajes italianos cuya belleza consiste en el cielo y la luz.
En el siglo XVII apareció en Holanda un número extraordinario de grandes pintores. Los miembros de los cuerpos de regidores, guardas burgueses, Consejos administrativos, gustaban mandar hacer sus retratos en grupos. Los pintores holandeses hicieron pocos cuadros religiosos o históricos, pintaron sobre todo retratos, «cuadros de corporaciones», paisajes, escenas de la vida de la época. Representaban un bosque, una plaza, un rincón de la ciudad, un jardín, o bien una taberna, un concierto, la habitación de un enfermo. En sus obras, el asunto es insignificante, no intentan hacer una escena, tratan de reproducir el natural. La atmósfera siempre húmeda de Holanda da a la luz matices cambiantes, la belleza del arte holandés está sobre todo en el color y en la luz. De todos los pintores holandeses, el más célebre es Rembrandt (1606---1669), de una familia judía establecida en Amsterdam. Hizo entonces una de sus obras más célebres, la Lección de anatomía, que representa a un profesor de Medicina con sus discípulos. Rembrandt tenía su taller lleno de ricas telas, de pieles, de terciopelos, de oro y de armas de lujo. Trabajaba mucho, ha dejado más de 600 cuadros y de 300 grabados. Luego perdió a su mujer, a la que quería mucho, y le arruinaron sus colecciones. Perdió la clientela, quebró y le costó trabajo sostenerse los últimos años de su vida.
Ha dejado penetrantes escritos sobre los propósitos del cubismo: No podría retratar a una mujer en toda su belleza natural..No tengo capacidad para ello. Por eso he de crear un nuevo género de belleza en términos de volumen, de línea, de masa, de peso, y a través de esa belleza interpetar mi impresión subjetiva. Braque respeta o al menos no se separa tanto de la realidad visula co Picasso. Todas sus experiencias cristalizan en una obra decisiva, Las señoritas de Avignon (1907), donde ha adoptado un nuevo punto de vista, con varias vistas simultáneas. Hacia finales de 1909 se inicia esta fase del cubismo que se caracteriza por analizar la realidad y descomponerla en múltiples planos geométricos anchos y simples que sugieren escasa profundidad y con tonos cromáticos ocres y grises. No existe ningún tipo de profundidad ni de espacio ilusorio; sólo formas que desmigajan el objeto desde diferentes puntos de vista y nos las presentan sobre la misma superficie. El término futurismo se encuentra por primera vez aplicado al arte en un manifiesto del poeta italiano Marinetti, que pretendía iniciar un humanismo dinámico: Declaramos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad.
Primer renacimiento: (siglo XV - 1400-1500), caracterizado por la preocupación de recuperar lo antiguo, por lo que supone más una búsqueda que la consecución de unos objetivos concretos (designa las manifestaciones artísticas florentinas que tuvieron lugar en el Quattrocento). Esta última acoge a artistas que continúan las formas clásicas del Arte y a otros que buscan formas nuevas de experimentación visual. Es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos, XV y XVI. El nombre "renacimiento" se utilizó porque éste retomaba los elementos de la cultura clásica. artes, la política y las ciencias, revisando el teocentrismo medieval y sustituyéndolo por cierto antropocentrismo. El Renacimiento no fue un fenómeno unitario desde los puntos de vista cronológico y geográfico. parición de la figura del mecenas, quien hacía llamar y protegía a los artistas a su alrededor, no solo para que ejecutara sus encargos, sino también por el prestigio que ello le proporcionaba. los Fugger en Alemania; los Mendoza y los Fonseca en España. europeo a lo largo de toda la Edad Media, en el siglo XV madura sus formas por el contacto con los abundantísimos restos romanos presentes en el suelo. Es por tanto dificil fijar una fecha exacta para la aparición del Renacimiento en Italia. se ha realizado mucho de lo más significativo del estilo. Antropocentrismo: todo se estudia con referencia al hombre. Individualismo: el hombre se define por su individualidad frente a la idea de colectividad de la Edad Media. El nuevo ideal humano es el hombre completo, armónicamente desarrollado. Se produce una separación entre cristianismo y la cultura laica que no es necesariamente anticristiana. arqueológicas y la formación de los centros de estudios humanísticos (academias). Se intenta revivir los estilos clásicos, considerados como la feliz culminación del esfuerzo del hombre por lograr un canon d e perfección. Se acata como definitivo cuando el genio de helenos y romanos produjo en todas las artes. formas que se ajustan a una previa y calculada concepción de lo bello. inspiración, le asignan una modesta parte en el acto creador. La belleza del arte brota de leyes que establecen relaciones numéricas exactas. número, la proporción, la regla de oro, el orden, en fin, están presentes en todas sus obras. La observación infatigable del mundo -ejemplo, Leonardo- es la virtud cardinal del artista. La pintura y la escultura, salvo raras ocasiones, se propusieron dar una imagen plácida y serena de la realidad; y la arquitectura, en su contenido juego de líneas y volúmenes, aspiraba presentarse como una totalidad orgánica en la que cada una de sus partes ejerce su función sin esfuerzo alguno. En definitiva, el objetivo último del arte del Renacimiento fue hacer obras inspiradas en principios inmutables que asegurasen su permanencia ejemplar. Los artistas del Renacimiento se esforzaron en dar realidad a un arte insuperable, y, por lo tanto, válido para siempre y para todo el mundo. Universalidad y eternidad son las dos ideas rectoras del arte del Renacimiento. S. XIX Jules Michelet y Jacob Burckhardt: generalizan concepto para referirse al periodo de la civilización occidental iniciado con el renacer italiano. Antigüedad, que es conocida a través de Vitruvio; cuyo manuscrito es redescubierto en 1414 y publicado de forma impresa y sucesiva en lengua italiana en los años 1485, 1521 y 1556. El tratado de Vitrubio Los diez libros de Arquitectura influyó, de manera extraordinaria en muchos arquitectos, tanto florentinos (Brunelleschi, Alberti y Bramante), como del ámbito cultural y artístico de Venecia. La simetría y las buenas proporciones tienen como punto referencia al hombre bien constituido. Las ciudad des renacentistas tuvieron un crecimiento anárquico en general. nuestro catastro, buscando fijar impuestos según el patrimonio. Presenta como novedad el uso de cúpula y la pérdida del sentido simbólico propio del Gótico. Utilización de los órdenes clásicos y del nuevo orden gigante (una columna abarca varios pisos). La cubrición de los cruceros se realiza con cúpulas al estilo de Santa María de las Flores, de Brunelleschi. de Santa María será considerada como el manifiesto del Renacimiento Brunelleschi experimenta en