Estilo artístico desarrollado en el siglo XVII y primera mitad del siglo XVIII. A principios del siglo XVI, la reforma luterana destruyó los cimientos de la Europa Católica, que quedaría dividida entre Católicos y Protestantes. Las diferencias entre ambos credos provocaron terribles guerras que asolaron Europa. De un lado, los católicos, con la corona española y el Sacro Imperio como principales bastiones. Al otro, algunos estados del Sacro Imperio, las Provincias Unidas, Inglate rra, Suecia y Dinamarca, entre otros... La palabra Barroco, de etimología incierta; aparece utilizada con sentido despectivo a fines del siglo XVIII referida a la arquitectura del siglo anterior y primeros decenios del siglo XVIII, como sinónimo de extravagante, y más aún como abuso de extravagancia. El barroco viene a ser la reacción cálida, sensual y sentimental, de la que participan todos los estamentos sociales. El Barroco, abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación, donde se pone de manifiesto el gusto por la realidad cotidiana tratada con frecuencia con extrema crudeza. Mediante una técnica retórica y teatral, el Barroco tiende a persuadir más que a renovar. En conclusión el Barroco es sinónimo de irregularidad, extravagancia y exceso en todos sus ámbitos. La temática plástica tendrá un definido carácter religioso. El arte será utilizado como argumento convincente del poder católico. El arte se dirigirá antes a la sensación que a la razón. El núcleo o centro del Barroco será nuevamente Italia y en concreto la Roma de los Papas desde Sixto V cuyo objetivo será convertir la ciudad en un gran escenario dónde las Iglesias y concretamente las basílicas, se convierten en el elemento principal del urbanismo. f. Abundancia en la decoración que llega a la exuberancia. g. Exageración, desproporción, dinamismo, movimiento, dramatismo en la caracterización psicológica h. Características generales a. Imposición de plantas y alzados llenos de movimiento b. Desarrollo del aspecto visual, para tratar de ofrecer la impresión de que nos encontramos ante espacios mayores de lo que en realidad son. El arquitecto Barroco tiende a disponer los edificios y organizarlos Coordinando sus diferentes partes. El Arquitecto es amante del gusto escenográfico e ilusionista, generado por perspectivas, estructuras y ambientes naturales. Existe un acercamiento entre elementos arquitectónicos y los elementos naturales, especialmente el agua que en el Barroco se convierte en elemento insustituible de muchas composiciones. Nació en Nápoles hijo de un escultor. En 1606 se trasladan a Roma, tuvo como mecenas al papa Urbano VIII que le encarga el Baldaquino de San Pedro, el Palacio Barberini, y el sepulcro de Paulo V. Como arquitecto trabajó a gran escala, con efectos dramáticos y teatrales de luz, fusionó las tres artes en una sola, utilizó materiales ricos: mármoles de color y dorados, pero sus formas son más simples que la s de Borromini. Además de ser arquitecto fue pintor y escultor, escribió poemas y fue autor de obras teatrales a las que además dotaba de escenografía y vestuarios. Recibió numerosos encargos, además del papado, de iglesias, cardenales y particulares. Su característica principal como arquitecto fue: la monumentalidad de sus obras, dinamismo, criterios escenográficos y multiplicación de lo decorativo. Dentro de sus principales obras destacan: Plaza de San Pedro, el Baldaquino en la misma catedral y la columnata de San Pedro. Antes de su muerte destruyó los planos de edificios no realizados para que nadie pudiera copiar sus ideas. La decoración interior es geométrica, menos recargada que la de Bernini. Naturalismo: Los rostros sufren, se esfuerzan, apretando los labios o abriéndolos para gemir, los músculos se encuentran en tensión y las venas parecen latir bajo la piel, incluso cabellos y barbas, despeinados, plasman un estado de ánimo. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660): es tenido por muchos como el mejor pintor de todos los tiempos, otros lo llaman el pintor de la verdad por la esencialidad de su pintura. Técnicamente, Velásquez es el primer pintor moderno, que se anticipa en más de dos siglos a Delacoix y Degas. Básicamente, Velásquez es un inigualable retratista de paleta sobria, cuyos colores aplica acariciando el lienzo, excepto en algún punto aislado. Prueba de ello es que en las telas de Velásquez apenas se aprecia el craquelé caracteristisco en las pinturas antiguas. Siempre serenos y dignos (desde el rey hasta el bufón), Velásquez capta lo esencial de los person ajes retratados con pinceladas que, incluso para los entendidos, resultan inexplicables por su valor de síntesis y su ejecución técnica. El vestido de tisú de plata y las manos del retrato de la infanta Margarita de Austria son milagros pictóricos, que vemos repetidos en la cabeza de El Príncipe Baltazar Carlos y en las carnaduras de la Venus del espejo, único y extraordinario desnudo debido a Velásquez. Viene de "rocaille" que en francés significa piedrecita, pequeña concha, forma predilecta para decoraciones. Es un elemento asimétrico mitad vegetal, mitad mineral, que invade la arquitectura a través de la decoración. El Rococó es un estilo casi exclusivamente francés: si es que llega a los países vecinos, es únicamente como repercusión y en una aplicación distinta. El período barroco se disuelve: en lugar de lo exuberante y grandioso, viene lo gracioso y menudo; en lugar de la decoración grandilocuente e impresionante, viene el ornamento fino, delicado; en lugar del oro suntuoso, la plata menos efectista; en lugar de la expansión ostentosa y exterior viene una intimidad egocéntrica; en lugar del ideal heroico viene algo más alegre e infantil; en vez de la gran pasión viene el amor erótico como pasatiempo juguetón; en lugar de la obesidad musculosa y rubenesca vienen rasgos de lo enfermizo, afeminado y agotado. El Rococó es una