68 10 828 https://bvhumanidades.usac.edu.gt/files/original/340567806d10da3e797747c8454829ec.pdf 1a86ab5aa061a399065a6db963d6c525 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource ARTE / MÚSICA Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Carlos Mérida Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context https://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_M%C3%A9rida Description An account of the resource Carlos Mérida (Quetzaltenango, Guatemala, 2 de diciembre de 1891 - Ciudad de México, 21 de diciembre de 1984) fue un pintor y escultor de origen guatemalteco, naturalizado mexicano. Su vida creativa se desarrolló entre Guatemala y México. Su hija fue la destacada bailarina de ballet y coreógrafa Ana Mérida. Nacido en el seno de una familia de clase media, su padre era abogado y su madre, de origen español, fue maestra de escuela. En su adolescencia comenzó a estudiar escultura, pero sus profesores le convencierón de cambiar a pintura. En 1922 Mérida trabajó con Diego Rivera para pintar los murales del Anfiteatro Bolívar en la Ciudad de México. En esa misma época colaboró como dibujante con el arqueólogo Manuel Gamio. En 1940 participó en la Exposición Internacional Surrealista celebrada en México. Un año más tarde fue nombrado profesor de arte en el North State Teacher College en Denton, Texas, y a partir de 1949 comenzó sus investigaciones sobre integración de las artes, aplicando los resultados en los murales que realizó para la Secretaría de Recursos Hidráulicos (1949), para el centro infantil del multifamiliar "Miguel Alemán", de [Av. Coyoacán] La obra más ambiciosa desarrollada por Mérida fue para el Centro Urbano Benito Juárez, también llamado Multifamiliar Juárez. En este último la temática se centró en torno a una serie de leyendas mesoamericanas acerca del origen del mundo ---"El Popol Vuh" (aludiendo al libro antiguo descubierto en Guatemala de los maya-quichés), "Los ocho dioses del olimpo mexicano", "El Ixtlexilt", "Los cuatro soles"---. Según consenso de los investigadores del tema, este fue el mejor ejemplo de integración artística entre los espacios arquitectónicos y la obra de Mérida, ya que para su realización hubo coordinación y trabajo entre ambas partes, y los murales de Mérida fueron emplazados en una gran variedad de espacios, desde grandes páneles en las fachadas de los edificios, escaleras, azoteas y hasta un paso a desnivel para autos hoy desaparecido. Una coordinación extraordinariamente feliz, de una integración rara vez obtenida... Dicha obra se perdió en su mayoría tras el daño sufrido por los edificios del centro urbano tras los sismos de 1985. Parte de las obras hechas por Mérida, rescatadas de los escombros, fueron trasladadas a un monumento ex profeso en la unidad habitacional Fuentes Brotantes del ISSSTE, al sur de la ciudad de México. Desde 1950 su arte experimenta ciertos cambios y su obra ofrece un estilo más próximo al constructivismo, como se observa en el edificio de Reaseguros Alianza de la Ciudad de México, cuyo mural "Estilización de motivos mayas" (1953) está realizado en mosaico de vidrio. En 1965 recibió la medalla de oro de la Dirección General de Cultura y Bellas Artes de Guatemala, y en 1980 "Orden del Águila Azteca" de la Secretaría de Relaciones Exteriores de México. Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant null Publisher An entity responsible for making the resource available Wikipedia.org "Carlos Mérida" "muralismo mexicano" "origen del mundo". "centro urbano" arquitectura arte ciudad Guatemala mexicano México multifamiliar obra plástica. abstracción Profesores https://bvhumanidades.usac.edu.gt/files/original/552218db8577c5ea10cf52df29107d2c.pdf f9de85316f3f6f5364fbbda01247d7a7 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource ARTE / MÚSICA Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Carlos Mérida Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context carlosvalenti.org/media/amigos/CarlosMerida-biografia.pdf Description An account of the resource Es uno de los artistas guatemaltecos más universales; su nombre está indisolublemente asociado, no sólo al surgimiento, sino también al destino del arte latinoamericano. Teniendo en mente su larga y coherente trayectoria, se puede afirmar que la dilatada vida del ilustre pintor estuvo fecundada por el sueño de una expresión legítimamente americana, y que su obra, hija de esa vida y de ese sueño, señala el camino a un arte cuyas formas -nuevas y antiguas al mismo tiempo- pretenden expresar la esencia inédita del hombre que se ha formado tras cuatrocientos años de historia. De origen maya -quiché, Carlos Mérida nació el 2 de diciembre de 1891 en la ciudad de Guatemala, pero sus padres eran oriundos de Almolonga, un pequeño pueblo situado a escasos cinco kilómetros de la capital provincial, el departamento de Quetzaltenango, y renombrado por la excelencia de sus baños termales. Al terminar la secundaria, inicia sus estudios artísticos en el Instituto de Artes y Oficios con el profesor Manuel Carrera. En 1907 su familia regresa a Quetzaltenango, donde continúa con sus estudios de pintura y dibujo, que había comenzado en la ciudad de Guatem ala. También sigue estudios de música bajo la tutela del maestro Jesús Castillo (1877 -1946), su más temprana pasión, pero una esclerosis auditiva lo obligó a dejar el estudio de la música. En 1909 concluyó sus estudios de bachillerato en Quetzaltenango, y su familia se instala en la ciudad de Guatemala en forma definitiva. En 1912 ante la inexistencia de galerías de arte, Sabartés anima a Mérida a viajar a Europa. Realiza su primer viaje de estudios a Europa en compañía de Carlos Valenti, quien se suicida a los pocos meses. Es así es como llega a París. Estudia con Kees Van Dongen, Amadeo Modigliani, Piet Mondrian y frecuenta sus talleres. Hace amistad con Diego Rivera, Pablo Picasso, Roberto Montenegro, Angel Zárraga, Jorge Enciso y otros artistas que viven en París. En el siguiente año viaja por varios países de Europa. Regresa a Guatemala en 1914, donde introduce temas locales y motivos indígenas en su obra. Propone junto con Rafael Yela Günth er, escultor, crear un movimiento nacionalista e indigenista en artes plásticas y etnología. -quiché y de español (sentía) el hondo conflicto de no ser infidelidad a sus orígenes, que Mérida descubrió en sí mismo al regresar de París en 1914, era justamente lo que caracterizaba a la cultu ra americana de principios de siglo. A raíz de esta negación -que por otro lado era y sigue siendo una nefasta pervivencia de lo colonial- el arte a degradada de un arte europeo ya superado, incluso en aquel tiempo. Su geometrismo, inspirado en el textil maya, fue muy de avanzado en los momentos en que se gestó. caracterizan la obra de Mérida definen, además, el de los procedimientos artísticos para rescatarlas y expresarlas, en su pintura casi no hay referencia a los acontecimientos de la actualidad. Expone por segunda vez en Guatemala, en 1915, en el edificio Rosenthal, exposición que marca el inicio de la pintura contemporánea de su país. Allí se unió al movimiento muralista, del que fueron exponentes destacados: Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Sequeiros, interviniendo activamente en la renovación del muralismo mexicano. Asimismo, fue uno de los primeros coleccionistas del arte popular guatemalteco y, junto a Diego Rivera, Gerardo Murillo y otros, el iniciador de la revalorización de las artes, artesanías e industrias populares de México y Guatemala. Obra entrañada en artesanías y tradiciones populares guatemaltecas, en la gracia primorosa de los textiles guatemaltecos. Primeramente se advierte la gracia y el talento para olvidarlos y vivir con nostalgia que recordarse lo que no existe. Imaginación al combinar formas con sensualidad matemática; hay musicalidad en su mundo austero. Acento nativo insertado en modernidad, con factura de orfebre. M aneja con imaginación su repertorio de signos, con buen gusto. Lo del buen gusto es memorable; reconozco en ese don la mejor obra suya. Motivaciones maduradas con el empeño de vida más que laboriosa, inquieta. Y después de alcanzar una primera respuesta, desbaratémosla para satisfacción de la exigencia íntima. Aquel que encuentra un molde de pasteles y sigue haciendo pasteles, nada tiene que con el arte; sí con la prostitución o la pastelería. Un artista nunca se encuentra en un artista; los de la familia de Van Gogh me son predilectos. Evoco la vida cortesana de Velázquez, la vida cortesana de Rubens, evoco la obra casi desaparecida de Leonardo, que llevaba consigo el aniquilamiento, el demonio de crear es más hermoso que el hermoso resultado mismo. Un fracaso interesante es superior a un éxito sin interés. Geometría sabia y elemental, inagotable movida de las piezas de ajedrez de Mérida. Las telas indígenas de Guatemala se transfiguran; ya no le vienen, y es otra cosa. Un brujo de códice, de estela, le da la mano y lo sube de la oscuridad de la infancia al mediodía de hoy. Veo en su telar cómo sueña su lanzadora finísima, cómo las imágenes van amaneciendo, cómo van despertando en el lienzo que teje. Si en parte alguna del cuerpo el alma se concentra es en el ojo. El ojo músico de Mérida para el color y para el diseño. Carlos Mérida rodeado de Marco Augusto Quiroa, Roberto Cabrera, devenga ágil ritmo, canto. Hay ejemplos faustos de arquitecturas sostenidas en dos puntos, con eficacia de lo cabal y de lo grácil, en los cuales se escucha la armonía de lo estricto. El muralismo, mi charla con los compañeros de Hispanoamérica, principalmente con los de México, me hacía suponer que todo continuaba inédito y que revelarlo constituía la petulante tarea inmediata. Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant null Publisher An entity responsible for making the resource available carlosvalenti.org "Carlos Mérida" "Diego Rivera" americana arte artistas artísticos ciudad Europa exposición Guatemala Instituto obra pintor pintura Quetzaltenango https://bvhumanidades.usac.edu.gt/files/original/20595ceb2589cbc5c3eadc4b8fb04f23.pdf 15f406d1837f3412ff6e5e56968f8d80 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource ARTE / MÚSICA Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource El mural en Guatemala Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context biblioteca.usac.edu.gt/tesis/07/07_0581.pdf Description An account of the resource Desde mediados de la década de 1950 los edificios del Palacio Municipal, el Instituto Guatemalteco de Seguridad Social, el Crédito Hipotecario Nacional y el Banco de Guatemala han pasado a formar parte del paisaje urbano capitalino y del diario vivir de los guatemaltecos. De tal forma, que ya son pocos los que se preocupan por descubrir las maravillas que poseen cada una de estas construcciones, obra de jóvenes visionarios que marcaron no sólo la fisonomía de la ciudad, sino también las páginas de la historia de la arquitectura y de la plástica guatemalteca. Estos vanguardistas diseñadores que venían influidos por sus estudios en el extranjero y las corrientes modernistas del momento, contaron con el apoyo de los artistas Carlos Mérida, Roberto González Goyri, Guillermo Grajeda Mena, Efraín Recinos y Dagoberto Vásquez, entre otros. Algunos de estos maestros plásticos encontraron en esos edificios la consolidación de sus carreras. Centro Cívico tuvo su origen en la apertura artística que se dio durante la década revolucionaria. Muchos de los jóvenes creadores en plena formación durante este lapso, tuvieron la oportunidad de acceso a becas para perfeccionar sus habilidades en las mejores escuelas de arte y universidades del extranjero. De ahí, que no resultara tan difícil encontrar a ese grupo de talentosos personajes que se unieron para concretar este proyecto, que aunque tenía toda la conceptualización moderna de la época, no dejaba de presentar rasgos precolombinos por la manera en que fue diseñado. Algunos estudiosos afirman que sus escalinatas, explanadas y elevaciones junto con los edificios que componen el conjunto urbanístico son una especie de remembranza de la Plaza Mayor de Tikal. Una idea comprobable si por un momento se cierran los ojos y se intenta recrear esas legendarias ciudades construidas con piedra, estuco y madera. Además, las ventanas eran poco frecuentes, y si se utilizaban, eran muy pequeñas y estrechas. Tal y como se aprecia en el edificio del Banco de Guatemala, que hoy nos ocupa, en el cual curiosamente los dictados de la corriente internacional pedían la supresión de ventanas e incluir defensas solares. Los exteriores de esas edificaciones precolombinas eran tratados de una manera especial porque se decoraban con esculturas pintadas, dinteles tallados, molduras de estuco y mosaicos de piedra. Las decoraciones se disponían generalmente en amplios frisos que contrastaban con franjas de ladrillos lisos. Al igual que esas construcciones contaban con su decoración, los arquitectos y artistas proporcionaron a estos modernos edificios creaciones monumentales e interiores ricamente decorados. Especialmente en el Banco de Guatemala, edificación en la cual la estructura de hormigón armado se combina perfectamente con la decoración mural de Roberto González Goyri y Dagoberto Vásquez, así como los esmaltes de Carlos Mérida en una reunión plástica sin parangón. "El inmueble es poseedor de valores únicos. Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant null Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad de San Carlos de Guatemala Facultad de Humanidades Guatemala edificio arte Banco maestro institución "Centro Cívico" Escuela artista obra arquitectura "Carlos Mérida" nacionalidad plástica personajes https://bvhumanidades.usac.edu.gt/files/original/54ae8b611827fbbd95b1b50ed8fe925e.pdf ee7deb9828d7e25bcc4951a66b553a29 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource ARTE / MÚSICA Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Historia del arte en Guatemala Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context biblioteca.usac.edu.gt/tesis/07/07_1931.pdf Description An account of the resource La presente investigación monográfica está referida a la Historia del Arte en Guatemala. Por su naturaleza, posee relación con elementos del arte, y con la historia del arte universal, por lo que se han investigado los períodos, y fases en las que ha pasado la humanidad y se considera los vestigios que ha dejado el hombre en cada uno de ellos como producto inicial del arte. El objetivo general de este trabajo, es el dar a conocer de forma panorámica el fenómeno del arte en el ser humano con relación al arte. El objetivo específico conlleva conocer como ha evolucionado el arte en Guatemala, especialmente en el área de la arquitectura, pintura y escultura. No se aborda la música, la literatura y las artesanías debido a que se considera que cada una de ellas, constituye tema específico para investigación, así como por la amplitud de la temática. Se debe resaltar que la temática con relación al arte ha sido abordada por otros autores, pero, no con espíritu crítico, el mismo se realiza en forma mínima, se ha intentado realizar en esta monografía. La misma, no contempla fechas específicas, para deslindar una época de otras, pero se tienen en cuenta ciertos elementos generales que permiten la delimitación del tiempo. Por la naturaleza del trabajo se inicia la investigación con fuentes secundarias, diccionarios, enciclopedias, libros específicos, que abordan la temática con cierto enfoque muy particular, así como el recurso del internet que aporta materiales de forma panorámica. Lo anterior, motivó al autor, la lectura, análisis, comparación y contraste de conceptos y definiciones. Cabe mencionar que antes de abordar la temática de forma medular, se ha considerado de forma breve el fenómeno del arte, de manera general, previo a la conquista de Guatemala, la que recibe el nombre de Arte Prehispánico. A continuación se presenta una breve síntesis de cada capítulo; y se considera el trabajo como un aporte a la investigación del arte lo que no agota el tema pero puede ser utilizada como punto de partida para nuevas investigaciones. Dentro de un ordenamiento lógico, el presente trabajo se ha desarrollado en seis capítulos, los cuales se detallan de forma breve, hilvanándose las ideas centrales de cada uno de ellos. Inicialmente en el capítulo primero denominado "Conceptos fundamentales del arte", el término: "arte ", se aborda con un enfoque etimológico, así como el término "estética ", estos términos se analizan con definiciones de dos o tres autores, se enfoca una panorámica con relación a las bellas artes, se introduce a la división de las bellas artes y se considera el fenómeno del arte con su componentes fundamentales. Se culmina esta parte, con definiciones del término estilo. Se han incluido estos conceptos, con la finalidad de comprender mejor al arte como expresión variada y subjetiva del ser humano. En el segundo capítulo se aborda nuevamente el concepto de arte, pero de forma general ya que se considera necesario enfocar el aspecto etimológico del mismo. Se considera al hombre como un animal estético por naturaleza, en donde hace uso de su creación, de su ingenio, para transformar lo que existe en su contexto inmediato, de tal manera que el estudio se inicia con la época prehistórica que abarca las eras: paleolítica y neolítica, las que dan paso posteriormente a la edad de hierro y la de bronce. Dentro del contexto histórico mencionado anteriormente, se ha considerado importante incluir lo concerniente al arte rupestre, como una manifestación primitiva que ha dejado su huella indeleble en el desarrollo artístico, a través del tiempo y del espacio. Cuatro pueblos han sido considerados como las civilizaciones que legaron al universo sus valiosas manifestaciones de arte, siendo ellas, las civilizaciones: egipcia, etrusca, romana y griega. Cabe destacar en este trabajo, que en el devenir de la historia de la humanidad, se han dado ciertos períodos o fases que se marcan por ciertas pautas generales, en los que la humanidad retoma, desecha o integra elementos del arte o los transforma, innovándolos e imprimiéndoles un nuevo enfoque. Por lo mismo se considera al Renacimiento, al Modernismo y lo Contemporáneo, como etapas en las que el arte presenta una nueva forma de interpretar o quehacer del arte. En el capítulo tercero se introduce la temática con un sucinto enfoque relacionado al arte, desde el punto de vista de la cultura maya, resaltando la importancia del concepto que tiene el arte dentro del pensamiento cosmogónico y su relación con el enfoque mitológico manifiesto en esta cultura. Se inicia con la arquitectura, la pintura y la escultura, cada subtema, como por ejemplo, el arte en la época colonial, asume ciertas características de la época, manifestándose con algunos rasgos del barroquismo, de lo clásico y neoclásico. Se continúa seguidamente con la época marcada por la independencia de nuestro país, encontrándose en este período, las tendencias propias del arte, así como los vestigios de cada época; hasta llegar a la actualidad en donde el arte exhibe sus matices propios de acuerdo a las exigencias de una sociedad cambiante. Al llegar al capítulo cuarto se tiene una reflexión con relación a la temporalidad del arte, el mismo no puede resistir al embate del tiempo y los conflictos de los pueblos y que al final solo quedan vestigios de su existencia, para luego iniciar un nuevo ciclo o enfoque de la creación artística del ser humano. En este mismo capítulo, se mencionan los personajes, considerados como exponentes relevantes de la pintura, la escultura y la arquitectura. No se incluyó a los también insignes artistas de la música y la literatura, por considerar muy ii extenso el contenido de este trabajo, dejándose esta temática para futuras investigaciones. Se finaliza el capítulo, con el desarrollo del arte en la actualidad. El capítulo quinto se inicia con el aspecto histórico de la Dirección General de la Bellas Artes de Guatemala, considerándose a ésta, como una Institución del Estado que impulsó y promovió el arte. Se hace referencia también al Conservatorio Nacional como una entidad que fomenta el arte desde la perspectiva musical. Posteriormente se aborda a La Municipalidad como un ente autónomo a nivel de la ciudad metropolitana que impulsa el arte, fomentando y apoyándolo en sus diversas manifestaciones. También se cuenta con el Centro Cultural Universitario, como un ente de apoyo al sector estudiantil. Aparece dentro del capítulo quinto, el Centro Cultural Metropolitano, que impulsa de una manera decidida, al arte guatemalteco. Se hace mención del Instituto de Antropología e Historia, como una institución directa de apoyo y restauración del arte en lo referente a la arqueología. Luego se pasa a ver como los diversos museos proporcionan el espacio y muestran al público el arte guatemalteco. Después se cita a la Constitución Política de la República y unos de sus artículos en los que se establece el apoyo al arte en nuestro medio, así como la Ley de Protección al patrimonio. Luego se da paso al Ministerio de Cultura y Deportes,describiendo lo referente al arte, como lo protege y lo impulsa a nivel general; por último se menciona a la UNESCO, como una institución internacional y se incluye la declaración de la ciudad de la Antigua Guatemala como patrimonio y monumento universal de la humanidad. El capítulo sexto se inicia proporcionando ideas de forma inductiva de cómo el arte evolucionó a la par del ser humano. Con relación a estudios realizados, se considera a varios personajes como Juan Jacobo Rousseau en su discurso con el titulo "Sobre las ciencias y el arte" así como a León Tolstoi con su libro: "Qué es arte". El contraste entre Tolstoi y Nico Hadjinicolaou en su libro "La Historia del arte y luchas de clases", se manifiesta con la divergencia de ideas relacionadas a la función del arte. El primero está de acuerdo en llamar al arte de forma universal y el segundo lo considera un instrumento de dominación de la clase pudiente. Cuando el ser humano desea hacer la diferencia entre la belleza de tipo artificial y la belleza de tipo natural, se enfrenta a un género, actividad específica, que es creada por él mismo, y al producto de esa creación se le denomina arte. Sin embargo cuando se analiza el fenómeno del arte, debe tomarse en cuenta no sólo al creador (artista) sino al que va ha apreciar dicha obra y que se le conoce como el contemplador. (El que aprecia y se impresiona con la obra.) El arte es, en un sentido amplio, lo siguiente: "Es el acto por el cual el hombre valiéndose de la materia, de la imagen o del sonido, imita o expresa lo material, y crea, copiando o fantaseando "(2) Concepto de arte de (Enrique Muñoz Meany) citado por José Mobil en Historia del arte Guatemalteco. El arte, se puede conceptuar como: la expresión o manifestación de sentimientos, ideas o emociones exteriorizadas por una mezcla o combinación de líneas, formas, colores o una sucesión de movimientos, ritmos o sonidos. El arte es parte inherente del ser humano, el hombre más sencillo sin ningún nivel académico, produce, crea ideas, y las lleva a la práctica. Enciclopedia Ilustrada de la Lengua Castellana, Editorial Sopena Tomo I Letra de A-D Argentina 1,956 Pág. En el libro la antropología filosófica, de Carlos Valverde. Dice lo siguiente: "Otra de las funciones simbólicas más características del hombre, y a la que ciertamente no alcanzan los animales, es la expresión artística de la belleza y su contemplación. En el libro de la historia del arte de Guatemala de Móbil se hace referencia a Hipólito Taine, teórico del arte, quien aplicó el método propio de las ciencias naturales al arte. Taine dice: " Para reconocer una obra de arte es tener conciencia de que la obra no existe aislada, por lo que se hace necesario buscar el conjunto del que depende y explica " Es decir buscar las característica del autor y de la obra. Afirma que para conocer con exactitud el estado general del espíritu de los tiempos que ellos pertenecen. Hablando en sentido general el ARTE es toda actividad humana que basándose en ciertos conocimientos lo aplica el artista para alcanzar un fin bello". Vale destacar que el término estética guarda una relación estrecha con el arte. En filosofía es la ciencia de las condiciones de lo bello en el arte y en la naturaleza "(4). "Ciencia que plantea los problemas fundamentales en relación con la producción artística, actividad creadora, la obra de arte, su goce y enjuiciamiento y su influencia general en la vida. "Ciencia que estudia la manera de formar los sentimientos bellos en el hombre y al mismo tiempo ennoblece su espíritu." Se visualiza a la estética como la teoría (contemplación) de la belleza, siguiendo al Filósofo Alexander Gottlieb Baumgarten, de origen alemán, quien acuña el término en el año de 1,753. Hay que dar reconocimiento en honor a la historia de lo bello que ha sido una constante a través de los siglos. Dicho autor utiliza el término estética, en el sentido de una teoría de la sensación adecuada, de una ciencia de lo bello. Es el estudio de la sensibilidad del alma y de esta manera llega a producir el placer que se convierte en el goce estético. La figura humana constituye el motivo principal de este estilo Clásico tardío, misma que reproduce el tipo físico maya clásico, con nariz aguileña, deformación craneana y ojos estrábicos. Se evita toda distorsión o presentación abstracta, geometrizante, o impresionista de los personajes. Su tendencia al naturalismo en las proporciones, las líneas suaves de contorno y los colores, que se apegan a los que en la realidad tienen los objetos representados, con una riquísima paleta en la que sólo están ausentes las combinaciones de rojo y azul, tales como el malva o el morado. Estos murales son ejemplo de una tradición de la pintura maya conocida como el estilo policromo. 