cada una de sus construcciones, realizadas a partir de formas geométricas tan exactas como una ecuación matemática. Escribió el tratado de: re aedificatoria (1450-1452), basado en la obra de Vitrubio. También escribió un tratado sobre pintura, De pintura (1435), y otro de escultura De statua (1464). Se dedica especialmente a la construcción de edificios de carácter funcional, grandioso y urbanístico. esplendor, perdido en el siglo anterior, frente a otras ciudades italianas, convirtiéndola de nuevo en centro político, religioso y cultural. incultas debe haber algo que atraiga al ojo: una fe popular sustentada tan sólo en doctrinas nunca será otra cosa que una fe débil y vacilante. principalmente en Roma, trabajando para cardenales y papas. c.El dominio de las curvas y las rectas d.Un entablamento clásico de triglifos y metopas con decoración sobre el martirio de Pedro. El non finito caracterizó toda su actividad de arquitecto (porque nunca acabó ninguna de sus obras). Lo que corresponde a Miguel Ángel es la cúpula que desde el suelo hasta la claraboya, mide 120 m de altura. temática animal, vegetal o antropomorfa que recubre las superficies de las fachadas. retablos, que imita por su composición a los retablos del interior de iglesias y catedrales. Es un tratadista por excelencia S. Serlio (1475-1544) palacios a semejanza de los conquistados a los musulmanes. tendrán valor en sí mismas (es una sociedad abierta al arte). Las estatuas se representan en una posición frontal, están hechas para ser vistas. Fue arquitecto, escultor, pintor y comentarista de arte, es la personificación del nuevo artista; el escultor debe de ser adiestrado en todas las artes liberales: Gramática, Geometría, Filosofía, Medicina, Astronomía, Perspectiva, Historia, Anatomía, Aritmética y teoría del dibujo. a.Su técnica preferida es el trabajo en bronce. b.Esculpe como si fuera un pintor sobre todo relieve. arte como vos lo sois en el vuestro, le dirá al Patriarca de. es profundamente clásico, especialmente en el culto al desnudo y a la elección de las estatuas ecuestres. completo y exento del Renacimiento, de modelado suave y fluido. Se trata de una figura ágil, esbelta, que se presenta vestido con una ajustada armadura que marca toda su musculatura. Todo el peso del cuerpo descansa sobre la pierna derecha y porta una espada en la mano, alejada del cuerpo. Es una figura de gran fuerza, que se manifiesta especialmente en el rostro y en el cuello nevado, como dispuesto a actuar, también inspirada en modelos praxitelianos. una constante búsqueda de valores plásticos, de sentimientos interiores y de lucha por la salvación. reunido, Lorenzo de Médicis le acoge como a un hijo. quito lo que sobra Miguel Ángel Miguel Ángel: La Piedad 1498-1499, Mármol, 1.74 m de altura y 1.95 m de base. El cadáver de Cristo está en brazos de María, descansa sobre sus rodillas dobladas transmitiendo una sensación de pesadez, como si estuviera dormido. María es una figura llena de juventud, que contrasta con la mayor edad de su hijo, lo que quizá pueda ser interpretado como un recurso formal para hablarnos de la de o, quizá, queriendo indicar la pureza inmaculada. madre tenía que ser más joven que el Hijo, para demostrarse eternamente Virgen; mientras que el Hijo, incorporado a nuestra naturaleza humana, debía aparecer como otro hombre cualquiera en sus despojos mortales. d.Movimiento: estático, a veces lo que se consigue con el juego de líneas horizontales y verticales. Dinámico, conseguido por el entrecruzamiento de horizontales y verticales, más las diagonales. e.Sistema de proporción: concibiendo a ésta como la creadora de la belleza, el punto referencial es el hombre. f.La perspectiva de punto de fuga o científica: es la puesta en marcha de las leyes de la óptica, según las cuales las imágenes que percibimos de los objetos disminuyen o empequeñecen con la distancia. La perspectiva científica tiene como finalidad facilitar el lugar justo que cada parte debe tomar respecto a los extremos. Temática: En primer lugar, pervive la temática religiosa, en segundo lugar el retrato y por último los temas mitológicos. Un nuevo gusto por la Antigüedad clásica lleva al interés por la naturaleza. entusiásticamente afrontados por los artistas del Quattrocento. Fra Giovanni da Fiesole, más conocido por Fra Angélico, tiene una amplia producción de temas religiosos, en la que convergen conceptos aún medivales y las nuevas ideas renacentistas. Desde su tríptico de San Pedro Mártir de 1425 hasta su Crucifixión y santos de 1441, pasando por sus Anunciaciones; el naturalismo se apodera progresivamente de las obras de Fra Angélico. muerte, entre 1426 y 1428, renueva totalmente la pintura. con los que crea un espacio pictórico para seres reales. afirmación del desnudo de gusto clásico, como demuestra su Adán y Eva expulsados del paraíso. punto de vista, lo que explica su afición a los escorzos. lleva a soluciones formales de una cierta ingenuidad. maestría en el escorzo y en el arte de reproducir calidades: acero, plumas, brocados, etc. complejas, como su Coronación de la Virgen (Uffizi de Florencia), como en obras menores, de las que es ejemplar su Virgen con el Niño y dos ángeles, en la que la cara de la Virgen es el retrato de su amada Lucrezia Buti. facciones, las exquisitas transparencias de los tules, etc., son extraordinariamente elegantes. estilísticamente ecléctica: si por una parte modela sus figuras con plasticidad escultórica, por otra utiliza la línea para destacar perfiles, concretar facciones y detenerse en el detalle. Conjuga plasticidad convinada con el gusto de la línea. Mantegna: Andrea Mantegna (1431-1506), es uno de los pintores más renacentistas del quattrocento, apasionado por la Antigüedad y entusiasta admirador del escultor Donatello. Esta pintura es un magnífico ejemplo del realismo que caracterizó a Ghirlandaio, conjuga plasticidad combinada con el gusto de la línea. Leonardo da Vinci El tránsito del al lo encarna de modo excepcional Leonardo da Vinci (1452- 1519), que ha sido considerado siempre uno de los más altos espíritus que ha producido la humanidad. enorme serie de manuscritos anotados, observaciones de un enorme valor sobre todas las cosas, algunas de ellas de enorme interés anticipatorio, sobre todo en aspectos tecnológicos. Como pintor, su gran creación es el esfumato. Artificio pictórico que consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa, que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera. dimensión, y los personajes un encanto distante y enigmático. los apóstoles ante las palabras de Cristo, y La Gioconda, retrato enigmático como pocos, que ha desatado infinidad de comentarios por su misteriosa impasibilidad. La Virgen y Santa Ana, compuestos de modo riguroso, constituyen lo más seguro de su producción. Monalisa es una de sus obras más