expresión plástica que se desarrolló en el siglo XVIII. Nació y se circunscribió en el ámbito francés. Representa el refinamiento y la opulencia, la frivolidad, los excesos, el sensualismo, el buen gusto y el placer de la clase alta y la Monarquía de esa época. Es un arte frívolo en el que se observa el estilo galante y la habilidad en el trato con las mujeres. Los temas de inspiración para sus obras serán las fiestas galantes, los minués, las aventuras amorosas, las damas de la corte. La figura de la mujer será el principal foco inspirador de la obra de arte. La nota más llamativa es su tendencia a expresarse en interiores decorativos; quizá por ello ha sido considerado arte de salón. Expresiones mobiliarias (formas más flexibles, con superficies dominadas por la curva). Tapicería (decoración de las grandes salas de palacios). En arquitectura: se sustituye el ladrillo por la piedra, distribución y decoración de interiores; inundándolos de luz, color, elegancia y movimientos ondulantes; determinado por la especificación de los fines y las funciones del edificio. Los adornos que, representando falsas rocas, adheríanse a la arquitectura de las grutas y las cascadas, llamados rocallas, fueron el principal elemento nuevo, introducido para sustituir el rígido sistema de los órdenes clásicos, para evocar en la arquitectura el frescor y la alegría de lo primitivo y lo campestre. Los palacios son los primeros en adoptar como elementos básicos caprichosos recuadros, columnas esculpidas, conchas, etc. Una de las características del estilo Rococó será la marca de diferencia entre exteriores e interiores. En Alemania, el Rococó renueva el barroco bajo el impu lso de los príncipes, especialmente en Prusia con Federico II, y alcanza formas exuberantes, tanto en las iglesias de peregrinación como en los palacios. Por ejemplo, Die Wies (Wies Kirche), una obra de Zimmermann en Bavaria. En los exteriores es un arquitecto neoclásico, mientras en los interiores desborda por su gracia y delicadeza inventiva. Bouchardon (1698-1762): visita Roma y ejecuta copias de esculturas antiguas, de las cuales aprende los presupuestos fundamentales del Clasicismo. a fuente de Grenelles en una monumental Pigalle (1714-1785): es un escultor de corte al servicio de madame Pompadour. El tema infantil fue también uno de sus favorito, y además tenía la ventaja de que se adaptaba a la escultura de salón de pequeño tamaño, muy adecuada a los nuevos espacios. Fue elegido por Catalina II de Rusia, gracias a la recomendación de Diderot para alzar la estatua ecuestre de Pedro el Grande, en San Petesburgo, anticipando ya el gusto neoclásico de la segunda mitad del siglo. Abundan los temas que aluden a la vida cotidiana, a lo placentero y lo galante (redescubrimiento de la naturaleza, de la vida campestre y amable...). Voluntad de ser transmisora de valores eternos, por sus propios elementos y no por el ornamento añadido. Nació en París el 30 de agosto de 1748 en el seno de una familia de clase media alta. En 1774 ganó el Premio de Roma y viajó a Italia donde recibió una fuerte influencia del arte clásico y de la obra del pintor del siglo XVII Nicolas Poussin, de sólida inspiración clásica. David desarrolló rápidamente su propia línea neoclasicista, sacando sus temas de fuentes antiguas y basándose en las formas y la gestualidad de la escultura romana. Su famoso Juramento de los Horacios (1784 -1785, Museo del Louvre, París) fue concebido para proclamar el surgimiento del neoclasicismo, y en él destacan el dramatismo en la utilización de la luz, las formas idealizadas y la claridad gestual. La obra presen taba una temática de un elevado moralismo (y, por lo tanto, de patriotismo) que la convirtió en el modelo de la pintura histórica de tono heroico y aleccionador de las dos décadas siguientes. Ingres (1780-1867): alumno de David, obtiene una beca para estudiar en Roma, donde permanecerá largos años, siempre expresó su pasión por Rafael. Dirigió la Academia de Bellas Artes y desde allí defendió la tradición clásica frente al Romanticismo, personificado en la figura de Delacroix. En su pintura no hay preocupa ción por la perspectiva, la proporción o el equilibrio compositivo. Sus contemporáneos se escandalizaban de los errores anatómicos y de proporción que se apreciaban en sus obras; piernas largas, cabezas pequeñas, etc. Goya vive en un entorn o histórico muy significativo: es un país socialmente atrasado, políticamente reaccionario, con desigualdades sociales, una agricultura en estado regresivo, carente de infraestructuras y clases medias. En Goya se aúnan el artista y el hombre, representa a su sociedad como es y la flagela sin piedad en lo que no le gusta, la plenitud de Goya abarcará todos los campos de la pintura y su diversidad de técnicas y temáticas. Las aportaciones de Goya al arte con temporáneo son: la mancha pictórica, el uso libre del color, el dibujo rápido, la variedad técnica y temática y la libertad creativa. En Francisco de Goya destacan 4 etapas: a. Pintor de tapices b. c. Trabaja la temática política y social d. Tras la pérdida de los reinos de Flandes, se funda en España la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. Entre 1774 y 1792, Goya trabajará en ella como pintor de cartones, a partir de los cuales los artesanos habían de elaborar el tapiz. En éstas pinturas se celebra la alegría de la vida, la belleza, lo festivo y lo galante. En el invierno de 1792, durante una visita al sur de España, Goya contrajo una grave enfermedad que le dejó totalmente sordo y marcó un punto de inflexión en su expresión artística. Entre 1797 y 1799 dibujó y grabó al aguafuerte la primera de sus grandes series de grabados, Los caprichos, en los que, con profunda ironía, satiriza los defectos sociales y las supersticiones de la época. La razón saca del inconc iente los mounstruos generados por el prejuicio, el fanatismo, la superstición, la