3.7 Cerámica: El desarrollo técnico, a través de los siglos, abarcó desde las formas más sencillas y sin decoración hasta las más elaboradas y decoradas mediante pintura, relieve o elementos modelados. La decoración correspondiente al período preclásico consiste en aplicar sobre el barro fresco las uñas de los dedos, las puntas de algún objeto, conchas marinas, tejidos, cuerdas, sellos, así como pegar elementos sencillos de barro (castillaje). "La decoración pintada, bícroma, de elementos geométricos simples surge en el protoclásico y se vuelve policroma en el clásico, con temas geométricos o de animales estilizados en la fase temprana, para llegar al apogeo en el clásico tardío, en donde la variedad de formas es notable y las técnicas decorativas elaboradas comprenden todas las posibilidades plásticas y pictóricas." Las figurillas de barro aparecieron desde el preclásico inferior, eran modeladas, con rasgos toscos, incisión, perforación y castillaje. Desaparecen durante el preclásico superior y vuelven a producirse durante el clásico tardío; entonces representaban deidades, personajes importantes de la jerarquía civil y religiosa, jugadores de pelota, artesanos, guerreros, bailarines, seres anormales, ancianos y jóvenes, mujeres de distintos estratos, animales, etc. La mayor parte de las figurillas conocidas procede de la isla de Jaina, Jonuta y Palenque. Utilizado en la temática del arte de Guatemala, concretamente, refiérese a las obras artísticas realizadas en nuestro país, durante el régimen colonial o de dependencia de España. La Iglesia y la corona, se ocupan de la evangelización de los derrotados a quienes imponen su pensamiento y expresión artística. El arte colonial comienza con un rompimiento de casi toda la tradición indígena, si bien es cierto con algunos puntos de contacto, que determina características propias del arte colonial guatemalteco, tiene sus manifestaciones en todos los ámbitos sociales, pero se concentra en el campo religioso donde la arquitectura, la escultura y la pintura, logran sus máximas expresiones, adoptando una iconografía (término que describe la elaboración de imágenes y las pinturas cristiana por excelencia). La sociedad indígena en general atravesaba al momento de la conquista, los últimos grados de la etapa neolítica superior, por lo mismo no trabajaban los metales, no los conocían, solamente se trabajaba el cobre. En la época colonial, a la Iglesia se le otorga un amplio poder y debido a esto se tiene la adquisición de muchos fondos económicos para edificar templos. Entre otros se encuentra a Don José Manuel Ramírez, autor de la construcción de la Universidad de San Carlos en la Antigua Guatemala y del Colegio Tridentino. Se distingue también la Iglesia de la Merced, cuya bellísima fachada, está adornada con cuidadosos bajorrelieves, y en la parte superior tiene una imagen de la virgen de las Mercedes, a la par están las ruinas del Convento, con una bella fuente colonial. "y se comenta que el hecho de formar a un escultor exigía un conocimiento formal de la materia por parte del artista y al mismo tiempo un buen sustento económico y que esto requería exigir una retribución similar, porque implicaba mas tiempo de trabajo y conocimiento de la materia. Alonso de Paz: Esculpió la imagen de Jesús Nazareno de la Merced en Antigua Guatemala, una Magdalena, un San Francisco de Asís y muchas obras más. "Entre los años de 1,600 y 1,700 las pinturas se utilizaban como parte de los retablos, idea mexicana; una de las características en los cuadros, es que se observa mucha oscuridad, sin importarles la perspectiva, no existe colores muy definidos. La ciudad fue el centro urbbano y administrativo más importante del área, y se sostenía primordialmente gracias al trabajo forzado de los indígenas y los esclavos africanos. La economía se basaba primordialmente en la agricultura, y los cultivos más importantes fueron el maíz, el trigo, la caña de azúcar, el cacao y el añil. Las formas artísticas fueron predominantemente religiosas, con funciones pedagógicas dirigidas hacia los fieles. La imaginería guatemalteca de los siglos XVI al XVIII incluye ejemplos de los estilos: renacentista, barroco y neoclásico. La ciudad de Guatemala fue un centro de producción artística importante que desarrolló sus propios estilos y formas de expresión. La imaginería y la platería de Guatemala fueron muy apreciadas a lo largo del Nuevo Mundo, y se encuentran ejemplos importantes incluso en algunas iglesias de España. La plata se utilizó para elaborar muchos objetos de uso doméstico y litúrgico, a veces embellecidos con piedras preciosas. Los objetos de plata de la colección del museo incluyen objetos utilizados en el ritual de la misa, tales como candelabros, incensarios, un atril utilizado para sostener los libros en el altar y un sagrario donde se guardaban las hostias consagradas. Muchos objetos de plata presentan pequeñas marcas que identifican a la ciudad donde fue elaborada, y algunas veces al artesano, con lo cual es posible determinar con certeza su origen. La plata también fue utilizada por los miembros de las cofradías, grupos religiosos conformados por hombres y mujeres que se encargaban de la custodia de imágenes específicas. Las cofradías fueron introducidas por los sacerdotes españoles, y hasta el presente siguen siendo instituciones sociales de gran importancia en los pueblos indígenas. Una de las manifestaciones más espectaculares de la platería colonial se encuentra en las imágenes vestidas de plata, tales como el Arcángel San Miguel. En ocasiones especiales, los miembros de las cofradías llevaban sus imágenes en procesión, acompañadas por cruces, banderas, y escudos de cofradía. Uno de los rasgos distintivos de la imaginería guatemalteca fue el estofado, utilizado para replicar los brocados utilizados en la época. El estofado consistía en una lámina de oro que revestía las imágenes, sobre la cual se pintaban diferentes diseños. Un magnífico ejemplo se encuentra en la imagen de Nuestra Señora de los Dolores con manos y cara de alabastro, así como las de San Juan y María Magdalena, cuyos rostros, pies y manos son de marfil importado de las islas Filipinas. Se denomina mayólica a la cerámica vidriada de color blanco, manufacturada a base de estaño, a la cual se le añaden otros colores, en la segunda cocción. En Guatemala se sabe que se hizo cerámica de este tipo en San Miguel Totonicapán, Santiago de Guatemala y en la Nueva Guatemala de la Asunción, luego del traslado de la ciudad del valle de Panchoy al de la Ermita en 1776. A mediados del siglo XVI se tienen noticias de los primeros alfareros que vinieron de España, sin embargo a partir del siglo XVII comenzó un gran auge de fabricantes ya oriundos de Guatemala, situación que continúa a lo largo de los siglos XVIII, XIX y principios del XX. El león que se puede observar procede de la iglesia de la Merced en Antigua Guatemala. Este templo data originalmente de principios del siglo XVI pero tras haber sufrido varias remodelaciones por daños causados por terremotos fue inaugurado nuevamente en 1767. En su cúpula ostentaba dieciséis de estos leones. Tras el terremoto de 1976 uno de ellos cayó de su lugar y fue donado al museo. De loza vidriada en color amarillo ocre, es un magnífico ejemplo de la producción de cerámica mayólica en Santiago de los Caballeros durante la época colonial. La palabra retablo tiene su origen en las voces latinas retro, detrás, y tabula, mesa o altar. Y así es como se denominan a las estructuras que se levantan delante de los muros internos de un templo. Los retablos están constituidos esencialmente por elementos arquitectónicos, como columnas y entablamentos, los cuales creaban espacios destinados a contener pinturas y esculturas. En Guatemala se manufacturaron exclusivamente en madera, preferentemente cedro, muchas veces recubierta con lámina de oro. Además de enriquecer los muros internos del templo y de constituir el principal elemento del mobiliario eclesiástico, tienen como función primordial narrar de un modo gráfico, los principales pasajes de la historia y la vida de los santos, o algún otro tema religioso. El gran tamaño de los retablos obviamente implica un trabajo colectivo. Historia de la Imaginería Colonial en Guatemala, de Heinrich Berlín, además de los oficiales y aprendices que tomaban parte en su ejecución, cuatro diferentes artistas podían intervenir: ensambladores, escultores, doradores-estofadores y pintores. A los primeros les correspondía hacer el propio retablo con todos los ornamentos tallados. Los ensambladores se encargaban de hacer el propio retablo con todos los ornamentos tallados. Los escultores por su parte hacían las estatuas de bulto o de medio relieve, dejando su parte sin dorar ni pintar. Los doradores doraban los retablos con oro legítimo utilizando a veces en adición matices de otros colores. Ellos mismos usualmente aplicaban el estofado a las imágenes, en cuyo proceso cubrían las imágenes con una delgada capa de yeso sobre tela, en la cual luego aplicaban oro y pintura. Finalmente, los lienzos de pintura eran hechos por pintores profesionales. Varios cronistas del reino de Guatemala han dejado atestiguado en sus obras las diversas formas de ornamentar los templos, así tenemos que Fray Antonio Remesal, primer cronista del reino, menciona que entre 1615 y 1617, los retablos eran muy pobres en esta época. Luego de la pobreza inicial que Remesal señala, se tiene otro testimonio de Francisco Antonio de Fuentes y Guzmán para la última década del siglo XVII, quien describe los ornamentos de los templos como "...elegantes... En su obra, la Recordación Florida, se encuentran innumerables citas en las que se señala la riqueza de los ornamentos de los templos del obispado de Guatemala, principalmente en el altiplano central y occidental. Con el paso del tiempo y por varias razones, muchos retablos guatemaltecos han sufrido cambios iconográficos y formales. Entre las causas principales se pueden mencionar las preferencias devocionales de los fieles, el traslado de los retablos desde La Antigua Guatemala al valle de la Ermita después de los terremotos de 1773, los daños ocasionados a los templos de la ciudad de Guatemala y muchos pueblos del altiplano por los terremotos de 1917-1918 y 1976, así como el desconocimiento del valor histórico y artístico de los retablos, por los encargados de los templos. A lo largo del siglo XX, en la historia del arte colonial se ha manifestado una preocupación constante por establecer el grado de originalidad de esta producción artística, nacida a partir de los modelos europeos trasplantados a América tras el establecimiento español en el continente americano. Y para detectar esta originalidad se han señalado varios puntos de partida. Uno de los más importantes ha sido la identificación de temas procedentes del repertorio iconográfico de las diferentes culturas prehispánicas contemporáneas al momento de la conquista, incorporados a la decoración de obras propias de la cultura europea, especialmente de carácter religioso, como iglesias y conventos. A estos temas se han añadido también aquellos procedentes de la flora y la fauna americana. Los ejemplos se relacionan tanto con la cultura azteca en el área del virreinato de Nueva España como con las culturas preincaicas y la incaica en el virreinato del Perú. También han sido considerados como propios del arte mestizo los usos dados a los espacios, impuestos por las necesidades de la evangelización de una elevada población indígena. Este sería el caso de las capillas de indios o las capillas posas, tan numerosas en la arquitectura religiosa del siglo XVI en México y que se extienden hasta el siglo XVIII en el área andina. En estos ejemplos se ha valorado como un elemento clave la aportación indígena derivada del hábito de asistir a las ceremonias en grandes espacios abiertos en lugar de en lugares cerrados como las iglesias cristianas. Una variante del arte mestizo es el denominado arte tequitqui, palabra náhuatl que significa "vasallo" y que el español José Moreno Villa utilizó para definir "el producto mestizo que aparece en América al interpretar los indígenas las imágenes de una religión importada", con la consiguiente fusión de conceptos europeos e indígenas (La escultura colonial mexicana, 1942). Del mismo modo, la pintura colonial cuenta con un capítulo de "pintura mestiza", denominación utilizada fundamentalmente para designar a la producción anónima que se lleva a cabo en talleres del área andina, en torno a la ciudad del Cuzco, desde finales del siglo XVII a finales del siglo XVIII. A menudo es empleada como sinónimo de escuela cuzqueña. A ella se unen todas aquellas pinturas en las que se detecta la presencia de motivos indígenas junto a los cristianos. A partir de la fecha de la independencia de la República de Guatemala, 1,821, se determinan cambios importantes en la vida política, y se puede decir que es un punto de inicio de un periodo histórico, que en parte es válido para el estudio del arte. Se debe aclarar que desde el punto de vista artístico estos se dan como un proceso de continuidad sin un trasfondo radical. Los grandes templos y obras se continúan y se terminan a finales del siglo XIX, culminando así un periodo brillante de actividad arquitectónica. Una de las obras de gran importancia, que se construyó en la época independiente fue el Teatro Carrera, (en honor a un gobernante), denominado después Teatro Cristóbal Colon. La necesidad de un teatro se había sentido en el ámbito cultural de la ciudad de aquella época, fue así como después de algunos intentos con un proyecto de Miguel Rivera Maestre, en los tiempos del Doctor Mariano Gálvez. Los daños que le ocasionó el terremoto de 1,917-1,918 fue el pretexto para su demolición. En la época colonial se dió el Barroquismo y luego fue sucedido por el Neoclasicismo. Los estudiosos de este estilo, concluyen que el Barroco se caracteriza, por la suma extravagancia y ornamento en exceso, en el se rompe la rigidez de las formas, incorporando el movimiento den las fachadas y las plantas de los edificios, la escultura y la pintura se integra en un solo efecto visual. Este último se desarrolla en Europa dentro de las familias nobles y se le da importancia no solo en la arquitectura, sino también al ropaje o vestimenta, cuya característica es ser ostentosa y de volumen considerable, el peinado es de volumen grande y alto ya la vez se utiliza una pluma de avestruz para adornarlo. " El barroco guatemalteco, con su centro principal en la que es hoy la Antigua Guatemala, no puede ni debe excluirse en un enfoque dedicado al estudio general del barroco americano....Hay que hacer notar que el barroco guatemalteco es deudor a las expresiones artísticas europeas, y en especial a las españolas, así como punto intermedio entre el norte y el sur, guarda una intima relación con otras expresiones artísticas americanas, en constante flujo y reflujo de