famosas, probablemente no por la obra en sí, sino por el misterio que rodeó este personaje durante muchos años. Por otra parte, vemos una gran calidad en el manejo de la sicología y de la personalidad, la sonrisa de los griegos y la delicadeza del personaje. un desnudo también pintado por Da Vinci; o puede tratarse de un autorretrato de Da Vinci vestido de mujer. posibilidad es completamente válida si tenemos en cuenta que en el renacimiento la homosexualidad era completamente natural y en ocasiones necesaria para escalar posición y reconocimiento dentro de la sociedad. El intercambio de atuendos femenino y masculino hacían parte de reuniones y celebraciones. Tema: El tema es uno de los más importantes y conocidos de los relatos bíblicos y viene de Juan 13.21. sus apóstoles toma lo que va a ser su última cena. El momento es en el que Jesús explica que entre sus allegados hay un traidor, por lo que cada uno de ellos responde de una forma distinta, dado mucho movimiento y expresión a la representación. la factura como en los propios personajes, todos ellos en movimiento e individualizados. La escena transcurre en una sala cerrada, con un tejado plano de casetones, al estilo clásico, y al fondo unas grandes vidrieras de donde emana la luz que incide en todos los personajes. que sobre todo incide en Jesús, en el centro de la composición. Composición: Se trata de una composición simétrica, son un punto de referencia que es Jesucristo, en el centro de la mesa y rodeado por sus apóstoles. Una fuerte línea horizontal marca la escena, que es la mesa de mantel blanco, incidiendo en el carácter de tranquilidad y sosiego de la misma. las líneas diagonales hasta el fondo de la sala añaden movimiento y profundidad de campo a la misma, aumentando su realismo. Significado:: según la escuela florentina por Ficino y Mirandola, los personajes se dividían en varias triadas, o lo que es lo mismo, grupos de tres. sobre capas de yeso en el enlucido. Así, en la actualidad su conservación es muy cuidadosa y costosa, por lo que sus visitas están reducidas. Curiosidades: Se ha hablado mucho acerca de los significados de posibles figuras. Así, se especula sobre la figura del propio Leonardo en el cuadro. uno de los apóstoles de la derecha. del propio pintor, por lo que es poco probable que se representara así. Otra especulación trata de la figura de una daga en la parte izquierda. mucho sobre si era una mujer e, incluso, se ha llegado a decir que es María Magdalena. las escenas más importantes, por lo que es una segunda razón para afirmar que dicha figura corresponde a la de San Juan y no la de una mujer Miguel Ángel cultivó también la pintura y ejerció en ella una influencia capital. pintura concede primordialmente importancia al dibujo anatómico y al volumen, desdeñando el paisaje y el colorido y atendiendo ante todo a construir figuras poderosas en actitudes con frecuencia difíciles, que le permiten alardes de escorzos y de movimientos. Su primera obra de envergadura hubo de ser la Batalla de Cascina, mural del Salón del Palacio de la Signoria, donde habría de enfrentarse al de Leonardo. preparatorio, hoy destruido, fue mucho tiempo el modelo donde aprendieron a dibujar generaciones de jóvenes artistas. Roma, por orden del Papa Julio II, hubo de realizar su gran obra maestra: la decoración de la Bóveda de la Capilla Sixtina, verdadero y deslumbrante canto al cuerpo desnudo, obra cumbre de la creación. Todo el vasto techo está dividido en compartimentos por unas arquitecturas fingidas, pilastras, cornisas y pedestales, donde se sientan, en las más variadas actitudes, bellos jóvenes desnudos. Veinticinco años después se le encomienda la decoración del muro del fondo con el Juicio Final. Renacimiento italiano; en su corta y fecunda vida podemos distinguir tres épocas: Primera época: Urbino, hasta 1504. De la que destaca la célebre tabla al óleo Los esponsales de la Virgen, pintura influenciada por Perugino y Bramante y preludio de su estilo posterior: luminosidad, poses ondulantes y negligentes, y la distribución de los personajes en grupos cuyas cabezas marcan un mismo plano. coloración más rica en composiciones de mayor dinamismo, que tienden a la forma piramidal con ritmos interiores curvos. De esta época son algunas de sus más bellas Madonas Sagradas Familias y sus mejores retratos. dentro de la gama propia de la pintura al fresco. Rafael en 1509 como encargo del Papa Julio II para la decoración de la Stanza della Segnatura, convertida en su biblioteca privada. de las cuatro facultades clásicas junto con a la teología, el derecho y la medicina, que decoran el resto de las paredes de la estancia. Francia, mágico en Praga, ecléctico en los Países Bajos y espiritual en España. Manierismo: Conjunto de formas opuestas a las clásicas o también conocido como la crisis del renacimiento. Manierismo: es un desenfreno de la libertad y una feria de licencias. El manierismo puede ser definido como el mundo de las cosas reales, enmarcadas en un espacio ficticio. Desequilibrio, en lugar del equilibrio armonioso renacentista. Tensiones y ambigüedades, en lugar de la serena estabilidad renacentista. Deformación de las proporciones, en lugar de los cánones clásicos renacentistas. Irregularidades espaciales (profundidad exagerada o reducida), en lugar del espacio ordenado renacentista. Es un arte refinado de ámbito internacional, que invadió los ambientes cortesanos (privativo de una aristocracia). Búsqueda inquieta por un exceso de refinamiento y por un preciosismo de formas. sus rostros, dispuestos en posturas retorcidas e imposibles en la realidad. descifrados, como intuimos en de este último. Los colores no remiten a la naturaleza, sino que son extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en gamas. el placer de la trasgresión, desdibujando sus figuras o dejando inacabadas sus obras. Proporciones disonantes entre los personajes y en la figura humana, alargamiento y distorsiones geometrizantes. El espacio es abstracto, ambiguo, se usan elementos de la perspectiva, pero sin una lógica, multiplicando los puntos de fuga y los puntos de vista. Las múltiples perspectivas se suman en una rica totalidad. En resumen: se alteraron las proporciones, se descontextualizaron los elementos de aquel lenguaje, la serenidad se hizo tensión, lo severo tolerancia creativa, dando lugar a una expresión más dramática, en la que predominan los elementos de sorpresa, las formas helicoidales, las figuras alargadas, el efectismo lumínico, etc. de la refinada vida cortesana como saleros, tenedores y otros cubiertos. Salen por primera vez a lugares públicos. Tema femenino, El desnudo femenino aparece como un objeto cortesano exquisito, de gran sensualidad. En todos los temas aparecen elementos contradictorios y fantásticos. Acentuación del decorativismo (existe una predilección por utilizar las