ignorancia. Goya trata de mostrarnos así la sociedad en la que vive, como testigo de ella. En esta etapa se convertirá en el retratista más solicitado por la nobleza del momento, (Carlos IV le nombrará pintor de cámara) el mismo cargo que había tenido Velázquez. En este período es cuando pinta 2 de sus cuadros más famosos: La maja desnuda y la maja vestida. Muchas de las figuras negras, al parecer, tienen su inspiració n en la mente de Goya, pero también por las injusticias que la iglesia cometió durante la inquisición. Goya visitaba las cárceles, manicomios, cementerios y hospitales de leprosos y apestados. El Romanticismo fue un proceso lento que se gestó a finales del siglo XVIII, cuando se iniciaba el gusto por lo exótico y lo pintoresco, por la visión intimista del paisaje y por la relación sentimental entre el artista y sus temas. El Romanticismo se va a convertir en bandera de los jóvenes generaciones que aspiran a cambiar el mundo existente por medio de una revolución en todos los campos; así como en otros países el romanticismo es una oposición a la influencia clasicista de la cultura francesa. Se crea un arte apasionado y flexible de gran riqueza cromática y aparente desorden compositivo en el que el gusto por lo patético, el patriotismo y el sentimiento de la Naturaleza. Para realizar los bocetos de los cuerpos atormentados, se inspiró en personajes reales: locos, enfermos y ajusticiados, por ello las figuras están dotadas de una fuerte expresividad, al tiempo que convierten a su autor en el maestro de pintores del realismo. Así expresaba el artista su opinión sobre el género pictórico: Este género de emoción propio de la pintura es, en cierto sentido, tangible; no pueden darlo la arquitectura ni la música. Su objetivo es observa la naturaleza, pero no para idealizarla sino para copiarla fielmente, es conocido como el descubridor del paisaje del bosque de Fontainebleau y por su interés por restablecer relaciones entre los motivos que por sí mismos constituirían el tema de un cuadro (cada árbol, cada roca, etc.).
Universidad de San Carlos de Guatemala Facultad de Humanidades
La civilización egipcia nace en torno al Nilo y gracias a él. Los primeros egipcios llegaron a divinizar el río. Tras los primeros poblamientos neolíticos en el valle, se convirtieron en una sociedad autárquica que duró más de tres mil años. · Época copta bajo el dominio griego y romano después. No puede explicarse el arte egipcio si antes no entendemos su pensamiento, su visión cosmológica del mundo, su religión y sus actividades económicas primero. Egipto es una civilización fluvial de base agraria. Viven gracias a un río alóctono que con sus crecidas periódicas fertiliza un desierto. Por eso la influencia de la economía agraria lo impregna todo: de ese mundo agrario nace la geometría, la medida, el catastro y el arte: la arquitectura en planos cuadrangulares, capiteles con hojas, pinturas con plantas y flores. De ella extraen la matemática pero también la visión ordenada del mundo, todos sus dioses y hasta el poder político. El egipcio tenía una visión cíclica del tiempo (al igual que las crecidas del Nilo) y sus dioses mueren y resucitan constantemente (mito de Osiris). Esta visión cíclica forja la idea de estatismo terrestre, de que nada cambia, y esta idea a su vez forja la idea de perfección, serenidad y armonía de lo terrestre: eternidad=perfección. Ante esto el papel del hombre es muy conservador debido a esa concepción del mundo como algo perfecto. Hubo una ordenación del mundo a partir de un caos (por los dioses) y esa construcción es perfecta. Por eso las aguas del Nilo llegan puntuales todos los años. Tal perfección hay que conservarla tal y como nos fue dada por los dioses y conservar se convierte en una constante: conservar el cuerpo, conservar el arte, perdurabilidad, eternidad. El encargado de conservar ese orden es el Faraón, una figura política que nace de la necesidad de coordinar los trabajos agrícolas: construcción de canales de riego y de drenaje, coordinación entre la cuenca alto, media y baja, etc y que llegó a ser tan vital para los egipcios que lo divinizaron en vida. A nivel de estado, el faraón debe conservar el orden divino reuniendo al Alto y al Bajo Nilo. Cuando el orden se rompe, el pueblo echará la culpa al Faraón. Por otra parte la egipcia fue siempre una civilización aislada por un desierto hacia el Este, Oeste y Sur. Por eso fueron muy poco atacados pero tampoco sufren la evolución lógica de una cultura relacionada. Su país era el centro del mundo y el egipcio era el hombre por excelencia. En cuanto a su religión, el cielo no es diferente a la Tierra porque la ésta ya es perfecta. Al cielo se va con apariencia física y se vive igual que en la Tierra, por eso hay que conservar el cuerpo que será el soporte físico del alma en el cielo. Además en la tumba se pintan escenas de la vida del difunto en la Tierra y se le dejan objetos, riquezas, instrumentos y adornos para su vida eterna. La base de esta religión no es el dogma. La religión son los ritos, los cultos las fórmulas y de eso sí que hay, muchas fórmulas para presentarse ante los dioses. Sin embargo es toda una actitud social: los dioses disponen de sus destinos (juicio de Osiris) pero esto no era más que un fenómeno social por el que intentaban no sucumbir ante el caos. Por eso el pueblo egipcio ha sido el más religiosos de la historia, la religión era la vida. Si construimos varias mastabas superpuestas obtenemos como resultado la pirámide escalonada, como la de Zoser, faraón de la Tercera Dinastía y residente también en Sakkara, el cual contrató los servicios de Inhotep para realizar su tumba, algo que iba a convertirse en una costumbre: el faraón moraría para siempre en su tumba-casa eterna. Más tarde, en el Imperio Nuevo se abandona la pirámide y aparece la costumbre de enterrar a los faraones en complejos que son mezcla de tumbas y de templos, con una parte excavada en la roca y que es la tumba y otra parte exterior con pórticos arquitrabados y salas con pilares. Las de bulto redondo padecen rigidez, estatismo, idealización, sin movimiento, sin ningún sentimentalismo, sin pasión. del Imperio Antiguo y realizadas en piedra calcárea pintada, las de algunos otros faraones como Kefrén o Micerino, la de algunos escribas como el que se conserva en el museo del Louvre, datado en la V Dinastía y de sólo 53 cms de altura.