aportaciones. Periodo del gobierno del Coronel Carlos Castillo Armas. Durante el gobierno del Coronel Miguel Idígoras Fuentes se efectúa la demolición del Estadio Escolar o Autonomía, lo que permite la construcción del Crédito Hipotecario Nacional. En Francia, Mérida conoció a Pablo Picaasso, entablando una relación con el famoso pintor. Al regreso a Guatemala, Sabartes, le apoyó en su segunda exposición, pero con la nueva corriente denominada Surrealista, aunque al principio fue Realista como pintor (pintó paisajes, retratos, temas religiosos). Se dice que, esa exposición, la segunda, marcó el cambio del arte en Guatemala. Y en escultura, Anita Brenner, en su libro "Ídolos detrás de los dioses ", expresa de Carlos Mérida, lo siguiente: "Mérida fue la brisa que se adelantó a la tempestad, heredó de sus abuelos los Mayas, el gusto y la elegancia en la Abstracción" ". Este artista destacó tanto en nuestro país como en el extranjero, ya que sus obras se han exhibido en las más prestigiosas galerías de Europa, Estados Unidos y México, lo que le ha hecho merecedor de altos galardones internacionales y guatemaltecos. Sus obras más importantes son: los murales en mosaico veneciano del Palacio Municipal de la ciudad de Guatemala, los murales exteriores del Instituto Guatemalteco de Seguridad Social, (La raza mestiza), frente a la municipalidad "Intenciones muralistas sobre un tema maya ". Los murales de cobre esmaltado de los edificios del Banco de Guatemala y del Crédito Hipotecario Nacional. También se puede apreciar su obra en los murales de algunos edificios de la Ciudad de México como "Reaseguros Alianza" y "Crédito Bursátil". Nació en la ciudad de Cobán Alta Verapaz, el 28 de julio de 1899. Su padre el general Herculano Gálvez y su madre Francisca Suárez Lemus, pintor muralista autodidacta de la línea de los naturalistas. A la fecha del nacimiento de Alfredo, el padre ocupaba el cargo de jefe político de Alta Verapaz. Al advenimiento del régimen de Manuel Estrada Cabrera, renunció al cargo y se dedicó a la agricultura en aquel mismo departamento. Algunos años después la familia se trasladó a Guatemala, en donde se radicó definitivamente. Alfredo Gálvez Suárez contrajo matrimonio con doña Josefina Morán, en 1929, con quien procreó tres hijos. Murió en la ciudad de Guatemala, el 14 de diciembre de 1946. Sus obras estaban centradas en el paisaje y en el ser humano del altiplano. Gálvez Suárez fue un autodidacta ya que no asistió nunca a escuelas o academias de arte, únicamente cuando era muy niño recibió lecciones con el artista español Justo de Gandarias. En 1923, cuando su producción artística comenzaba a destacar, obtuvo una beca del gobierno mexicano para conocer de cerca el movimiento plástico de aquel país. El gobierno del general Lázaro Chacón le otorgó una pensión que disfrutó los años 1927 y 1928. Fue dibujante de la litografía "Byron Zadik", de 1928 a 1939. En 1939 y 1940 hizo los murales del Palacio Nacional, a petición del General Jorge Ubico. y en 1940 fue designado catedrático de la academia nacional de Bellas Artes. Ese mismo año también fue nombrado por el gobierno de la república para hacer las decoraciones murales del pabellón de Guatemala en la Exposición internacional de Golden State. En 1945 fue nombrado profesor de dibujo y pintura del Colegio de Bellas Artes de la Universidad de Nuevo México, Estados Unidos. Expuso su obra en múltiples oportunidades, en Guatemala, México y diversos estados de Norteamérica, con un éxito muy considerable. La temática de Gálvez Suárez está constituida por el paisaje físico y el paisaje humano de Guatemala. El rico colorido de su paleta y su preciosismo para captar la tonalidad tropical y los rasgos físicos de los indígenas fueron característicos de toda su obra. Su valiosa colección que quizá sobrepasa las mil obras se encuentra casi toda en manos de coleccionistas particulares, nacionales y extranjeros. Algunas instituciones, como el Banco de Guatemala, la Escuela Nacional de Artes Plásticas, el Museo Nacional de Historia y Bellas Artes, el Hotel Mayan In, etc., poseen varias obras de Gálvez Suárez. El artista también es autor de un álbum de reproducciones litográficas, llamado Indios de Guatemala. Humberto Garavito nace el 26 de enero de 1,897 y muere en 1,970. Pintor guatemalteco, Inició su formación artística en la ciudad de Quetzaltenango, donde tuvo la oportunidad de relacionarse con Jaime Sabartes y de ser compañero de Carlos Mérida, Continuó el aprendizaje en la ciudad de Guatemala, y después, en la ciudad de México, en la Academia de San Carlos, donde fue compañero de R. Tamayo, Roberto Montenegro y M. Covarrubias. Dirección de la Academia de Bellas Artes. Para esa época Garavito había desarrollado un estilo derivado de los impresionistas franceses que lentamente, dosificado, reaccionando al gusto del público guatemalteco, se hizo más naturalista. Su técnica por excelencia, fue el óleo sobre tela, generalmente en cuadros de dimensiones pequeñas y su temática selecta fue el paisaje, en cierta forma, se le puede considerar " Descubridor", de la extraordinaria belleza de la naturaleza guatemalteca, como motivo pictórico. Los temas mas usuales fueron las montañas, los volcanes y los lagos del altiplano, y fue el primero en incorporar a los nativos con sus trajes de gran colorido. Fue figura central y protagonista de todo un grupo de pintores naturalista o conocidos como figurativos, entre ellos se menciona a Antonio Tejada Fonseca, Valentín Abascal, Hilary Arathoon, Miguel Ángel Ríos y José Luís Álvarez. La corriente del Naturalismo en pintura, sigue vigente en Guatemala, por medio de muchos pintores jóvenes, para los que Garavito continua siendo maestro. Como coleccionista e historiador de la pintura, fue el revalorizador del miniaturista F. Cabrera. Nace en el municipio de San Juan Comalapa, del departamento de Chimatenango en enero de 1,891, desde su niñez le gustó participar en las costumbres de su pueblo, observa a los cofrades y a las capitanas, no tuvo la oportunidad de educarse, pero su inclinación por la pintura fue notable, sus primeras pinturas fueron con pintura de pared, su talento hizo que se interesaran en sus obras, por lo que fue autodidacta. Conoció al pintor Humberto Garavito, a quien le gustaron sus pinturas. Expuso sus pinturas en la Galería Arcana en la ciudad capital, la cual fue un éxito, pues vendió todas sus 23 obras pintadas. Se puede expresar de Andrés Curruchic, que fue un pintor costumbrista, que tiende a ser primitivista y original. Sus obras fueron expuestas en San Diego California. Expuso sus pinturas en Texas, Massachussets, Nueva York y Michigan, con gran éxito. La mayoría de sus obras se encuentran en el extranjero, en colecciones privadas y algunas en museos, parte de ellas se localizan en el Museo Ixchel en la capital. Debido a su expresión propia de pintar, inicio esa tradición en su pueblo, al grado que ahora se conoce a San Juan Comalapa, como: "La Florencia de América. Recibió la condecoración Orden del Quetzal en el grado de Gran Cruz en el año de 1,960. Nace el 4 de marzo de 1,912, en la ciudad de Quetzaltenango, su padre era de Carrara, Italia y se llamó Andrés Galeotti Barrantini, su madre era quezalteca y se llamó Maria Concepción Torres de Galeotti, hijo único, se identificó con su ciudad natal, donde se graduó de Bachiller, viajó a Carrara, Italia, donde estudió pintura, escultura y técnica de tallado en mármol. Escultor: Uno de los más importantes exponentes de la escultura guatemalteca del presente siglo. Compenetrado de la necesidad de forjar nuestra identidad nacional, durante toda su carrera artística trabajó en temas que enaltecen a Guatemala: el héroe mítico, el hombre autóctono y una galería de personajes de nuestra historia. Fue Director, de 1947 a 1954 y, durante su gestión, se cambió el nombre de "Academia de Bellas Artes" a Escuela de Artes Plásticas. También se dieron cambios importantes, tales como la incorporación al claustro de destacados artistas como Dagoberto Vásquez, Grajeda Mena, Arturo Martínez y el grabador mexicano Arturo García Bustos; asimismo, se instituyeron nuevas clases como la de Grabado y Talla, y se otorgaron becas internacionales, para contribuir a la formación de alumnos destacados. Algunas de sus obras: Jugador Maya de pelota (bronce), Centro Financiero, zona 4, Guatemala; Tecún Umán y Monumento a la Marimba, Quetzaltenango; Manuel Tot, Cobán; Atanasio Tzul, Totonicapán. Pero se dedicó a la escultura, sus esculturas están en diferentes lugares de la República de Guatemala. Entre ellos tenemos el Monumento a Jesús Castillo en San Juan Ostuncalco Quetzaltenango. En el monumento a la Marimba utilizó de modelo a su hija Anaité, para esta obra de arte. Participó en la decoración del Palacio Nacional, por dentro y por fuera, que ahora es el Palacio Nacional de la Cultura. Elaboró la fuente de la Plaza de la Constitución. Dentro de sus obras se encuentran, el monumento a al héroe nacional Manuel Tot en el parque de Cobán. Dos estatuas del hermano Pedro, una está en el cementerio Las Flores en la capital y la otra en la Antigua. Otra estatua es la del héroe Atanasio Tzul en el departamento de Totonicapán. Galeotti Torres es uno de los escultores que tuvo mas producción, por lo que el 4 de marzo, día de su cumpleaños se declara como el Día del Escultor Nacional. Durante los años posteriores, expuso varias veces en París, tanto escultura como litografía para ilustrar un libro de poemas de René Coutelle. Dentro de sus obras se destaca la siguiente: La doncella Ixquic, en detalle de un mural en el museo de Arqueología, está elaborado en acrílico sobre lienzo. La plástica en la década de 1,980. La situación política siguió siendo motivo de inquietud para los artistas de la plástica en esta década de mayor enfrentamiento armado interno. En 1,981 Luís Díaz elige el título de "cien tetuntes "para un montaje ambiental que expresaba la desesperanza ante la situación política. Otros artistas exteriorizaban sus denuncias, surgiendo una época en la que algunos de estos utilizaron animales zoomorfos y animales demorfes en la pintura, el dibujo y el grabado, para sus mensajes de protesta. Moisés Barrios, Rolando Ixquiac Xicará Arnoldo Ramírez Amaya, Erwin Guillermo e Isabel Raíz, pueden citarse dentro de esta tendencia. A pesar de esta situación, las condiciones difíciles del país, comenzaron a mejorar en algunos aspectos y favorecieron al resurgimiento de manifestaciones artísticas como el grabado. Moisés Barrios, quien estudió en la Real Academia de San Fernando, Madrid, convirtió su taller en un centro de intercambio de ideas y experiencias entre artistas de intereses comunes. En ésta época también el Pintor Elmar René Rojas obtuvo en 1,982 el premio único en la Bienal de Panamá y el premio Cristóbal Colón en 1,984, en un encuentro patrocinado por el Ayuntamiento de Madrid. Otro hecho importante fue el surgimiento, hacia l,980, de un nuevo tipo o modelo de arete decorativo, ajeno a cualquier compromiso ideológico, que alcanzó considerable auge comercial y dentro de lo que los temas nacionalistas y folklóricos ocuparon lugar especial. También surge un movimiento regional de arte contemporáneo, en la ciudad de Quetzaltenango, impulsado por artistas herederos de las ideas de Rolando Ixquiac Xicará. En este grupo sobresalieron Carlos Marco Castillo, Rolando Aguilar y Francisco Vela. Grupo Imaginaria, formado inicialmente por Moisés Barrios y el Fotógrafo Luís Gonzáles Palma, Isabel Ruiz, Erwin Guillermo y el escultor Pablo Swezey. El objetivo del grupo nuevo era ofrecer un espacio en el que pudieran exhibir trabajos diferentes al del arte decorativo y al mismo tiempo, descentralizar la actividad artística monopolizada por la capital. Se integra también la fotografía como manifestación artística. Obras del grupo Imaginaria han sido aceptadas en diferentes exposiciones del extranjero, como en la que se realizó en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México, en 1,988, y en el Museum of Contemporary Hispanic Art., en Nueva York, en 1,989. Rossina Cazali termina su ensayo expresando que en las postrimerías del presente siglo, la historia reciente del arte en Guatemala deja pendiente muchas expectativas. Sin embargo la Historia Popular de Guatemala es concluyente expresando que no ha existido vacío artístico en la segunda mitad del siglo XX y que la plástica es fiel testigo y el valioso documento del acontecer cultural y social del país. Según Grajeda Mena citado por el teórico de la esterita José A, Móbil, dice: "El presidente José Maria Orellana, preocupado por llenar la ciudad de algunas obras de arte, algunas esculturas, de las fabricadas en serie, vinieron de Europa con el objeto de embellecer el paseo de la Reforma algunas confecciones en bronce, aún pueden observarse en aquellos sitios, mientras que las de mármol han desaparecido. En la época del presidente Orellana vinieron a Guatemala muchos artistas extranjeros. Entre los que destacaron Antonio Doninelli; Andrés Galleotti Berrantini, el primero milanés y el segundo de Carrara, Juan Esposito, Francisco Durini; Bernardo Cauccino, Acchille Borghi, Luis Liutti y Desiderio Scotti, También llega en ese tiempo el escultor español Tomás Mur. El escultor Durini diseñó la estatua ecuestre del general Barrios y la de Miguel García Granados, Galeotti Barantini montó las piezas de mármol del desaparecido palacio de la Reforma; Acchille Borghi es el autor del León de Quetzaltenango y de la estatua de Bronce del general Barrios que se encuentra en San Marcos. Según Grajeda Mena, es quizás, la primera escultura fundida en Guatemala. Liutti