formas derivadas de la naturaleza). Presencia de ciertas libertades plásticas (Miguel Ángel, en la Biblioteca Laurentiana). Miguel Angel Bounarotti (1475-1564) En su arquitectura acentúa los contrastes, contrariamente a los cánones clásicos. Andrea Palladio (1508-1580) Manierista en algunas obras. Es más importante por sus tratados que influyeron la arquitectura de toda Europa. Sebastián Serlio: arquitecto, escultor y teórico, Serlio difundió los principios d ela arquitectura en su extensa obra. Publicó a lo largo de su vida seis libros de arquitectura, todos espléndidamente ilustrados. Iglesias (1547) y el sexto libro llamado Libro extraordinario, que contiene diseños de: ventanas arcos y puertas. (comenzada a construir en 1568; esta será el Prototipo de las iglesias de la reforma. Superó el dominio del repertorio arquitectónico romano que había caracterizado Bramante, (había muerto 3 años antes de que naciera Pallladio). Es el gran creador de las villas para la aristocracia en las orillas del Brenta o en la región de Treviso. Fontanas como tarea frecuente, para poder utilizar el agua en movimiento como elemento plástico, en contraste con la masa del material sólido. Artistas como los Bandinelli, Ammannati, Cellini y Giambologna se mueven buscando una expresión intelectual alejada de la plástica realista y del estilo antiguo. Benvenuto Cellini (1500-1571): había trabajado de platero, y orfebre en Florencia, Bolonia y Pisa. En realidad su nombre era Jehan Boulogne de Douai, originario de Flandes. técnica y al diseño que al tema. en mil direcciones y de un vigor miguelangelesco que anticipan la fantasía del barroco. Fuente de Neptuno, en Bolonia, y otras de carácter menor y el rapto de las sabinas. discípulos de Rafael y Miguel Ángel, continuadores de la gran maniera de pintar de sus maestros. Manierismo no es sinónimo de amaneramiento, como tampoco es un estilo uniforme, aunque en sus representantes hallemos características comunes: gusto por el detalle, dinamismo de las formas, indumentarias lujosas y espacios arquitectónicos de gran magnificencia. Representación del desnudo femenino, pero no sólo como armonía clásica (Renacimiento), sino como ídolo y alegoría. estilísticos que luego veremos reaparecer en El Greco. como el Greco, supieron dar rasgos a su pintura. justificados por la armonía de la pintura.
Universidad de San Carlos de Guatemala Facultad de Humanidades
Estilo artístico desarrollado en el siglo XVII y primera mitad del siglo XVIII. A principios del siglo XVI, la reforma luterana destruyó los cimientos de la Europa Católica, que quedaría dividida entre Católicos y Protestantes. Las diferencias entre ambos credos provocaron terribles guerras que asolaron Europa. De un lado, los católicos, con la corona española y el Sacro Imperio como principales bastiones. Al otro, algunos estados del Sacro Imperio, las Provincias Unidas, Inglate rra, Suecia y Dinamarca, entre otros... La palabra Barroco, de etimología incierta; aparece utilizada con sentido despectivo a fines del siglo XVIII referida a la arquitectura del siglo anterior y primeros decenios del siglo XVIII, como sinónimo de extravagante, y más aún como abuso de extravagancia. El barroco viene a ser la reacción cálida, sensual y sentimental, de la que participan todos los estamentos sociales. El Barroco, abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación, donde se pone de manifiesto el gusto por la realidad cotidiana tratada con frecuencia con extrema crudeza. Mediante una técnica retórica y teatral, el Barroco tiende a persuadir más que a renovar. En conclusión el Barroco es sinónimo de irregularidad, extravagancia y exceso en todos sus ámbitos. La temática plástica tendrá un definido carácter religioso. El arte será utilizado como argumento convincente del poder católico. El arte se dirigirá antes a la sensación que a la razón. El núcleo o centro del Barroco será nuevamente Italia y en concreto la Roma de los Papas desde Sixto V cuyo objetivo será convertir la ciudad en un gran escenario dónde las Iglesias y concretamente las basílicas, se convierten en el elemento principal del urbanismo. f. Abundancia en la decoración que llega a la exuberancia. g. Exageración, desproporción, dinamismo, movimiento, dramatismo en la caracterización psicológica h. Características generales a. Imposición de plantas y alzados llenos de movimiento b. Desarrollo del aspecto visual, para tratar de ofrecer la impresión de que nos encontramos ante espacios mayores de lo que en realidad son. El arquitecto Barroco tiende a disponer los edificios y organizarlos Coordinando sus diferentes partes. El Arquitecto es amante del gusto escenográfico e ilusionista, generado por perspectivas, estructuras y ambientes naturales. Existe un acercamiento entre elementos arquitectónicos y los elementos naturales, especialmente el agua que en el Barroco se convierte en elemento insustituible de muchas composiciones. Nació en Nápoles hijo de un escultor. En 1606 se trasladan a Roma, tuvo como mecenas al papa Urbano VIII que le encarga el Baldaquino de San Pedro, el Palacio Barberini, y el sepulcro de Paulo V. Como arquitecto trabajó a gran escala, con efectos dramáticos y teatrales de luz, fusionó las tres artes en una sola, utilizó materiales ricos: mármoles de color y dorados, pero sus formas son más simples que la s de Borromini. Además de ser arquitecto fue pintor y escultor, escribió poemas y fue autor de obras teatrales a las que además dotaba de escenografía y vestuarios. Recibió numerosos encargos, además del papado, de iglesias, cardenales y particulares. Su característica principal como arquitecto fue: la monumentalidad de sus obras, dinamismo, criterios escenográficos y multiplicación de lo decorativo. Dentro de sus principales obras destacan: Plaza de San Pedro, el Baldaquino en la misma catedral y la columnata de San Pedro. Antes de su muerte destruyó los planos de edificios no realizados para que nadie pudiera copiar sus ideas. La decoración interior es geométrica, menos recargada que la de Bernini. Naturalismo: Los rostros sufren, se esfuerzan, apretando los labios o abriéndolos para gemir, los músculos se encuentran en tensión y las venas parecen latir bajo la piel, incluso cabellos y barbas, despeinados, plasman un estado de ánimo. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660): es tenido por muchos como el mejor pintor de todos los tiempos, otros lo llaman el pintor de la verdad por la esencialidad de su pintura. Técnicamente, Velásquez es el primer pintor moderno, que se anticipa en más de dos siglos a Delacoix y Degas. Básicamente, Velásquez es un inigualable retratista de paleta sobria, cuyos colores aplica acariciando el lienzo, excepto en algún punto aislado. Prueba de ello es que en las telas de Velásquez apenas se aprecia el craquelé caracteristisco en las pinturas antiguas. Siempre serenos y dignos (desde el rey hasta el bufón), Velásquez capta lo esencial de los person ajes retratados con pinceladas que, incluso para los entendidos, resultan inexplicables por su valor de síntesis y su ejecución técnica. El vestido de tisú de plata y las manos del retrato de la infanta Margarita de Austria son milagros pictóricos, que vemos repetidos en la cabeza de El Príncipe Baltazar Carlos y en las carnaduras de la Venus del espejo, único y extraordinario desnudo debido a Velásquez. Viene de "rocaille" que en francés significa piedrecita, pequeña concha, forma predilecta para decoraciones. Es un elemento asimétrico mitad vegetal, mitad mineral, que invade la arquitectura a través de la decoración. El Rococó es un estilo casi exclusivamente francés: si es que llega a los países vecinos, es únicamente como repercusión y en una aplicación distinta. El período barroco se disuelve: en lugar de lo exuberante y grandioso, viene lo gracioso y menudo; en lugar de la decoración grandilocuente e impresionante, viene el ornamento fino, delicado; en lugar del oro suntuoso, la plata menos efectista; en lugar de la expansión ostentosa y exterior viene una intimidad egocéntrica; en lugar del ideal heroico viene algo más alegre e infantil; en vez de la gran pasión viene el amor erótico como pasatiempo juguetón; en lugar de la obesidad musculosa y rubenesca vienen rasgos de lo enfermizo, afeminado y agotado. El Rococó es una expresión plástica que se desarrolló en el siglo XVIII. Nació y se circunscribió en el ámbito francés. Representa el refinamiento y la opulencia, la frivolidad, los excesos, el sensualismo, el buen gusto y el placer de la clase alta y la Monarquía de esa época. Es un arte frívolo en el que se observa el estilo galante y la habilidad en el trato con las mujeres. Los temas de inspiración para sus obras serán las fiestas galantes, los minués, las aventuras amorosas, las damas de la corte. La figura de la mujer será el principal foco inspirador de la obra de arte. La nota más llamativa es su tendencia a expresarse en interiores decorativos; quizá por ello ha sido considerado arte de salón. Expresiones mobiliarias (formas más flexibles, con superficies dominadas por la curva). Tapicería (decoración de las grandes salas de palacios). En arquitectura: se sustituye el ladrillo por la piedra, distribución y decoración de interiores; inundándolos de luz, color, elegancia y movimientos ondulantes; determinado por la especificación de los fines y las funciones del edificio. Los adornos que, representando falsas rocas, adheríanse a la arquitectura de las grutas y las cascadas, llamados rocallas, fueron el principal elemento nuevo, introducido para sustituir el rígido sistema de los órdenes clásicos, para evocar en la arquitectura el frescor y la alegría de lo primitivo y lo campestre. Los palacios son los primeros en adoptar como elementos básicos caprichosos recuadros, columnas esculpidas, conchas, etc. Una de las características del estilo Rococó será la marca de diferencia entre exteriores e interiores. En Alemania, el Rococó renueva el barroco bajo el impu lso de los príncipes, especialmente en Prusia con Federico II, y alcanza formas exuberantes, tanto en las iglesias de peregrinación como en los palacios. Por ejemplo, Die Wies (Wies Kirche), una obra de Zimmermann en Bavaria. En los exteriores es un arquitecto neoclásico, mientras en los interiores desborda por su gracia y delicadeza inventiva. Bouchardon (1698-1762): visita Roma y ejecuta copias de esculturas antiguas, de las cuales aprende los presupuestos fundamentales del Clasicismo. a fuente de Grenelles en una monumental Pigalle (1714-1785): es un escultor de corte al servicio de madame Pompadour. El tema infantil fue también uno de sus favorito, y además tenía la ventaja de que se adaptaba a la escultura de salón de pequeño tamaño, muy adecuada a los nuevos espacios. Fue elegido por Catalina II de Rusia, gracias a la recomendación de Diderot para alzar la estatua ecuestre de Pedro el Grande, en San Petesburgo, anticipando ya el gusto neoclásico de la segunda mitad del siglo. Abundan los temas que aluden a la vida cotidiana, a lo placentero y lo galante (redescubrimiento de la naturaleza, de la vida campestre y amable...). Voluntad de ser transmisora de valores eternos, por sus propios elementos y no por el ornamento añadido. Nació en París el 30 de agosto de 1748 en el seno de una familia de clase media alta. En 1774 ganó el Premio de Roma y viajó a Italia donde recibió una fuerte influencia del arte clásico y de la obra del pintor del siglo XVII Nicolas Poussin, de sólida inspiración clásica. David desarrolló rápidamente su propia línea neoclasicista, sacando sus temas de fuentes antiguas y basándose en las formas y la gestualidad de la escultura romana. Su famoso Juramento de los Horacios (1784 -1785, Museo del Louvre, París) fue concebido para proclamar el surgimiento del neoclasicismo, y en él destacan el dramatismo en la utilización de la luz, las formas idealizadas y la claridad gestual. La obra presen taba una temática de un elevado moralismo (y, por lo tanto, de patriotismo) que la convirtió en el modelo de la pintura histórica de tono heroico y aleccionador de las dos décadas siguientes. Ingres (1780-1867): alumno de David, obtiene una beca para estudiar en Roma, donde permanecerá largos años, siempre expresó su pasión por Rafael. Dirigió la Academia de Bellas Artes y desde allí defendió la tradición clásica frente al Romanticismo, personificado en la figura de Delacroix. En su pintura no hay preocupa ción por la perspectiva, la proporción o el equilibrio compositivo. Sus contemporáneos se escandalizaban de los errores anatómicos y de proporción que se apreciaban en sus obras; piernas largas, cabezas pequeñas, etc. Goya vive en un entorn o histórico muy significativo: es un país socialmente atrasado, políticamente reaccionario, con desigualdades sociales, una agricultura en estado regresivo, carente de infraestructuras y clases medias. En Goya se aúnan el artista y el hombre, representa a su sociedad como es y la flagela sin piedad en lo que no le gusta, la plenitud de Goya abarcará todos los campos de la pintura y su diversidad de técnicas y temáticas. Las aportaciones de Goya al arte con temporáneo son: la mancha pictórica, el uso libre del color, el dibujo rápido, la variedad técnica y temática y la libertad creativa. En Francisco de Goya destacan 4 etapas: a. Pintor de tapices b. c. Trabaja la temática política y social d. Tras la pérdida de los reinos de Flandes, se funda en España la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. Entre 1774 y 1792, Goya trabajará en ella como pintor de cartones, a partir de los cuales los artesanos habían de elaborar el tapiz. En éstas pinturas se celebra la alegría de la vida, la belleza, lo festivo