La Baja Edad media sucede a la Alta y la burguesía empieza a sobresalir de entre la maraña feudal. La vida urbana burguesa no es compatible con la pesada arquitectura romana. El máximo esplendor gótico coincide con el auge del gran comercio internacional, un movimiento continuo Oriente - Occidente entre los países de la lana y de la seda. Los puertos hanseáticos y las ciudades de Italia Norte se hacen con la dirección de este tráfico: dinero urbano. En busca de la centralización, las monarquías hacen cristalizar los núcleos urbanos. El régimen de la Soberanía centralizada real se opone al feudal de Soberanía dispersa. Así surgen villas nuevas donde la servidumbre se olvida con un año y un día de residencia. El campesino de estas nuevas villas se acerca al burgués, reciben una autonomía administrativa y una libertad urbana. Dos cosas destacan en la creación del espíritu urbano: un aumento demográfico y una recuperación económica. A ello se suma el esfuerzo jurídico del rey y el impulso del comercio que reactiva ferias, mercados, gremios e industrias. El hombre mira a la naturaleza (además que a Dios). El Arte se hace naturalista frente al geometrismo del románico. Los nominalistas rechazan los principios universales, proclaman que sólo lo individual y concreto debe ser objeto de estudio científico: Guillermo de Occan. Comienza una duda que crea una fase inmadura, insegura y dubitativo. El Gótico vive bajo la teología divina pero con baches y dudas que el Románico no tenía. Por eso las Catedrales góticas están inacabadas porque empezaban como la obra de nunca acabar. Dura varios siglos y cada arquitecto que pasa deja su huella. Por eso en pintura Dios ya no es inaccesible y omnipotente. El Dios Gótico sufre y su cara es de misericordia. Los demás personajes se ríen, lloran, conversan, con sentimientos y pasiones humanas. Se empieza a redescubrir tímidamente al hombre en busca de ese Renacimiento posterior. De hecho el Renacimiento no parece sino esa Baja Edad Media en Italia. Es la teoría de la doble verdad: Teología y Filosofía pueden coexistir. Santo Tomás nos dice que Dios nos revela una Verdad pero no incapacita a la razón para actuar en otro plano: en la Naturaleza, en la Ciencia y en el hombre como parte de esa Naturaleza. Esta época es el comienzo: de la lucha por las ciudades, del ascenso burgués y del humanismo artístico. El cambio brutal se da en el Cuatroccento italiano. No es un término definido y sus orígenes no están definidos excepto para arquitectura (San Denís en París) y no hay una definición homogénea porque cambia a lo largo de los siglos XII al XV y sobre todo en pintura. Vasari crea el término en el siglo XVI: Gótico = Bárbaro. En el siglo XVIII se revaloriza el gótico por que se revaloriza la cultura medieval y sobre todo donde más Gótico había: en Alemania e Inglaterra. Pero es en el siglo XIX cuando más se recuerda y más prestigio tiene. Durante el Romanticismo, los artistas buscan estilos nacionales pseudo-góticos y en el último tercio se crea el Neogoticismo en edificios religiosos, utilizando sobre nuevos materiales soluciones góticas. Pero fue Violet Le Duc, teórico francés del siglo XIX, el que descubrió el Gótico en sus aspectos técnicos. Los alemanes estudian la distribución del espacio: unitario y compacto pero muy jerarquizado. El principio y el fin están muy distorsionados. El siglo XII es el románico por excelencia pero Saint Denis es reformada en 1140 con cabecera gótica y en 1150 aparece ya por toda Francia. El siglo XIII es la época clásica del Gótico en arquitectura y se hacen las catedrales más altas. Los soportes: (fil 2) Al principio se siguen utilizando pilares cruciformes y columnas románicas pero cambian pronto. El estilo gótico es una continuación del Románico y en ningún ejemplo se aprecia mejor que en las obras de transición en la España del siglo XII, imperfecta desde el punto de vista de pureza estilística pero sumamente interesantes desde el punto de vista artístico. Obsérvese que las obras se encuentran en una franja medía que corre al sur del Camino de Santiago. El Románico penetró por el Norte a través del Rosellón o siguiendo el Camino de Santiago. Inundó la zona norte del país y comenzó a erigir monumentos en el valle del Ebro y del Duero. Pero estos fueron comenzados ya en el siglo XII y la mayor parte de ellos se coronaron en el S.XIII. Por ello el Ebro y el Duero son las líneas claves de este fenómeno de transición. La Catedral de Tarragona es uno de estos ejemplos de convivencia de estilos. No se comenzó hasta el 1171 y se continua su elevación a un ritmo muy lento, de modo que sólo a fines del S.XIII se llega a la fachada principal. Así pues la fachada de la Catedral de Tarragona es completamente gótica como puede verse en sus arcos apuntados, el abocinamiento de la portada, los Apóstoles adosados y la decoración del tímpano con tracería como es costumbre en el Gótico. Otro detalle esencial lo constituye el espléndido rosetón calado de piedra que corona la portada y que es un elemento típico del nuevo estilo. Sin embargo aún conserva entera una portada lateral completamente románica. También la Iglesia de Santiago en La Coruña es una muestra ejemplar de este estilo de transición, con su gran portada ojival que aún conserva una cornisa con arquillos ciegos, típica del Románico. El Rosetón y los arcos apuntados señalan, sin embargo, la directriz