hizo las decoraciones del pasaje Enríquez y fundó la escuela de modelación de la sociedad de artesanos de Quetzaltenango: Tomás Mur fue el autor de las estatuas de Fray Bartolomé de las Casas y de las de Cristóbal Colon, que se encuentran en la ciudad de Guatemala. Desiderio Scotti es el autor del monumento al general Barrios. Según José A. Móbil, al comenzar el presente siglo, vino al país el escultor venezolano Santiago Gonzáles, quien compartió su trabajo con los artistas nacionales de la época, encabezados por salvador Posadas y los padres J. Escobar y el español Justo de Gandarias. Santiago Gonzáles tuvo a su cargo las esculturas de los tímpanos del templo de Minerva que se construía en el hipódromo del norte, actualmente demolido. Pronto se abre una escuela de arte, en la que se comienza a impartir los conocimientos de la escultura moderna; es un producto de la escuela de Rondín y Falguiere, los maestros impresionistas. A la Escuela de Gonzáles asisten Carlos Valentí, Rafael Yela Günther, Carlos Mérida, Rafael Rodríguez Padilla, entre otros muchos que pasaron por sus aulas. Y secretario de Picasso, llega a Guatemala en aquel año. Según Grajeda Mena citado por Móbil, Santiago Gonzáles y Jaime Sabartes son los puntos de partida para el arte moderno guatemalteco. En el año de 1,920, Rafael Rodríguez Padilla termina los bustos de Francisco Vela y de José Milla, un tiempo después es nombrado Director de la Academia Nacional de Bellas Artes y realiza el monumento a Lorenzo Montúfar, ejecuta el monumento a Isabel la Católica, la maqueta para el monumento a Tecún Umán en la ciudad de Guatemala y los monumentos a Benito Juárez y a Gabriel Pinillos en Quetzaltenango. Entre l,947 y 1,954, Rodolfo Galeotti Torres, es director de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Es el maestro de la escultura, realiza variedad de retratos y monumentos, localizados hoy en diversas plazas y avenidas de la ciudad capital y departamentos, entre ellos tenemos: "Tríptico a la Revolución" de 1,945, "Canto al Sudor" l,946, "Cinco Caciques Centroamericanos "1,949. De la Escuela de Artes Plásticas, surge en los años 50 el grupo Vértebra, integrado por Roberto Cabrera, Marco Augusto Quiroa, Elmar René Rojas y Rafael Pereyra, todos trabajan pintura, escultura y grabado; unidos a este selecto grupo, se encuentran los artistas Gilberto Hernández, Efraín Recinos y Luís Díaz. En esta época, de 1,947 a 1,959 "Surge un movimiento de artistas y conforman varios grupos donde expresan movimientos de vanguardia, expresionismos, abstractos figurativos, realistas y mezclas. Dentro de la escultura sobresale: "La ofrenda" hoja de metal soldada por Dagoberto Vásquez y la "Maternidad" por Máx Saravia Gual .En el centro financiero del Banco Industrial, en su plaza de acceso, se encuentra la escultura "Jugador de Pelota Maya" del maestro y escultor Rodolfo Galeotti Torres; en la corporación de Occidente con una escultura en metal de Gonzáles Goyri, y otros. Tanto en escultura como en la plástica guatemalteca, se sigue con las mismas tendencias internacionales. Se creó la escuela de Sueños de Cartuchos, de María Dolores Castellanos. En la actualidad existes otros artistas que han destacado en el campo de la escultura. Entre ellos se encuentra Luís Humberto Díaz, Jacinto Guas, Manolo Hernández, Ruth de Villagran. 104. Quintana Samayoa, Luana María Recopilación de la Historia del Arte Universal y Guatemalteco. Según la revista Domingo de Prensa Libre del año 2,004 en la Pág. 2425 se indica que: "En el interior del país también se lleva acabo trabajo de arte. En la primera ciudad de Guatemala, Tecpán Guatemala existe La Galería de Arte Tzutujil fundada hace doce años para promover la obra de los pintores Gonzáles Chavajay, en esta galería se exhiben, escenas cotidianas y paisajes, las obras son de artistas procedentes de San Pedro La Laguna, Sololá." La pintura popular guatemalteca manifiesta el poder artístico del pintor popular, cuya inspiración traslada y comunica vivencias, tradiciones, costumbres y por supuesto parte de su cosmovisión. La pintura popular indígena trata de transmitir las emociones que el artista percibe de su comunidad, las leyendas, los mitos, las formas tradicionales de organización y de trabajo. Esta clase de pintura se manifiesta en dos formas: la pintura popular religiosa y la pintura popular no religiosa. La pintura popular religiosa es representada en los exvotos, pinturas pequeñas que constituyen ofrendas que se colocan en las paredes de los templos católicos. Los temas no religiosos son aquellos representados por la cotidianidad de las relaciones sociales de las comunidades. En Guatemala los representantes de la pintura popular son los pintores de San Juan Comalapa y Patzicía en Chimaltenango, San Miguel Totonicapán, Santiago Atitlán, San Juan La Laguna y San Pedro La Laguna en Sololá. La pintura popular guatemalteca tanto profana como religiosa permite ocultar retrospectivamente, en el tiempo y el espacio, la vida diaria de las clases populares. La pintura popular guatemalteca manifiesta el poder artístico del pintor popular, cuya inspiración traslada y comunica vivencias, tradiciones, costumbres y por supuesto parte de su cosmovisión. Según el origen histórico de la Dirección General de Bellas Artes, ésta surge con el nombre de "Departamento de Educación Estética, que funcionó como una dependencia del Ministerio de Educación Pública, que en esa época poseía como objetivo transformar las actividades de esta naturaleza en los establecimientos de nuestro país." Se visualizaba modernizar, y dar un sentido moderno al canto escolar, iniciándose con conjuntos corales y orquestas infantiles que tendieran a la formación de la educación artística de los alumnos, principiando desde el nivel de preparatoria, hasta a la educación media. Este es el punto de origen y la necesidad de orientar a los docentes que realizan esta tarea y seleccionar, obras que por su valor educativo y estético fueran adecuadas al grado de desarrollo del educando. Se puntualizaba que era necesario dignificar las actividades manuales, que para esa época era una ilusión en nuestro medio. Era necesario renovar actividades como la danza, que no se practicaba con anterioridad en el ámbito escolar. Se percibía la necesidad de reorientar el dibujo que no era más que copia, se necesita crear el sentido de la creatividad, en el niño y finalmente fue necesario revisar, y actualizar los planes de estudios del Conservatorio de Música y de la Escuela de Artes Plásticas, con respecto a la formación del docente. En el ambiente se respira ciertos visos de reforma educativa, por lo que se nombran personas especializadas para que supervisen y orienten estas actividades en los establecimientos. En el año de 1,950,(época del presidente Juan José Arévalo Bermejo) las actividades del Departamento se habían ampliado considerablemente. Se otorgan diplomas a los maestros del canto escolar, que han cumplido con las exigencias establecidas por el Ministerio de Educación Pública. Se organizaron exposiciones de pintura, dibujo y artes industriales, y promocionaron distintas temáticas de tipo cultural. Normalmente, al Conservatorio Nacional se le asocia con el Coro de Guatemala y la Orquesta Sinfónica Nacional, de los cuales, se describe a continuación, su evolución histórica. Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant null Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad de San Carlos de Guatemala Facultad de Humanidades "artes plásticas" arquitectura artes artistas artístico conservatorio construcción culturas época escultura expresión guatemalteca institución naturalista pinturas https://bvhumanidades.usac.edu.gt/files/original/ffa41dd88dd31e27e8068e539af798ea.pdf 99172e1ff550d289dc0e140523f0a564 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource ARTE / MÚSICA Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource LOS MURALES DEL BANCO DE GUATEMALA Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context www.banguat.gob.gt/info/murales_banguat.pdf Description An account of the resource Caminar por el Centro Cívico de la Ciudad de Guatemala es una experiencia que seguramente habrán experimentado los primeros pobladores del país en sus imponentes ciudades para los días de mercado. El sitio es visitado diariamente por miles de personas que deben realizar sus trámites administrativos en las distintas instituciones públicas que conforman esta muestra de la creatividad estética guatemalteca. Desde mediados de la década de 1950 los edificios del Palacio Municipal, el Instituto Guatemalteco de Seguridad Social, el Crédito Hipotecario Nacional y el Banco de Guatemala han pasado a formar parte del paisaje urbano capitalino y del diario vivir de los guatemaltecos. De tal forma, que ya son pocos los que se preocupan por descubrir las maravillas que poseen cada una de estas construcciones, obra de jóvenes visionarios que marcaron no sólo la fisonomía de la ciudad, sino también las páginas de la historia de la arquitectura y de la plástica guatemalteca. Los arquitectos Jorge Montes, Carlos Heussler, Raúl Minondo y Roberto Aycinena fueron contratados para realizar estas edificaciones de gran simbolismo para el país, porque en el sector se centra una gran cuota de poder político, económico y legal. Estos vanguardistas diseñadores que venían influidos por sus estudios en el extranjero y las corrientes modernistas del momento, contaron con el apoyo de los artistas Carlos Mérida, Roberto González Goyri, Guillermo Grajeda Mena, Efraín Recinos y Dagoberto Vásquez, entre otros. Algunos de estos maestros plásticos encontraron en esos edificios la consolidación de sus carreras. Centro Cívico tuvo su origen en la apertura artística que se dio durante la década revolucionaria. Muchos de los jóvenes creadores en plena formación durante este lapso, tuvieron la oportunidad de acceso a becas para perfeccionar sus habilidades en las mejores escuelas de arte y universidades del extranjero. De ahí, que no resultara tan difícil encontrar a ese grupo de talentosos personajes que se unieron para concretar este proyecto, que aunque tenía toda la conceptualización moderna de la época, no dejaba de presentar rasgos precolombinos por la manera en que fue diseñado. Algunos estudiosos afirman que sus escalinatas, explanadas y elevaciones junto con los edificios que componen el conjunto urbanístico son una especie de remembranza de la Plaza Mayor de Tikal. Una idea comprobable si por un momento se cierran los ojos y se intenta recrear esas legendarias ciudades construidas con piedra, estuco y madera. Además, las ventanas eran poco frecuentes, y si se utilizaban, eran muy pequeñas y estrechas. Tal y como se aprecia en el edificio del Banco de Guatemala, que hoy nos ocupa, en el cual curiosamente los dictados de la corriente internacional pedían la supresión de ventanas e incluir defensas solares. Los exteriores de esas edificaciones precolombinas eran tratados de una manera especial porque se decoraban con esculturas pintadas, dinteles tallados, molduras de estuco y mosaicos de piedra. Las decoraciones se disponían generalmente en amplios frisos que contrastaban con franjas de ladrillos lisos. Al igual que esas construcciones contaban con su decoración, los arquitectos y artistas proporcionaron a estos modernos edificios creaciones monumentales e interiores ricamente decorados. Especialmente en el Banco de Guatemala, edificación en la cual la estructura de hormigón armado se combina perfectamente con la decoración mural de Roberto González Goyri y Dagoberto Vásquez, así como los esmaltes de Carlos Mérida en una reunión plástica sin parangón. "El inmueble es poseedor de valores únicos. Su existencia materializa la suma de filosofías humanistas que se fundamentaron en la necesidad de una creación con fines sociales. En ese lenguaje moderno con todo su peso que dio paso a otras expresiones y búsquedas para el artista guatemalteco", define Guillermo Monsanto en una monografía sobre el edificio de la institución bancaria. Con el concepto de integración muy claro, los jóvenes creadores apostaron por un sitio que fuera el exponente de una arquitectura moderna que respondiera al trabajo colectivo e interdisciplinario. La pintura y la escultura se fundieron con el cuerpo arquitectónico y no se tomaron como adornos vacíos sin significado. Los edificios se presentaron como una muestra de funcionalidad. Además, de constituirse en una parte importante de ese centro urbano, que aún ahora, 50 años después de su concepción, sigue vigente. A decir del arquitecto Jorge Montes en su artículo "Centro Cívico: un corazón de ciudad", la escultura y la pintura deben considerarse como la misma esencia de un edificio, desde que éste se planea. consecuencia, que la labor pictórica y escultórica queden introducidas en el cuerpo arquitectónico como parte de él, de tal manera que si se retiran se desintegra el edificio como concepción y, al revés, si se levanta el mural o se despega el relieve, éstos pierden su sentido y su ritmo como valores independientes", anota Montes. Centro Cívico pidieron a los artistas que todas sus creaciones artísticas giraran alrededor del tema de la nacionalidad guatemalteca antigua como actual. Sin embargo, es justo decir que en este edificio bancario se consiguió una integración de la arquitectura, la escultura y la pintura, logrando una verdadera solución arquitectónica-escultórica como han comentado en distintas oportunidades Jorge Montes y Roberto González Goyri. Para lograr esta meta y que tanto la obra artística se fusionara con el diseño arquitectónico, los murales de