y lo galante. En el invierno de 1792, durante una visita al sur de España, Goya contrajo una grave enfermedad que le dejó totalmente sordo y marcó un punto de inflexión en su expresión artística. Entre 1797 y 1799 dibujó y grabó al aguafuerte la primera de sus grandes series de grabados, Los caprichos, en los que, con profunda ironía, satiriza los defectos sociales y las supersticiones de la época. La razón saca del inconc iente los mounstruos generados por el prejuicio, el fanatismo, la superstición, la ignorancia. Goya trata de mostrarnos así la sociedad en la que vive, como testigo de ella. En esta etapa se convertirá en el retratista más solicitado por la nobleza del momento, (Carlos IV le nombrará pintor de cámara) el mismo cargo que había tenido Velázquez. En este período es cuando pinta 2 de sus cuadros más famosos: La maja desnuda y la maja vestida. Muchas de las figuras negras, al parecer, tienen su inspiració n en la mente de Goya, pero también por las injusticias que la iglesia cometió durante la inquisición. Goya visitaba las cárceles, manicomios, cementerios y hospitales de leprosos y apestados. El Romanticismo fue un proceso lento que se gestó a finales del siglo XVIII, cuando se iniciaba el gusto por lo exótico y lo pintoresco, por la visión intimista del paisaje y por la relación sentimental entre el artista y sus temas. El Romanticismo se va a convertir en bandera de los jóvenes generaciones que aspiran a cambiar el mundo existente por medio de una revolución en todos los campos; así como en otros países el romanticismo es una oposición a la influencia clasicista de la cultura francesa. Se crea un arte apasionado y flexible de gran riqueza cromática y aparente desorden compositivo en el que el gusto por lo patético, el patriotismo y el sentimiento de la Naturaleza. Para realizar los bocetos de los cuerpos atormentados, se inspiró en personajes reales: locos, enfermos y ajusticiados, por ello las figuras están dotadas de una fuerte expresividad, al tiempo que convierten a su autor en el maestro de pintores del realismo. Así expresaba el artista su opinión sobre el género pictórico: Este género de emoción propio de la pintura es, en cierto sentido, tangible; no pueden darlo la arquitectura ni la música. Su objetivo es observa la naturaleza, pero no para idealizarla sino para copiarla fielmente, es conocido como el descubridor del paisaje del bosque de Fontainebleau y por su interés por restablecer relaciones entre los motivos que por sí mismos constituirían el tema de un cuadro (cada árbol, cada roca, etc.).
La civilización egipcia nace en torno al Nilo y gracias a él. Los primeros egipcios llegaron a divinizar el río. Tras los primeros poblamientos neolíticos en el valle, se convirtieron en una sociedad autárquica que duró más de tres mil años. · Época copta bajo el dominio griego y romano después. No puede explicarse el arte egipcio si antes no entendemos su pensamiento, su visión cosmológica del mundo, su religión y sus actividades económicas primero. Egipto es una civilización fluvial de base agraria. Viven gracias a un río alóctono que con sus crecidas periódicas fertiliza un desierto. Por eso la influencia de la economía agraria lo impregna todo: de ese mundo agrario nace la geometría, la medida, el catastro y el arte: la arquitectura en planos cuadrangulares, capiteles con hojas, pinturas con plantas y flores. De ella extraen la matemática pero también la visión ordenada del mundo, todos sus dioses y hasta el poder político. El egipcio tenía una visión cíclica del tiempo (al igual que las crecidas del Nilo) y sus dioses mueren y resucitan constantemente (mito de Osiris). Esta visión cíclica forja la idea de estatismo terrestre, de que nada cambia, y esta idea a su vez forja la idea de perfección, serenidad y armonía de lo terrestre: eternidad=perfección. Ante esto el papel del hombre es muy conservador debido a esa concepción del mundo como algo perfecto. Hubo una ordenación del mundo a partir de un caos (por los dioses) y esa construcción es perfecta. Por eso las aguas del Nilo llegan puntuales todos los años. Tal perfección hay que conservarla tal y como nos fue dada por los dioses y conservar se convierte en una constante: conservar el cuerpo, conservar el arte, perdurabilidad, eternidad. El encargado de conservar ese orden es el Faraón, una figura política que nace de la necesidad de coordinar los trabajos agrícolas: construcción de canales de riego y de drenaje, coordinación entre la cuenca alto, media y baja, etc y que llegó a ser tan vital para los egipcios que lo divinizaron en vida. A nivel de estado, el faraón debe conservar el orden divino reuniendo al Alto y al Bajo Nilo. Cuando el orden se rompe, el pueblo echará la culpa al Faraón. Por otra parte la egipcia fue siempre una civilización aislada por un desierto hacia el Este, Oeste y Sur. Por eso fueron muy poco atacados pero tampoco sufren la evolución lógica de una cultura relacionada. Su país era el centro del mundo y el egipcio era el hombre por excelencia. En cuanto a su religión, el cielo no es diferente a la Tierra porque la ésta ya es perfecta. Al cielo se va con apariencia física y se vive igual que en la Tierra, por eso hay que conservar el cuerpo que será el soporte físico del alma en el cielo. Además en la tumba se pintan escenas de la vida del difunto en la Tierra y se le dejan objetos, riquezas, instrumentos y adornos para su vida eterna. La base de esta religión no es el dogma. La religión son los ritos, los cultos las fórmulas y de eso sí que hay, muchas fórmulas para presentarse ante los dioses. Sin embargo es toda una actitud social: los dioses disponen de sus destinos (juicio de Osiris) pero esto no era más que un fenómeno social por el que intentaban no sucumbir ante el caos. Por eso el pueblo egipcio ha sido el más religiosos de la historia, la religión era la vida. Si construimos varias mastabas superpuestas obtenemos como resultado la pirámide escalonada, como la de Zoser, faraón de la Tercera Dinastía y residente también en Sakkara, el cual contrató los servicios de Inhotep para realizar su tumba, algo que iba a convertirse en una costumbre: el faraón moraría para siempre en su tumba-casa eterna. Más tarde, en el Imperio Nuevo se abandona la pirámide y aparece la costumbre de enterrar a los faraones en complejos que son mezcla de tumbas y de templos, con una parte excavada en la roca y que es la tumba y otra parte exterior con pórticos arquitrabados y salas con pilares. Las de bulto redondo padecen rigidez, estatismo, idealización, sin movimiento, sin ningún sentimentalismo, sin pasión. del Imperio Antiguo y realizadas en piedra calcárea pintada, las de algunos otros faraones como Kefrén o Micerino, la de algunos escribas como el que se conserva en el museo del Louvre, datado en la V Dinastía y de sólo 53 cms de altura.