del nuevo estilo. La Iglesia es de una sola nave con cubierta de madera y rematada en tres ábsides semicirculares románicos. En el interior, los pilares cruciformes, todavía muy gruesos, sostienen arcos apuntados góticos. La obra fue realizada en la segunda mitad del S.XII aunque posteriormente sufrió muchas modificaciones en los siglos XIV y XV. Otro de los ejemplos ineludibles en este estilo de transición es la Catedral de Ávila, comenzada en el año 1172 y fue acabada en el año 1279, en plena época gótica en Castilla. Tanto la sencillez decorativa exterior como la interior nos ponen en contacto con la austeridad cisterciense, unida siempre al primitivo arte gótico. Lo más interesante de esta obra es su espléndida girola de doble nave, de clara influencia francesa. Se cubre con tramos de bóveda trapezoidales al estilo francés. Pero todavía conserva muchos rasgos de su primitivo estilo románico. El estilo gótico sufre una progresiva complicación a lo largo de la Baja Edad Media en España y podemos distinguir tres etapas distintas que se dibujan aproximadamente en los siglos XIII, XIV y XV. En el siglo XIII se comienzan la mayor parte de las catedrales castellanas (Toledo, León y Burgos). Es el siglo de la preponderancia castellana bajo los reinados de Fernando III y Alfonso X la reconquista sufre un tremendo avance llegándose hasta Andalucía, la cual es casi reconquistada. Es un siglo económicamente muy bueno para la Corona castellana y eso se trasluce en su preponderancia artística sobre la Corona de Aragón. En cambio en el siglo XIV va a llevar la iniciativa el arte levantino y catalán. Estas zonas de mayor densidad burguesa van a soportar mejor la crisis económica que afecta a toda Europa a partir de la epidemia de peste de 1348 y que va a afectar durante un siglo hasta 1450 aproximadamente. Hablamos de arte levantino y catalán y no de arte de la Corona de Aragón porque a pesar de que estaban unidas en una misma monarquía el reino de Aragón propiamente dicho va a comportarse en economía y por lo tanto en arte como si de un territorio castellano se tratara. Por lo tanto en el siglo XIV se hablará sobre todo de arte levantino y catalán. En el espacio central se abre un gigantesco rosetón calado y sobre él, un tercer cuerpo, una gran celosía de arcos de tracería que se rematan en una cresta calada. El interior es una planta de tres naves con un crucero muy alargado y un deambulatorio o girola (fil) de tramos de bóveda trapezoidales. Al exterior la catedral presenta unas esbeltas agujas en su fachada y en el espléndido cimborrio central (fil), ambas cosas de finales del siglo XV. Tanto en su planta, como en su concepción espacial y como en su realización práctica, la catedral de Burgos responde a modelos del Gótico más puro de la Francia del siglo XIII. La comenzó hacia el 1226 el maestro Martín y fue continuada en la segunda mitad del siglo por otro maestro llamado Petrus Petrí. Su girola se cubre con tramos de bóveda trapezoidales, siguiendo la norma clásica y presenta capillas polígonales radiales al exterior. Así se explica que el siglo de decadencia y luchas intestinas entre los castellanos sea el siglo de esplendor comercial de los levantinos. A fines del s.XIII y durante el XIV, los levantinos se dedican a levantar templos catedralicios en las ciudades que aún no los tienen. Su elevación consumió todo el siglo XIV y la primera mitad del XV. Sus torres se levantan (fil) en los extremos del crucero y una tercera lo hace a los pies, todas ellas de planta poligonal. El primer autor de la catedral parece ser Bertrand Riquer, que es quien la comienza en el siglo XIII, pero las torres y otros tramos superiores se deben al maestro mallorquín Jaime Fabré. La fachada principal es del siglo XIX. Su planta es de tres naves más dos de capillas laterales. La girola se cubre con tramos de bóveda trapezoidales y tiene nueve capillas radiales poligonales. La nave central es muy ancha y alta y toda la catedral se cubre con bóveda de crucería. Catedral de Gerona: También esta catedral se levantó sobre restos de monumentos románicos anteriores. Pero el desarrollo ciudadano que sufrió Cataluña a finales del siglo XIII obligaron a hacer un templo mayor. Así, hacia 1312 se comenzó la obra de la catedral actual, que se prolonga hasta el siglo XVII. La fachada central, a caballo de una monumental escalinata, es barroca del siglo XVII. Pero su interior es completamente gótico y original a la vez. Tiene tres (Fil) naves partiendo de la cabecera y hasta el crucero y a partir de allí se continua en nave única. Se reunió una comisión de arquitectos en la Corona de Aragón a fin de solucionar los problemas técnicos que representaba esta tremenda nave de una anchura desconocida hasta entonces, pues tiene 23 metros de ancho. A ambos lados de esta nave única se abren capillas laterales insertas entre los contrafuertes exteriores. La parte de la cabecera es normal, con tres naves y girola a la que se abren multitud de capillas radiales poligonales. Catedral de Palma de Mallorca: Sobre el solar de la antigua mezquita de los musulmanes se levantó el actual templo gótico en el 1269. En el siglo XIV se continua su ejecución en la cabecera. Las bóvedas no se cerraron hasta el siglo XVI y la fachada es muy posterior. Es un edificio de enormes proporciones en el que predominan las líneas verticales por la abundancia de contrafuertes a lo largo de los muros laterales (Fil) Su planta es de tres naves con capillas insertas entre los estribos laterales, abundantes y pequeñas. Las bóvedas son de crucería y la nave central tiene gran altura (44 metros). Tiene gran apertura de ventanales y vidrieras destacando un enorme rosetón de 11 metros y medio de diámetro que es el mayor del gótico español. La decoración es en extremo sencilla y austera. En este siglo se observa un nuevo despertar castellano, superados los años de inestabilidad política, y