Vásquez y González Goyri, ubicados en las fachadas oriente y poniente respectivamente, se hicieron de concreto y se fundieron in situ (en el propio lugar). En este proceso se utilizaron formaletas de madera que fungieron como molde para contener el cemento, de esta forma, los artistas evitaron realizar primero un positivo y luego trasladarlo al muro. Sobre la pared de ladrillo se fueron colocando los moldes de 1.22 metros de alto por 2.44 metros de largo y se iba realizando la fundición. Al terminar el trabajo de vaciado y retirar las formaletas, se logró que el relieve se convirtiera en parte del paredón. Una característica muy importante de estos murales, es que los artistas los dejaron al natural, por lo tanto, al acercarse a observar detenidamente los detalles de cada pieza, se podrán detectar pequeñas imperfecciones que quedaron marcadas durante la fundición y que en ningún momento se intentaron ocultar de la vista del público. Por su parte y como contraste al monocromo exterior, están los murales de los artistas Carlos Mérida y Arturo López Rodezno, ubicados en el cubo de ascensores y la sala de sesiones de la Junta Monetaria, respectivamente. Para la elaboración de estas obras de arte se utilizó el esmalte vidriado sobre cobre. Esta técnica se caracteriza por utilizar el vidrio fundido que pasa a un estado líquido en el cual queda una superficie vítrea sobre el metal para moldear las piezas que formarán parte de la obra monumental. propiedades físicas, dependen de los diferentes grados que se utilicen durante la fusión. Centro Cívico ha sido imposible de imitar en la actualidad, porque son edificios que no solamente son funcionales, sino también transmiten a los transeúntes el placer de una verdadera obra de arte. Además ofrecen una visionaria unión de culturas, en una época en la que está de moda el término diversidad. Medidas: 40 metros de alto dividido en tres segmentos de 7.21 metros de ancho cada uno. Avenida es fácil encontrar la propuesta abstracta del artista Roberto González Goyri (1924). Retornado recientemente de realizar sus estudios en el extranjero, el joven creador venía imbuido de una serie de corrientes que quedaron en evidencia en este mural. Eliminó todo trazo figurativo y se dejó seducir por la libertad de expresión que le permitía este estilo. a través de los efectos de luz y sombra", apunta Haroldo Rodas, en una monografía sobre el artista. Los tres paneles son una expresión abstracta rítmicamente relacionada entre sí y adaptada totalmente al frío material utilizado en su creación, por lo que al igual que los murales del ala oriente, no desentonan con el diseño del edificio. "En estos murales sentimos la voluntad ordenadora del artista, precisa y rigurosa. González Goyri trabaja con la armonía de la imaginación y del cálculo. Es interesante cómo da soluciones y resuelve el problema de la luz y de la sombra que se crea con el relieve. El autor divide en tres partes la altura del mural y no le da el mismo grosor a los relieves, así como a la medida de las formas. Esta obra de arte fue una inspiración del maestro Dagoberto Vásquez Castañeda (1922-1999), reconocido por su obra escultórica, pictórica y grabado. En uno de estos apartados, el artista dio especial atención al fuego como fuerza creadora, purificadora e impulsadora del desarrollo, elaborándose junto a éste tres figuras que se integran en un solo cuerpo y reflejaban la historia, la economía y la cultura. Luego realizó una figura en movimiento que representaba al hombre y su afán por trabajar con la ciencia, en un concepto, que muchas feministas criticarían, a la mujer quedó representada como una fuente de belleza, además de ser la dadora de vida y un apoyo en el hogar, mientras al hombre se le presentó como forjador de ideas y cambios. Por otro lado, además de su afición por la música, Carlos Mérida sentía una atracción por la danza e incluso fue fundador de la Escuela de Danza de la Secretaría de Educación Pública de México y tuvo una importante participación en el desarrollo de ésta en el vecino país, razón por la cual se detecta esa maestría que utilizó para darle vida a las posiciones de las figuras danzando. Orozco y David Alfaro Sequeiros fundó el Sindicato de Obreros, Técnicos, Pintores y Esscultores. En 1931 inauguró la Escuela de Danza de la Secretaría de Educación Pública. En el vecino país ha dejado una muestra incalculable de su labor pictórica y muralística como el mural que realizó en 1923 en la Biblioteca Infantil de la Secretaría de Educación Pública y en 1964 el muro vitral de la sala Cora Huichol del Museo Nacional de Antropología de México. En Guatemala su trabajo monumental se encuentra en el Centro Cívico con "Canto a la raza" en el edificio del Palacio Municipal de la Ciudad de Guatemala, "Alegoría de la Seguridad Social" en el Instituto Guatemalteco de Seguridad Social, "Intenciones muralísticas sobre un tema maya" en el Crédito Hipotecario Nacional y "Los sacerdotes danzantes mayas" en el Banco de Guatemala. Su obra se encuentra en colecciones privadas y museos de todo el mundo. Ha sido un pilar importante en el desarrollo de la plástica guatemalteca por lo novedoso de sus técnicas y sus formas que siempre guardaron una intrínseca relación con sus orígenes. Nació en la Ciudad de Guatemala el 2 de octubre de 1922 y falleció el 21 de junio de 1999. Ingresó a la entonces Academia de Bellas Artes en 1937, siendo director el escultor quetzalteco Rafael Yela Günther. Junto a otros compañeros de la época, en 1940 se convirtió en uno de los ayudantes del maestro Julio Urruela en la elaboración de los vitrales del Palacio Nacional. Simpatizante del ideario que forjó la Revolución de 1944, Vásquez fue uno de los artistas que disfrutó de esa primavera política y tuvo la oportunidad de obtener una beca para estudiar en la Escuela de Artes Aplicadas de Chile. En este lugar permaneció durante cuatro años y se especializó en la escultura, el tallado, modelado, moldeado y vaciado en bronce. A su regreso a Guatemala trabajó como maestro de dibujo geométrico en el Instituto Técnico Vocacional, el Instituto Rafael Aqueche y la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Su primera exposición individual en Guatemala, la realizó hasta 1950. Tres años después ganó el concurso para realizar el mural "Las fuentes de la vida" en el Instituto de Nutrición de Centro América y Panamá, el cual realizó en mosaico de cerámica. una expedición arqueológica franco-guatemalteca dirigida por el arqueólogo francés Henry Lehmann. También ornamentó el muro del lado oriente del Banco de Guatemala, el edificio Carranza y el Museo de Arqueología y Etnología de Guatemala. En este lugar, realizó también un gran aporte para conservar la cultura guatemalteca porque investigó y publicó textos sobre las danzas folclóricas, música y pintura popular, así como el arte colonial y artesanía. Además tuvo la oportunidad de impartir sus conocimientos en distintas escuelas y facultades de las universidades del país. § Albizúrez Palma, Francisco, Luis Alfredo Arango y Ricardo Martínez. Dagoberto Vásquez Castañeda, una vida en el arte. 1974. § Juárez, Juan B. Carlos Mérida en el centenario de su nacimiento. Carlos Mérida, precursor del arte contemporáneo Latinoamericano. Artículo del libro Joyas artísticas del Banco de Guatemala. Datos dispersos de la plástica guatemalteca, 1892-1998. Artículo del libro Joyas artísticas del Banco de Guatemala. El Centro Cívico: un corazón de ciudad. Artículo del libro Joyas artísticas del Banco de Guatemala. El diálogo eterno del maestro González Goyri. Licenciada en Ciencias de la Comunicación con una maestría en Gestión de la Comunicación Política y Electoral. Desde 1993 ha laborado en la Universidad Rafael Landívar como catedrática de redacción y temas sobre Comunicación, además de asesorar tesis. Trabajó durante nueve años en la sección cultural de la desaparecida Revista Crónica y desde 2000 a la fecha labora como Jefa de Redacción de Revistas y Suplementos de Prensa Libre. También ha escrito artículos para varias publicaciones relacionadas con el arte y ha asesorado a varias instituciones culturales del país. Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant null Publisher An entity responsible for making the resource available null " Escuela "Carlos Mérida" "Centro arquitectura arte artista Banco Cívico edificio Guatemala institución Maestro nacionalidad obra personajes plástica https://bvhumanidades.usac.edu.gt/files/original/424748343690b78514f577a211fa70eb.pdf a6e171706ff5fd6e54cc7a7cd1728384 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource ARTE / MÚSICA Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Rafael Rodríguez Padilla Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context https://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Rodr%C3%ADguez_Padilla?oldid=79128004 Description An account of the resource Rafael Rodríguez Padilla fue un escultor y pintor, que nació en la capital de Guatemala el 23 de enero de 1890 y se suicidó por motivos políticos el 24 de enero de 1929, a los 39 años de edad. Estudió en Guatemala en el taller de Justo de Gandarias y con el escultor venezolano Santiago González. Bajo la influencia de Jaime Sabartés fue otro de los artistas que viajó al extranjero para conocer de cerca los movimientos de vanguardia. Viajó a Madrid, España donde ingreso a la Academia de San Fernando para hacer estudios de pintura. Estudió con el escenógrafo, pintor y escultor Luis Muriel y López. Primer representante de una familia de larga tradición artística, entre los que se cuentan Jacobo Rodríguez Padilla, hijo suyo, Zipacná de León e Iván Rodríguez (nietos), entre otras figuras artísticas muy conocidas en Guatemala. En España conoció la obra del impresionista Joaquín Sorolla, la cual influiría en la mayoría de su producción pictórica. Aunque el impresionismo era ya un estilo que había dejado de tener vigencia en Europa, Rodríguez Padilla profesó una profunda admiración por el artista español, cuya huella puede percibirse en toda su producción pictórica. Su pintura tuvo variadísimos cambios, todos aplicados con maestría. Su primera época, antes de su viaje a España, se caracteriza por pintura de tonos obscuros. Posteriormente, como gran colorista, supo imprimir a sus obras matices y atmósferas de extraordinaria luminosidad, especialmente en los retratos de diferentes personalidades de la época. De sus obras más características se encuentran "Desnudo en escorzo", "Desnudo del reflejo", "Retrato de Jaime Sabartés", "Retrato de Dr. Manuel Morales", "Retrato de Juana Padilla" (premio Centroamericano de pintura), "Retrato de Eduardo de La Riva", "Retrato de Adalberto Saravia". El mismo proceso del claroscuro a la luminosidad se nota en sus bodegones, intermedio de estos es "El Tamal" (Museo Nacional de Arte Moderno de Guatemala). En los últimos años de su vida el artista se acercó a las soluciones geométricas del cubismo. Uno de estos lleva por título "Pelando Papas" el cual fue exhibido en Estados unidos y México en una exposición itinerante de la Universidad de Yale. El monumento al Dr. Lorenzo Montúfar en la Avenida de la Reforma en la Ciudad de Guatemala es su obra más conocida. Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant null Publisher An entity responsible for making the resource available Wikipedia.org "lleva por título" "Rafael Rodríguez Padilla" arte bodegones Ciudad. exposición escultor escultura Guatemala monumento nota obras pintura artista Retrato https://bvhumanidades.usac.edu.gt/files/original/bff38d9ccb22d8b0b321551da051b2e7.pdf 64dcd2336c4b1b1252f26b54d7401b93 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource ARTE / MÚSICA Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Ramón Avila Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context www.ramonavila.net Description An account of the resource El arte pertenece al universo, así los artistas no conocen fronteras, su mundo es infinito y sólo tiene el límite de su imaginación. Mil novecientos sesenta y uno, fue el principio, la pausa. En mil novecientos sesenta y tres, llega a Guatemala un joven pintor que habiéndose embarcado en su tierra natal, Barcelona, España; hizo rumbo hacia América, con la cabeza llena de ideas, ilusiones, pensamientos; con el alma apretada de nostalgia, allá quedaba su infancia, su juventud primera, en América veía el futuro incierto pero promisor. Desde el momento mismo en que Ramón Ávila, puso pie en nuestra tierra, inició sus primeros contactos con los hombres que hacían arte en aquellos días; con su cargamento de dibujos, óleos, acuarelas, se abría paso y conquistaba amistades. La Galería DS, le abre sus puertas en Octubre de mil novecientos sesenticuatro y Diario El Gráfico dice de él: "Su pintura es poética, delicada de gran poder imaginativo, alejada de toda figuración". Ávila, se une al grupo VERTEBRA, que formaban los pintores Roberto Cabrera, Marco Augusto Quiroa y Elmar Rojas, viniendo a ser el cuarto mosquetero, que puso su pincel para romper todo molde, pues su pintura está fuera de los cuadros tradicionales y también dentro de ellos. Mil novecientos sesenta y nueve "SUCESOS", Ramón Ávila expone nueva obra, ya se ha adentrado en lo nuestro, asimila nuestras tradiciones y costumbres, principia a entender a nuestra gente y quererla, tal parece que la ha querido siempre: Roberto Cabrera dice: "Ávila y el encuentro latinoamericano, la pintura de Ávila, es producto de la tradición hispana y la tradición actual de su vivencia en Latinoamérica". VIVENCIAS 73, en la Cámara de Comercio. En el Museo Nacional, vemos a otro Ávila, pues como artista insatisfecho no pertenece a una escuela determinada o a tendencias dadas, él pinta sugerencias que saltan de lo profundo del alma. Ávila siente el dolor humano la tragedia del hombre en un mundo incomprendido; su pintura es poema arrancado de la realidad viviente. En la Sala Enrique Acuña 1971, de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, se presentan a los ojos del visitante, las gentes y lugares que Ávila ve con el lente transparente de su humanidad. Barcelona, su Cataluña querida le reclama, porque sólo Madrid, si el nació aquí en Pueblo Seco, sus gentes querían ver al muchacho que partió hace más de veinte años y lo querían rodeado de sus logros sus pinturas. Pero antes había otros compromisos que cumplir. Fue tanta su euforia, que el producto del primer cuadro vendido en su Barcelona, vino a parar a manos de una lista Gitana; pero todo esto no importaba, lo grande fue pasar al lado de sus viejos amigos y recorrer con ellos las viejas calles del barrio de Sans. Veinte años fuera del terruño que lo viera nacer, han bastado a Ramón Ávila para plasmar en sus lienzos todas las vivencias del hombre en su existencia, que escondido en máscaras de imaginación nos muestra un nuevo rostro, transportándonos a vivir antiguas costumbres que hoy forman un resabio de tradiciones amalgamadas en historia hispánica y apariencia americana que dan realismo al sentir iberoamericano. Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant null Publisher An entity responsible for making the resource available null Avila "Ramón Avila" arte pintura Guatemala Galería América Barcelona exposición obra Críticas tradiciones artista "Centro América" imaginación https://bvhumanidades.usac.edu.gt/files/original/88b9675a320c30b7e4aabe013cf7495c.pdf ce5722759e533a6130573641806381cf Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource ARTE / MÚSICA Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Carlos Valenti Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context carlosvalenti.org Description An account of the resource Hacer un itinerario aproximado de la corta vida de Carlos Mauricio Valenti es difícil por los pocos datos conocidos envueltos en nieblas de lejanía, que hay acerca de él. De ahí la razón de llamar a este trabajo aproximación a una biografía. La desaparición de todas las personas relacionadas en una u otra forma con el artista, es otro de los motivos, y también digámoslo sinceramente, la indiferencia de los hermanos (mi padre y mi tía) al no haber conservado y coleccionado parte de su obra, ni apreciado en todo su valor el talento del inquieto joven, atormentado, en aquellos aciagos años de principios de siglo. Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant null Publisher An entity responsible for making the resource available Serviprensa centroaméricana arte Carlos expresionista figurativo Valentti https://bvhumanidades.usac.edu.gt/files/original/d3bda4d504e3d9a5c54696b3539ab84a.pdf eb56c9bff6847d1b4bb981bb32aa3264 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource ARTE / MÚSICA Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Arte contemporáneo Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_contempor%C3%A1neo?oldid=83469698 Description An account of the resource Arte contemporáneo Museo Guggenheim Bilbao, una institución dedicada a patrocinar el arte contemporáneo y un edificio representativo de la arquitectura actual (Frank Gehry, 1997). En su exterior se encuentra una colección de esculturas contemporáneas de grandes dimensiones. El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo. Con criterios sucesivamente cada vez más limitados, incluye únicamente: el arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas); el arte del mundo actual, que en el momento que se definió como término historiográfico se entendía era el posterior a la Segunda Guerra Mundial ..1945- (la mayor parte de los museos de arte suelen denominar «arte contemporáneo» a las colecciones de ese período); el arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente, tomando como hito histórico, por ejemplo, la caída del muro de Berlín (1989) o el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York (2001). Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no se aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), sino a nuestro arte contemporáneo, porque se aplica no con un criterio cronológico (periodización), sino estético, definido por su ruptura con el academicismo y por su adecuación a renovadas y provocativas teorías del arte (arte deshumanizado, arte puro, muerte del arte, crisis del objeto artístico, arte independiente, etc. Véase también estudio de la historia del arte). Lo mismo ocurre con los conceptos de moderno y contemporáneo aplicados a cada una de las bellas artes (especialmente de las artes visuales: arquitectura moderna, arquitectura contemporánea, pintura moderna y pintura contemporánea, escultura moderna o escultura contemporánea); o con el menos usado concepto de arte postmoderno (desde los años 1970). Para las demás bellas artes, esta adjetivación no se usa de forma similar: literatura moderna y literatura contemporánea denotan significados bien diferentes. De manera mucho más clara, el concepto de música moderna suele reservarse para la música popular moderna (de la industria musical de consumo masivo); mientras que el de música contemporánea se hace para el de música académica del siglo XX. La expresión danza moderna se suele utilizar de modo intercambiable con danza contemporánea, y se opone cronológica y estilísticamente a otros géneros de danza, como la danza clásica (ballet) y la danza española, con los que comparte la condición de baile culto o admisible en las instituciones culturales (junto a la ópera o los conciertos de música culta); pero la expresión "baile moderno" (especialmente en plural: "bailes modernos") se utiliza habitualmente para los tipos de baile con menor identificación con tales instituciones (los bailes de salón y el baile juvenil de las discotecas). El surgimiento del cine (séptimo arte) a finales del siglo XIX, previamente de la fotografía, y posteriormente del cómic, hace poco útil la calificación de modernas o contemporáneas a ninguna parte de sus producciones. imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüístico con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo. Este tipo de prácticas se inician desde el cuestionamiento de la institución del arte a partir de la obra de Marcel Duchamp Fuente (1917), un objeto cotidiano descontextualizado y exhibido provocativamente como obra de arte (un urinario puesto al revés). Pero este pensamiento se comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la década de los setenta hasta nuestros días con el redescubrimiento de la obra de Duchamp y de los Dadaistas de principios del siglo XX a manos de artistas como Robert Rauschenberg, teóricos como Rosalind Krauss y toda la escuela postestructuralista, que reintrodujeron este pensamiento dentro del main stream internacional. La modernidad es un concepto polisémico, que se identifica con los valores del Humanismo y el Renacimiento de los siglos XV y XVI y con la Ilustración del siglo XVIII. Edad Moderna, separada de la Edad Contemporánea por el ciclo revolucionario bajo su triple aspecto de Revolución Burguesa, Revolución Liberal y Revolución industrial. La sociedad preindustrial, rural y estamental se ve alterada radicalmente y transformada en una sociedad industrial, urbana y de clases. La expresión artística no fue ajena a un cambio histórico de semejantes dimensioPerro semihundido. Una de las Pinturas negras, que supera el romanticismo para prefigurar el expresionismo o incluso el informalismo. Uno de los cartones, de factura plenamente académica, incluso de gusto rococó. Tras la Revolución francesa se desencadenan una serie de cambios culturales e intelectuales, en paralelo con las transformaciones sociales y políticas de la revolución burguesa y las económicas de la revolución industrial, que se van a reflejar en los movimientos artísticos siglo XIX. La balsa de la Medusa de Gericault, que rompe con las convenciones estéticas del buen gusto académico al presentar en primer plano cadáveres putrefactos de los que se alimentan unos desesperados náufragos. Delacroix fijará icónicamente el protagonismo de las masas en la historia con su La Libertad guiando al pueblo donde refleja las barricadas de las tres gloriosas jornadas de la revolución de 1830 en París. Por su parte, William Turner y William Blake realizan su propia renovación de la tradición pictórica inglesa, y Caspar David Friedrich de la alemana. Las artes y los artistas se pretenden liberar de las formas y los modelos clásicos para lograr un arte más espontáneo, vivo y personal. El artista busca su clientela en un público burgués que sancionará su éxito con la demanda de su obra en un mercado de arte cada vez más animado; y ya no tanto en los patrones tradicionales (nobleza, clero, monarquía). Mientras que el realismo literario (Balzac) surgió como reacción opuesta a los excesos del romanticismo (el exagerado exotismo, orientalismo y medievalismo y el gusto morboso por lo tétrico de la novela gótica), el realismo pictórico de Courbet, Corot o Daumier no significa una reacción en lo formal contra el romanticismo pictórico, sino que como éste, continúa profundizando en el alejamiento de la tradición academicista, de la que se ve radicalmente excluido (se les niega la entrada en las exposiciones oficiales, produciendo la apertura del Salon des Refusés, 1863). No obstante, en lo temático, los realistas ciertamente huyen de las fantasías y formas poéticas del romanticismo, y buscan representar la imagen artística de formas perceptivas con caracteres reales, acercándose más a la realidad. Esa realidad es buscada por unos con la pintura de caballete al aire libre (plenairismo de la Escuela de Barbizon); mientras que otros la encuentran especialmente en la realidad social de lo cotidiano, de lo vulgar y de las clases populares (como lo hizo el naturalismo literario de Émile Zola). La mayor parte de los realistas mostraron un alto nivel de compromiso político y social, vinculándose al naciente movimiento obrero surgido desde la revolución de 1848; otros, en cambio, como Millet, optaron por un misticismo cristiano de raíces conservadoras, postura que comparten de un modo similar, los nazarenos alemanes y la mayor parte de los prerrafaelitas ingleses. Simultáneamente, en Inglaterra, el triunfo del capitalismo y la industrialización, que amenazaba con acabar con las tradiciones artesanales, provocó la reivindicación del trabajo manual con el movimiento Arts and Crafts (artes y oficios) de William Morris, que políticamente se situaba mucho más a la izquierda que aquellos. The Crystal Palace, una estructura (diseño del constructor de invernaderos Joseph Paxton) de 92,000 metros cuadrados, 33 metros de altura máxima y 564 metros de longitud, construida por cinco mil operarios especializados (navvies en:navvy) para albergar la Exposición Universal de Londres de 1851. Es el primer edificio de tales dimensiones que utiliza los nuevos materiales que la Revolución industrial proporciona de una manera eficaz: el acero (previamente utilizado en puentes y otras obras de ingeniería) y el vidrio (que cubría una superficie de vanos de 84,000 m²). La impresionante plaza, que también acoge la Gliptoteca de Múnich, fue diseñada por Karl von Fischer como espacio público y de presencia política de la monarquía bávara; y su capacidad escénica fue aprovechada en los años treinta y cuarenta del siglo XX por el nazismo. Castillo de Pierrefonds, reconstruido con los criterios historicistas neogóticos de Eugène Viollet-le-Duc durante el Segundo Imperio Francés (18521870), para residencia de Napoleón III. Home Insurance Building, William Le Baron Jenney, Chicago, 1885. La reconstrucción de la ciudad tras el incendio de 1871 permitió diseñar con libertad edificios como éste: de 42 metros de altura gracias al uso estructural del acero, es el precedente de los rascacielos, aunque tan sólo contaba con diez pisos. El incremento de las dimensiones de los edificios de oficinas o viviendas hubiera sido del todo inútil sin las innovaciones simultáneas de la era de la electricidad que posibilitaron los rápidos desplazamientos de masas que caracterizan la vida urbana contemporánea: en vertical (el ascensor) y en horizontal (metro, tranvía y otros transportes públicos). 3 De la "modernidad" a la "postmodernidad" Brazo del Sena cerca de Giverny. Las transformaciones sociales que condujeron a la sociedad industrial se habían completado en los países más avanzados (Europa Occidental, Estados Unidos) a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, en el horizonte de la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Manao Tupapau (El espíritu de los muertos vigila). 1892. (Segunda Revolución industrial), y se estaba formando una sociedad de consumo de masas presidida en sus aspectos ideológicos por los modernos medios de comunicación vinculados a cambios tecnológicos (era de la electricidad). 