La Baja Edad media sucede a la Alta y la burguesía empieza a sobresalir de entre la maraña feudal. La vida urbana burguesa no es compatible con la pesada arquitectura romana. El máximo esplendor gótico coincide con el auge del gran comercio internacional, un movimiento continuo Oriente - Occidente entre los países de la lana y de la seda. Los puertos hanseáticos y las ciudades de Italia Norte se hacen con la dirección de este tráfico: dinero urbano. En busca de la centralización, las monarquías hacen cristalizar los núcleos urbanos. El régimen de la Soberanía centralizada real se opone al feudal de Soberanía dispersa. Así surgen villas nuevas donde la servidumbre se olvida con un año y un día de residencia. El campesino de estas nuevas villas se acerca al burgués, reciben una autonomía administrativa y una libertad urbana. Dos cosas destacan en la creación del espíritu urbano: un aumento demográfico y una recuperación económica. A ello se suma el esfuerzo jurídico del rey y el impulso del comercio que reactiva ferias, mercados, gremios e industrias. El hombre mira a la naturaleza (además que a Dios). El Arte se hace naturalista frente al geometrismo del románico. Los nominalistas rechazan los principios universales, proclaman que sólo lo individual y concreto debe ser objeto de estudio científico: Guillermo de Occan. Comienza una duda que crea una fase inmadura, insegura y dubitativo. El Gótico vive bajo la teología divina pero con baches y dudas que el Románico no tenía. Por eso las Catedrales góticas están inacabadas porque empezaban como la obra de nunca acabar. Dura varios siglos y cada arquitecto que pasa deja su huella. Por eso en pintura Dios ya no es inaccesible y omnipotente. El Dios Gótico sufre y su cara es de misericordia. Los demás personajes se ríen, lloran, conversan, con sentimientos y pasiones humanas. Se empieza a redescubrir tímidamente al hombre en busca de ese Renacimiento posterior. De hecho el Renacimiento no parece sino esa Baja Edad Media en Italia. Es la teoría de la doble verdad: Teología y Filosofía pueden coexistir. Santo Tomás nos dice que Dios nos revela una Verdad pero no incapacita a la razón para actuar en otro plano: en la Naturaleza, en la Ciencia y en el hombre como parte de esa Naturaleza. Esta época es el comienzo: de la lucha por las ciudades, del ascenso burgués y del humanismo artístico. El cambio brutal se da en el Cuatroccento italiano. No es un término definido y sus orígenes no están definidos excepto para arquitectura (San Denís en París) y no hay una definición homogénea porque cambia a lo largo de los siglos XII al XV y sobre todo en pintura. Vasari crea el término en el siglo XVI: Gótico = Bárbaro. En el siglo XVIII se revaloriza el gótico por que se revaloriza la cultura medieval y sobre todo donde más Gótico había: en Alemania e Inglaterra. Pero es en el siglo XIX cuando más se recuerda y más prestigio tiene. Durante el Romanticismo, los artistas buscan estilos nacionales pseudo-góticos y en el último tercio se crea el Neogoticismo en edificios religiosos, utilizando sobre nuevos materiales soluciones góticas. Pero fue Violet Le Duc, teórico francés del siglo XIX, el que descubrió el Gótico en sus aspectos técnicos. Los alemanes estudian la distribución del espacio: unitario y compacto pero muy jerarquizado. El principio y el fin están muy distorsionados. El siglo XII es el románico por excelencia pero Saint Denis es reformada en 1140 con cabecera gótica y en 1150 aparece ya por toda Francia. El siglo XIII es la época clásica del Gótico en arquitectura y se hacen las catedrales más altas. Los soportes: (fil 2) Al principio se siguen utilizando pilares cruciformes y columnas románicas pero cambian pronto. El estilo gótico es una continuación del Románico y en ningún ejemplo se aprecia mejor que en las obras de transición en la España del siglo XII, imperfecta desde el punto de vista de pureza estilística pero sumamente interesantes desde el punto de vista artístico. Obsérvese que las obras se encuentran en una franja medía que corre al sur del Camino de Santiago. El Románico penetró por el Norte a través del Rosellón o siguiendo el Camino de Santiago. Inundó la zona norte del país y comenzó a erigir monumentos en el valle del Ebro y del Duero. Pero estos fueron comenzados ya en el siglo XII y la mayor parte de ellos se coronaron en el S.XIII. Por ello el Ebro y el Duero son las líneas claves de este fenómeno de transición. La Catedral de Tarragona es uno de estos ejemplos de convivencia de estilos. No se comenzó hasta el 1171 y se continua su elevación a un ritmo muy lento, de modo que sólo a fines del S.XIII se llega a la fachada principal. Así pues la fachada de la Catedral de Tarragona es completamente gótica como puede verse en sus arcos apuntados, el abocinamiento de la portada, los Apóstoles adosados y la decoración del tímpano con tracería como es costumbre en el Gótico. Otro detalle esencial lo constituye el espléndido rosetón calado de piedra que corona la portada y que es un elemento típico del nuevo estilo. Sin embargo aún conserva entera una portada lateral completamente románica. También la Iglesia de Santiago en La Coruña es una muestra ejemplar de este estilo de transición, con su gran portada ojival que aún conserva una cornisa con arquillos ciegos, típica del Románico. El Rosetón y los arcos apuntados señalan, sin embargo, la directriz del nuevo estilo. La Iglesia es de una sola nave con cubierta de madera y rematada en tres ábsides semicirculares románicos. En el interior, los pilares cruciformes, todavía muy gruesos, sostienen arcos apuntados góticos. La obra fue realizada en la segunda mitad del S.XII aunque posteriormente sufrió muchas modificaciones en los siglos XIV y XV. Otro de los ejemplos ineludibles en este estilo de transición es la Catedral de Ávila, comenzada en el año 1172 y fue acabada en el año 1279, en plena época gótica en Castilla. Tanto la sencillez decorativa exterior como la interior nos ponen en contacto con la austeridad cisterciense, unida siempre al primitivo arte gótico. Lo más interesante de esta obra es su espléndida girola de doble nave, de clara influencia francesa. Se cubre con tramos de bóveda trapezoidales al estilo francés. Pero todavía conserva muchos rasgos de su primitivo estilo románico. El estilo gótico sufre una progresiva complicación a lo largo de la Baja Edad Media en España y podemos distinguir tres etapas distintas que se dibujan aproximadamente en los siglos XIII, XIV y XV. En el siglo XIII se comienzan la mayor parte de las catedrales castellanas (Toledo, León y Burgos). Es el siglo de la preponderancia castellana bajo los reinados de Fernando III y Alfonso X la reconquista sufre un tremendo avance llegándose hasta Andalucía, la cual es casi reconquistada. Es un siglo económicamente muy bueno para la Corona castellana y eso se trasluce en su preponderancia artística sobre la Corona de Aragón. En cambio en el siglo XIV va a llevar la iniciativa el arte levantino y catalán. Estas zonas de mayor densidad burguesa van a soportar mejor la crisis económica que afecta