bajo los reinados de Enrique III y IV y los Reyes Católicos se vuelven a acometer grandes empresas constructivas como la grandiosa catedral de Sevilla. Pero el siglo XV tampoco es un siglo de decadencia para el gótico levantino sino que se produce más bien un cambio de directrices. Mientras que en el Siglo XIV predominó en Levante la arquitectura religiosa, en el siglo XV se desarrolla una espléndida arquitectura civil, paralela al desarrollo burgués de Cataluña y Levante. Una muestra de este gótico civil es la Lonja de Barcelona (fil) que se construyó entre el 1380 y el 1392. Se trata de un espacio de tres naves separadas por arcos ojivales que descansan sobre esbeltas columnas surcadas de baquetones. Todo ello cubierto de techumbre plana de madera. El esplendor del comercio mediterráneo dió gran auge a estos edificios donde se llevaban los trueques de mayoreo y demás operaciones relacionadas con el tráfico barcelonés. Es lo que conocemos por la Giralda, la cual ha conservado todo el aspecto de alminar almohade de macizas proporciones y decoración de una red de rombos en los planos laterales. Esto hizo que cuando se llegara a la cabecera en el siglo XVI se prescinda de la girola clásica del gótico por sentirla ya un tanto desfasado. Así se construyó una cabecera plana con una ábside central que se termina ya en el Renacimiento. Las bóvedas son de un recargamiento excesivo con multitud de nervios ornamentales que forman espléndidos dibujos de tracería. La escultura, sobre todo en sus primeros tiempos, conserva el carácter monumental y el sentido de la grandiosidad heredado del Románico, pero después el artista procura, cada vez más, dotar a sus personajes de expresión humana. Abandona el frontalismo y la verticalidad e inclina ligeramente su cuerpo hacia un lado para poder contemplar al hijo que tiene en sus brazos. Cuando esta sentada, en vez de colocar al niño entre las piernas y de frente, lo sienta sobre una de ellas para hacer posible el diálogo. Lo más destacado es el trecento italiano, donde se muestra un mayor interés por la belleza naturalista y el juego de volúmenes.. En los primeros años del siglo XIV, aparecen dos escuelas de pintura en la Toscana y ambas constituyen el antecedente directo del Renacimiento Italiano: la Escuela Florentina y la Escuela Sienesa. De las dos, la más innovadora es la florentina y tiene a Giotto como su máximo representante. Giotto rompe con los convencionalismos de la tradición bizantina que imperaba hasta entonces en Italia y su espíritu de observación de la realidad le distancia de los maestros sieneses coetáneos. Las expresiones dramáticas de los rostros, las figuras en movimiento y la gradación de sus colores suponen un avance sustancial, aunque sus montañas sean convencionales, sus fondos aún dorados y su paisaje muy esquemático. Él es la transición de la pintura gótica feudal y la renacentista en Italia.
Arquitectura, pintura y escultura gótica
· Cronología: de finales siglo XII a siglo XV. -- Arte religioso: expresión del cristianismo que se da en toda Europa. -- Arte urbano: expresión de la fuerza emergente de la ciudad. · La principal de las artes será la Arquitectura. · El edificio más representativo será la catedral. Es una arquitectura que apunta y nos conduce al Cielo, a Dios. · Aspectos constructivos: nuevas técnicas que permiten liberar a los muros de su función sustentante. 1. Elementos sustentados: -- Arco apuntado u ojival. Nervios: estructura que sustenta los distintos paños de la bóveda. Clave: lugar en el que se cruzan los nervios de la bóveda. Sistema de descarga de la arquitectura Gótica. · Las bóvedas de crucería se hicieron cada vez más compleja a medida que avanzó el estilo. · Cada nervio de la bóveda descansa una de las finas columnas adosadas al pilar, a la que transmite todos los empujes de la bóveda, quedando libre el muro de toda función sustentante. · Los arbotantes permiten separar los contrafuertes de los muros, aumentando su poder sustentante. · Las gárgolas son los elementos que decoran los desagües. · Función: evitar la corrosión de las aguas de lluvia provenientes de las cubiertas. ·Un chapitel o aguja es un elemento arquitectónico que se sitúa en la parte superior de una torre, del campanario o del crucero a modo de remate. · Se trata de un elemento vertical que vuelve a manifestar el carácter ascensionista de la arquitectura gótica y de su acercamiento a Dios. · Liberado el muro de los pesos y empujes de las bóvedas, se abren en ellos amplios vanos que se cubren con hermosas vidrieras multicolor. · Se mantiene la forma abocinada, con sus arquivoltas, y todo su programa escultórico. ·Entre las novedades hay que destacar su forma apuntada, y la aparición de gabletes y rosetones. 1 Desarrollo en altura Catedral de Laon. Adelgazamiento de columnas adosadas que se convierten en baquetones (desaparecen capiteles) Pilares circulares (propios de la primera época) Empleo de arcos apuntados que permite: A) concentrar pesos en zonas concretas (esqueleto Pétreo) B) aumentar altura sin mantener proporción con anchura (aunque obliga a aumentar número de pilares) Líneas de fuerza ascendentes *Vidrieras: piezas de vidrio de diferente color unidas con tiras de plomo. Representan temática religiosa y simbolizan bendición divina pues no deja entrar el frío y el viento exterior (pecado) y proporciona luz y calor (regalo de Dios) Muros son meros cerramientos, perdiendo función sustentante. Empleo de arbotantes (segmentos de arcos exteriores que trasladan presiones de nave central a contrafuertes exteriores) Torres coronadas por chapitel la más antigua y por aguja calada la más moderna Galería de los reyes Triforio muy desarrollado coronado por rosetón Pórtico de antigua catedral románica (destruida en incendio) Empleo de remates: pináculos gablete (moldura angular que corona vanos) Características generales: arcos apuntados, vaciamientos