1929 supusieron graves desafíos al sistema liberal y capitalista, que no obstante sobrevivió a los agitados tiempos de un período de entreguerras fertilísimo para las artes (vanguardias artísticas) y a la Segunda Guerra Mundial. Posteriormente a ésta, un nuevo ciclo tecnológico, económico y social (tercera revolución industrial) conducirá a lo que se conoce como sociedad postindustrial. Las artes figurativas pasan por un proceso de transformación, cuyos orígenes están en las viejas culturas euroasiáticas, éstas con una motivación religiosa, firme apoyo en la naturaleza y un centro en el hombre. Desde las cuevas de Altamira al neoclasicismo, pasando por el Partenón, el arte tiene una justificación humana y naturalista. La máquina hace su aparición, y con ella, las fuerzas gigantescas de nuestra época. Por eso los impresionistas utilizan el tema de la locomotora rauda y humeante. Se pinta la luz misma, independiente del objeto. En el impresionismo el tema quedó separado de toda trascendencia. Luego, con los movimientos del siglo XX, el tema acaba desapareciendo, surgiendo lo que se llama el pretexto. Los artistas ya no tendrán interés en pintar nada concreto, y titularán sus cuadros figuras, objeto, composición, etc. Gauguin se marcha a Tahití, en busca de motivos y personas no contaminadas con las civilizaciones blancas. Se alcanza una sobre valoración del arte de estas aisladas culturas. Gauguin, Cézanne, Toulouse-Lautrec y Van Gogh, o los puntillistas Seurat y Signac, son muy frecuentemente englobados dentro de la denominación neoimpresionismo (utilizado por el crítico francés Félix Fénéon en 1887 para referirse a los puntillistas o divisionistas) o postimpresionismo (utilizado por el crítico inglés Robert Fry en la exposición "Manet and the Post-Impresionists" en Londres en 1910); con lo que se quiere indicar que sus propuestas pictóricas desarrollan y amplían el tratamiento de la luz y la pincelada propia de los primeros impresionistas, aunque a través de muy distintos medios (el tratamiento del volumen, de la línea, del color, de la simplificación o división de cada punto de la materia pictórica, etc.) y de los propios conceptos representados. Estilo Internacional, representado por el Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (reunido en varias ocasiones, entre 1928 y 1959) y particularmente por la Exhibición Internacional de Arquitectura Moderna de 1932 organizada por Philip Johnson en el MOMA de Nueva York, que pretendía conciliar las diferentes tendencias arquitectónicas de lo que venía denominándose Arquitectura Moderna o Movimiento Moderno. Archivo:Auguste_Rodin-Burghers_of_Calais_London_(photo).jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/da/ Auguste_Rodin-Burghers_of_Calais_London_%28photo%29.jpg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores:? Colaboradores: This version created by Pumbaa, using a proper partial circle and SVG geometry features. (Former versions used to be slightly warped.) Artista original: SVG version was created by User:Grunt and cleaned up by 3247, based on the earlier PNG version, created by Reidab. Archivo:El_Quitasol_(Goya).jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d5/El_Quitasol_%28Goya%29.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: http://www.museodelprado.es/uploads/tx_gbobras/P00773.jpg Artista original: Francisco de Goya Archivo:Fontaine_Duchamp.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/fa/Fontaine_Duchamp.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: http://fr.wikipedia.org/wiki/Image:Urinoir-duchamp.jpg Artista original: Photoshop (me), original photo GNU from Gtanguy Archivo:Goya_Dog.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/38/Goya_Dog.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: http://www.museodelprado.es/en/the-collection/online-gallery/on-line-gallery/zoom/1/obra/dog-half-submerged/oimg/0/ Artista original: Francisco de Goya Archivo:Guggenheim-bilbao-jan05.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/de/Guggenheim-bilbao-jan05. jpg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Photograph taken by User:MykReeve on 14 January, 2005. Archivo:Gustave_Courbet_-_A_Burial_at_Ornans_-_Google_Art_Project_2.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/ commons/a/a0/Gustave_Courbet_-_A_Burial_at_Ornans_-_Google_Art_Project_2.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Google Art Project: Home - pic Maximum resolution. Artista original: Gustave Courbet Archivo:HidalgoPalacioGDL.JPG Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/88/HidalgoPalacioGDL.JPG Licencia: GFDL Colaboradores: Trabajo propio Artista original: AlejandroLinaresGarcia Archivo:Juan_Gris_-_Portrait_of_Pablo_Picasso_-_Google_Art_Project.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/ commons/1/18/Juan_Gris_-_Portrait_of_Pablo_Picasso_-_Google_Art_Project.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: RgGPipJ4FxSBiw at Google Cultural Institute, zoom level maximum Artista original: Juan Gris Archivo:L'église_d'Auvers-sur-Oise.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/9e/L%27%C3%A9glise_d% 27Auvers-sur-Oise.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Desconocido Artista original: Vincent van Gogh Archivo:La_Cara_de_Barcelona_-_001.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/8a/La_Cara_de_Barcelona_ -_001.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Mutari Archivo:Millais_-_Ophelia.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/3e/Millais_-_Ophelia.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Artista original: John Everett Millais Archivo:Moor,_three_piece_sculpture_vertebrae_,1968-1969.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/9a/ Moor%2C_three_piece_sculpture_vertebrae_%2C1968-1969.jpg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores:? 13.3 Licencia de contenido 13 Archivo:Paul_Cézanne,_Les_joueurs_de_carte_(1892-95).jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/3d/Paul_ C%C3%A9zanne%2C_Les_joueurs_de_carte_%281892-95%29.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Artista original: Paul Cézanne Archivo:Paul_Gauguin_025.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f5/Paul_Gauguin_025.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. Artista original: Paul Gauguin Archivo:Reptil_Parc_Guell_Barcelona.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/da/Reptil_Parc_Guell_ Barcelona.jpg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Baikonur Archivo:Rude_Marseillaise.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f0/Rude_Marseillaise.jpg Licencia: CCBY-SA-3.0 Colaboradores: From en wiki; uploaded to w:File:Rude Marseillaise.JPG. Archivo:Umbrella_Project1991_10_27.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5a/Umbrella_Project1991_ 10_27.jpg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: Photo taken by Dddeco Artista original: Dddeco Archivo:Watersnakes_II_Gustav_Klimt.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c7/Watersnakes_II_Gustav_ Klimt.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Originally from it.wikipedia; description page is/was here. Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant null Publisher An entity responsible for making the resource available Wikipedia.org arte contemporáneo siglo "arte moderno" artística arquitectura vanguardias moderna expresión museo industria "York Nueva" instituciones pintura "guerra mundial" https://bvhumanidades.usac.edu.gt/files/original/89ea9ab0080e9c2a7b6f36aa91275b5d.pdf aa43920e839b5d0acecf7f7537baf1c1 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource ARTE / MÚSICA Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Cubismo Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/9e/Basel_Picasso_Homme_aux_bras_%25C3%25A9cart%25C3%25A9s_11-05-2008.jpg Description An account of the resource Pablo Picasso, el iniciador del cubismo, retratado por Juan Gris, 1912, óleo sobre lienzo, 93,3 x 74,4 cm, Instituto de Arte de Chicago. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo». El cubismo literario es otra rama que se expresa con poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y ni tienen una métrica específica ni se organizan en versos. Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro. El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo. A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos. Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta. Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages. La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban. El cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y como jefes y maestros del movimiento figuraban los españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los franceses Georges Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente se inicia con el cuadro Las señoritas de Aviñón (Demoiselles D'Avignon) de Pablo Picasso. Como elemento precursor del cubismo destaca la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907). El cubismo surge en la primera década del siglo XX, constituyendo la primera de las vanguardias artísticas. Entre las circunstancias que contribuyeron a su surgimiento, se ha señalado tradicionalmente tanto la obra de Cézanne como el arte de otras culturas, particularmente la africana. En efecto, Cézanne pretendió representar la realidad reduciéndola a sus formas esenciales, intentando representar los volúmenes sobre la superficie plana del lienzo de una manera nueva, tendencia que fue seguida por los cubistas. Ya antes que él, los neoimpresionistas Seurat y Signac tendieron a estructurar geométricamente sus cuadros. Lo que Picasso y Braque tomaron de Cézanne fue la técnica para resolver ese problema de lograr una nueva figuración de las cosas, dando a los objetos solidez y densidad, apartándose de las tendencias impresionistas que habían acabado disolviendo las formas en su búsqueda exclusiva de los efectos de la luz. Por otro lado, el imperialismo puso a Occidente en contacto con otras civilizaciones con un arte propio y distinto del europeo. A través de diversas exposiciones, Picasso conoció la escultura ibérica y la africana, que simplificaban las formas y, además, ponían en evidencia que la pintura tradicional obedecía a una pura convención a la hora de representar los objetos conforme a las ideas renacentistas de perspectiva lineal y aérea. Lo que parece actualmente excesivo a los historiadores de arte es atribuir una influencia directa de las máscaras africanas con la obra picassiana. Todo ello no hubiera sido posible sin la aparición de la fotografía pues esta, al representar la realidad visual de manera más exacta que la pintura, liberó a este último arte de la obligación de representar las cosas tal como aparecen ante nuestros ojos y forzó a los artistas a buscarle un sentido diferente a la mera transcripción a las dos dimensiones de la apariencia externa de las cosas. La aparición del cubismo se ha relacionado, además, con otros dos hechos acontecidos en la misma década que revelan que las cosas pueden ser diferentes a como aparentan ser: el psicoanálisis al evidenciar que pueden existir motivaciones más profundas para los actos y pensamientos humanos, y la teoría de la relatividad, que revela que el mundo no es exactamente, en su estructura profunda, como lo presentaba la geometría euclidiana. En 1909 Braque y Picasso estrechan su amistad y consiguen desarrollar la nueva tendencia. Juntos crearon las dos tendencias del cubismo. La primera es el cubismo analítico (1909-1912), en donde la pintura es casi monocroma en gris y ocre. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo. Fueron elaborando un «nuevo lenguaje» que analiza la realidad y la descompone en múltiples elementos geométricos. Los puntos de vista se multiplicaron, abandonando definitivamente la unidad del punto de vista de la perspectiva renacentista. Se introducen en la pintura los «pasos», definidos como ligeras interrupciones de la línea del contorno. Entre las obras de esta fase del cubismo se encuentra el Retrato de Kahnweiler (1910, Instituto de Arte de Chicago). Al hermetismo se llega porque los planos acaban independizándose en relación al volumen de manera que es difícil descodificar la figuración, reconstruir mentalmente el objeto que esos planos representan. En su sala 41 aparecieron obras de Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Fernand Léger y Robert Delaunay. En efecto, sobre todo los futuristas objetaron al cubismo que en sus obras el movimiento estuviera ausente, siendo así que el mundo actual es esencialmente dinámico. Se seguían representando sillas, botellas o figuras humanas, aunque las descompusieran en planos y volúmenes geométricos. Comenzó en 1912 a trabajar el cubismo analítico, con obras como Naturaleza muerta con damero (1912, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou). Braque, que había sido el primero en utilizar la caligrafía, y que más de una vez intentó imitar la madera o el mármol, fue quien inició esta última fase del cubismo al realizar papier collés, pegando directamente papeles decorados en la pintura. Kupka, próximo al cubismo, comenzó a estudiar, a partir de 1912, la forma en que el espacio podía representarse mediante planos de color (Planos verticales Amorpha, 1912) o líneas sinuosas. También Francis Picabia recreó los volúmenes de la realidad de manera bastante abstracta (Procesión en Sevilla, 1912) lo que le llevó, a partir de 1913, a la no-figuración. Artista original: SVG version was created by User:Grunt and cleaned up by 3247, based on the earlier PNG version, created by Reidab. Archivo:Fresnaye_conquest_of_air.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/07/Fresnaye_conquest_of_air.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Transferido desde en.wikipedia a Commons. Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant null Publisher An entity responsible for making the resource available Wikipedia.org cubismo arte Picasso Braque pintura obras "Juan Gris" cubistas planos movimiento geométricos "Pablo Picasso" naturaleza "Robert Delaunay" "Albert Gleizes"