a toda Europa a partir de la epidemia de peste de 1348 y que va a afectar durante un siglo hasta 1450 aproximadamente. Hablamos de arte levantino y catalán y no de arte de la Corona de Aragón porque a pesar de que estaban unidas en una misma monarquía el reino de Aragón propiamente dicho va a comportarse en economía y por lo tanto en arte como si de un territorio castellano se tratara. Por lo tanto en el siglo XIV se hablará sobre todo de arte levantino y catalán. En el espacio central se abre un gigantesco rosetón calado y sobre él, un tercer cuerpo, una gran celosía de arcos de tracería que se rematan en una cresta calada. El interior es una planta de tres naves con un crucero muy alargado y un deambulatorio o girola (fil) de tramos de bóveda trapezoidales. Al exterior la catedral presenta unas esbeltas agujas en su fachada y en el espléndido cimborrio central (fil), ambas cosas de finales del siglo XV. Tanto en su planta, como en su concepción espacial y como en su realización práctica, la catedral de Burgos responde a modelos del Gótico más puro de la Francia del siglo XIII. La comenzó hacia el 1226 el maestro Martín y fue continuada en la segunda mitad del siglo por otro maestro llamado Petrus Petrí. Su girola se cubre con tramos de bóveda trapezoidales, siguiendo la norma clásica y presenta capillas polígonales radiales al exterior. Así se explica que el siglo de decadencia y luchas intestinas entre los castellanos sea el siglo de esplendor comercial de los levantinos. A fines del s.XIII y durante el XIV, los levantinos se dedican a levantar templos catedralicios en las ciudades que aún no los tienen. Su elevación consumió todo el siglo XIV y la primera mitad del XV. Sus torres se levantan (fil) en los extremos del crucero y una tercera lo hace a los pies, todas ellas de planta poligonal. El primer autor de la catedral parece ser Bertrand Riquer, que es quien la comienza en el siglo XIII, pero las torres y otros tramos superiores se deben al maestro mallorquín Jaime Fabré. La fachada principal es del siglo XIX. Su planta es de tres naves más dos de capillas laterales. La girola se cubre con tramos de bóveda trapezoidales y tiene nueve capillas radiales poligonales. La nave central es muy ancha y alta y toda la catedral se cubre con bóveda de crucería. Catedral de Gerona: También esta catedral se levantó sobre restos de monumentos románicos anteriores. Pero el desarrollo ciudadano que sufrió Cataluña a finales del siglo XIII obligaron a hacer un templo mayor. Así, hacia 1312 se comenzó la obra de la catedral actual, que se prolonga hasta el siglo XVII. La fachada central, a caballo de una monumental escalinata, es barroca del siglo XVII. Pero su interior es completamente gótico y original a la vez. Tiene tres (Fil) naves partiendo de la cabecera y hasta el crucero y a partir de allí se continua en nave única. Se reunió una comisión de arquitectos en la Corona de Aragón a fin de solucionar los problemas técnicos que representaba esta tremenda nave de una anchura desconocida hasta entonces, pues tiene 23 metros de ancho. A ambos lados de esta nave única se abren capillas laterales insertas entre los contrafuertes exteriores. La parte de la cabecera es normal, con tres naves y girola a la que se abren multitud de capillas radiales poligonales. Catedral de Palma de Mallorca: Sobre el solar de la antigua mezquita de los musulmanes se levantó el actual templo gótico en el 1269. En el siglo XIV se continua su ejecución en la cabecera. Las bóvedas no se cerraron hasta el siglo XVI y la fachada es muy posterior. Es un edificio de enormes proporciones en el que predominan las líneas verticales por la abundancia de contrafuertes a lo largo de los muros laterales (Fil) Su planta es de tres naves con capillas insertas entre los estribos laterales, abundantes y pequeñas. Las bóvedas son de crucería y la nave central tiene gran altura (44 metros). Tiene gran apertura de ventanales y vidrieras destacando un enorme rosetón de 11 metros y medio de diámetro que es el mayor del gótico español. La decoración es en extremo sencilla y austera. En este siglo se observa un nuevo despertar castellano, superados los años de inestabilidad política, y bajo los reinados de Enrique III y IV y los Reyes Católicos se vuelven a acometer grandes empresas constructivas como la grandiosa catedral de Sevilla. Pero el siglo XV tampoco es un siglo de decadencia para el gótico levantino sino que se produce más bien un cambio de directrices. Mientras que en el Siglo XIV predominó en Levante la arquitectura religiosa, en el siglo XV se desarrolla una espléndida arquitectura civil, paralela al desarrollo burgués de Cataluña y Levante. Una muestra de este gótico civil es la Lonja de Barcelona (fil) que se construyó entre el 1380 y el 1392. Se trata de un espacio de tres naves separadas por arcos ojivales que descansan sobre esbeltas columnas surcadas de baquetones. Todo ello cubierto de techumbre plana de madera. El esplendor del comercio mediterráneo dió gran auge a estos edificios donde se llevaban los trueques de mayoreo y demás operaciones relacionadas con el tráfico barcelonés. Es lo que conocemos por la Giralda, la cual ha conservado todo el aspecto de alminar almohade de macizas proporciones y decoración de una red de rombos en los planos laterales. Esto hizo que cuando se llegara a la cabecera en el siglo XVI se prescinda de la girola clásica del gótico por sentirla ya un tanto desfasado. Así se construyó una cabecera plana con una ábside central que se termina ya en el Renacimiento. Las bóvedas son de un recargamiento excesivo con multitud de nervios ornamentales que forman espléndidos dibujos de tracería. La escultura, sobre todo en sus primeros tiempos, conserva el carácter monumental y el sentido de la grandiosidad heredado del Románico, pero después el artista procura, cada vez más, dotar a sus personajes de expresión humana. Abandona el frontalismo y la verticalidad e inclina ligeramente su cuerpo hacia un lado para poder contemplar al hijo que tiene en sus brazos. Cuando esta sentada, en vez de colocar al niño entre las piernas y de frente, lo sienta sobre una de ellas para hacer posible el diálogo. Lo más destacado es el trecento italiano, donde se muestra un mayor interés por la belleza naturalista y el juego de volúmenes.. En los primeros años del siglo XIV, aparecen dos escuelas de pintura en la Toscana y ambas constituyen el antecedente directo del Renacimiento Italiano: la Escuela Florentina y la Escuela Sienesa. De las dos, la más innovadora es la florentina y tiene a Giotto como su máximo representante. Giotto rompe con los convencionalismos de la tradición bizantina que imperaba hasta entonces en Italia y su espíritu de observación de la realidad le distancia de los maestros sieneses coetáneos. Las expresiones dramáticas de los rostros, las figuras en movimiento y la gradación de sus colores suponen un avance sustancial, aunque sus montañas sean convencionales, sus fondos aún dorados y su paisaje muy esquemático. Él es la transición de la pintura gótica feudal y la renacentista en Italia.