de muros, verticalidad, etc. Características generales: Esqueleto pétreo, arcos apuntados, bóvedas de crucería, verticalidad, etc. Representación del laberinto con sentido simbólico (final del camino real y, figuradamente interior) Laberinto. Pilares octogonales muy estilizados y sin baquetones Catedral de Sevilla. Ruptura de frontalidad, rostros diferenciados, pliegues curvos que acentúan corporeidad, diversidad de actitudes, etc. Entre figuras Virgen con el niño: rostro sonriente, contraposto, formas anatómicas insinuadas bajo pliegues, niño con rostro amable, también risueño Portada real de Reims. Características generales: ligero contrapposto, mayor detalle del rostro, abundancia de pliegues, etc. Virgen Blanca de la Catedral de León. Liberación del marco arquitectónico (se convierte en bulto redondo adosado más que relieves) Formación de grupos. actitudes dialogantes (se vuelven los rostros, se dirigen los brazos, etc.) Gusto por lo secundario Y anecdótico Detalles de rostro. Características generales: individualización del rostro, pliegues más naturales, gestualidad, etc. Esculturas románicas Jamba derecha, catedral de Reims, 1252 Sepulcro del Doncel de Sigüenza. Sólo se identifica lo sobrenatural por el halo de luz dorada que envuelve al niño Elementos del fondo presentan igual grado de nitidez y detallismo que los del primer plano Virgen del canciller Rolin. Ermitaños (San Cristóbal) y peregrinos (Santiago) mártires Mezcla de vegetación de distintas latitudes (naranjos y palmeras mediterráneas) para expresar el Paraíso Igual nitidez objetos del fondo. Características generales El hombre del turbante rojo. Se eliminan detalles superfluos meramente decorativos Diversidad de actitudes y gestos para expresar estados de ánimos Huida a Egipto. Resabios bizantinos: rostros ovalados, nimbos dorados, ojos almendrados Canon más natural, con estudio anatómico y abandono de estilización bizantina Mayor corporeidad de volúmenes: cuerpos con amplias túnicas dotados de cierta grandiosidad Noli me tangere. Teatralidad gestual Estudio de combinaciones cromáticas Muerte de San Francisco. División en tres espacios: central enmarcado por delgadas columnas y cubierto por tres arcos y laterales con un arco Por primera vez se representa arcángel San Gabriel arrodillado anunciando el mensaje con la rama de olivo Ricos contrastes cromáticos En laterales santos protectores de la ciudad Tendencia a la planitud.
El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia, y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el gótico pervivió más tiempo). Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia (siendo bien distinto el de París y el de Provenza), más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia (aunque al norte se acoge uno de los ejemplos más paradigmáticos, como la catedral de Milán), con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón. El arte gótico propiamente dicho coincide en el tiempo con la plenitud y la crisis de la Edad Media. Se suele indicar que frente al arte románico (que refleja una sociedad ruralizada de guerreros y campesinos), el gótico coincide con el máximo desarrollo de la cultura urbana donde aparece la burguesía, las universidades y el florecimiento de las órdenes religiosas (monásticas como el Cister y mendicantes como franciscanos y dominicos), así como la acentuación de los conflictos y la disidencia (revueltas populares, herejías, desarrollo y crisis de la escolástica, Cisma de Occidente) y finalmente los pavorosos espectáculos de la Peste Negra y la Guerra de los Cien Años en un mundo tan cambiante que sólo puede entenderse en términos de una mutación fundamental (para la historiografía materialista, la transición del feudalismo al capitalismo). El término gótico fue acuñado para referirse a una arquitectura, y es en el campo de la arquitectura donde se reconocen más fácilmente las características del estilo. Tanto la escultura como la pintura presentan unos límites más imprecisos. Podemos considerar que, al principio, estos ámbitos artísticos estaban aún profundamente relacionados con el entorno arquitectónico, pero que a medida que pasa el tiempo, el centro de gravedad artístico se va desplazando hacia la pintura. En su época fue conocido como "Opus francigenum" (obra francesa, estilo francés....); recibió en el Renacimiento la denominación de Estilo Moderno, en oposición al antiguo o clásico. G. Vasari lo llamó estilo Gótico por considerar que era una creación bárbara, germánica (goda), con principios anticlásicos. Estilo pintoresco se le llamó en el s. XVIII por su carácter exótico, y Ultramarino, por creerse originario del Mediterráneo oriental. Universidad de San Carlos de Guatemala Facultad de Humanidades -- Departamento de Arte Lic. Angel Milian Página2 BA11 Arte Medieval Arte Gótico 2 consideraciones estéticas de cada momento. La cristiandad europea se abre a nuevos horizontes En 1204 los caballeros de la cuarta Cruzada conquistaron Constantinopla. Saquearon y destruyeron la rica ciudad oriental y los objetos suntuarios que trajeron en su botón, hablaban de un mundo mucho más refinado que el suyo. Pero no conocieron oriente sólo a través de las cruzadas, sino también gracias a los contactos comerciales que estas guerras favorecieron. Europa occidental vivía una época en la que los monasterios estaban perdiendo su protagonismo económico en favor de las ciudades, y el cultural en favor de las universidades. La burguesía mercantil, gracias al dinero que obtenía del comercio y de la banca, estaba alcanzando un gran poder económico mientras el sistema feudal, que basaba su riqueza en la posesión de la tierra, empezaba a desintegrarse. El espíritu de la época cambiaba y el arte se benefició al añadir a su clientela eclesiástica, la burguesa. El arte gótico se extenderá en el entramado general de la espiritualidad que caracteriza la Edad Media, pero de ninguna manera podrá considerarse como una continuación del espíritu románico. Desde el pensamiento filosófico hasta las nuevas condiciones socioeconómicas, se genera una situación que propicia la aparición de un hombre nuevo y, por ello, de un arte nuevo. XIII y tras las Cruzadas, se abren nuevas rutas terrestres y marítimas que favorecen el desarrollo del comercio. La necesidad de satisfacer la demanda de los mercaderes determinará el crecimiento de las actividades artesanales. Las actividades comerciales y artesanales se concentran en las ciudades (Burgos, en la terminología medieval), que crecerán (o aparecerán....) de forma espectacular en esta época, atrayendo el excedente demográfico que se va generando en el campo, al socaire de las mejoras agrarias y tecnológicas que favorecen el crecimiento de la producción de alimentos y de la población. En las ciudades aparecen los gremios, que pronto se convertirán en clientes y mecenas artísticos. La riqueza que provoca este desarrollo económico se materializa en dinero; ya no es la tierra la única y principal fuente de riqueza, ni la aristocracia o el clero los únicos clientes y consumidores potenciales de arte; una nueva clase social, la burguesía, emerge en esta sociedad dinámica y en transformación. Las catedrales góticas se alzarán majestuosas, desafiantes en su concepción técnica, sobre los tejados de las ciudades de la Baja Edad Media, y los palacios de las clases dirigentes romperán el estricto carácter religioso y militar del románico. Esta relativa secularización de la vida y la cultura no significará, por otra parte, el final de la iconografía religiosa; ésta se adaptará a los nuevos tiempos enriqueciéndose con historias procedentes de las vidas de los santos recogidas por Santiago de la Vorágine en su Leyenda Dorada, y con temas marianos procedentes de los Evangelios apócrifos. Frente a las pequeñas y oscuras iglesias rurales del románico, el gótico eleva prodigiosas catedrales llenas de luz, desarrolla una importante arquitectura civil e independiza a las otras artes plásticas (pintura y escultura) de su subordinación al soporte arquitectónico. No obstante, hay también muchos elementos de continuidad: el predominio de la inspiración religiosa en el arte sigue siendo indiscutido, el monasterio como institución apenas varía excepto en detalles formales y de adaptación a nuevos requerimientos, la misma planta de las iglesias sigue siendo predominantemente la cruz latina con cabecera en ábside orientada al este, aunque se complique o varíe (plantas basilicales, colocación del transepto en el centro, complicación de naves, capillas y girolas). Este arte se ha definido durante mucho tiempo de manera bastante superficial, exclusivamente por la utilización de uno de sus elementos, el arco apuntado, al que suele llamarse ojival, del que se deriva la bóveda de crucería que permite desplazar los empujes a contrafuertes externos, que se alejan aún más de los muros mediante el uso de arbotantes. Eso permitió la construcción de edificios mucho más amplios y elevados, y el predominio de losvanos sobre los muros. Los nuevos edificios religiosos se caracterizan por la definición de un espacio que quiere acercar a los fieles, de una manera vivencial y casi palpable, los valores religiosos y simbólicos de la época. En el segundo, se aumenta la crucería con arcos o nervios secundarios y los llamados terceletes para sostener los témpanos de plementería ya que las bóvedas se hacen más amplias. Se abre más arriba un rosetón calado y remata el frontispicio en gablete o en ático de hermosa crestería. Las empinadas torres, con sus atrevidas flechas que terminan y guardan los costados de la fachada; los pináculos y doseletes que animan el contrafuerte; las estatuas y relieves que pueblan las entradas y los tímpanos. Todo, en fin, contribuye a causar la impresión de una religiosidad sublime. Entre los miembros secundarios de un edificio gótico son notables por lo característico de su forma: Ménsula con ángel músico, claustro de la iglesia de Santa María la Real, Sasamón,provincia de Burgos, España. · pináculos, agujas, gárgolas, caireles, crestería, etc. cuya traza de estilo gótico es inconfundible con la de otros. Universidad de San Carlos de Guatemala Facultad de Humanidades -- Departamento de Arte Lic. Angel Milian Página19 BA11 Arte Medieval Arte Gótico 19 Ornamentación Detalles de la Catedral de Notre-Dame. La ornamentación gótica se funda en la construcción y sirve para acentuar más los elementos de ésta. Los motivos más comunes y propios, en el terreno escultórico, son en los comienzos del estilo gótico, sobre todo, en el periodo de transición los adornos geométricos heredados del estilo románico, molduras y calados geométricos que nacen del propio arco. La utilización del arco conopial en el siglo XV permite una amplia utilización de la curva y contracurva en la ornamentación. La parte más novedosa en cuanto a la decoración viene de la flora y fauna local que se interpreta en forma estilizada durante los siglos XII y primera mitad del XIII. La naturaleza se interpreta con bastante realismo y en este último siglo se propende a las formas retorcidas. El trébol, la hiedra retorcida, los brotes de vid, las hojas de roble o de encina se encaraman por los arcos y las agujas de los edificios góticos, asociándose al nuevo estilo. Posteriormente se abandonan para dar lugar a las frondas, cardinas (hojas de cardo), grumos, trifolios, cuadrifolios, etc. En el arte clásico, solo dos o tres plantas, el acanto, la hiedra y el laurel, habían tenido aceptación en el repertorio decorativo, pero el gótico se vale de todas las especies del reino vegetal y reproduce también pájaros y hasta seres fantásticos, monstruos que una veces están derechos como guardianes en los alto de balaustradas y otras agazapados condenados a servir de gárgolas para arrojar el agua de las lluvias recogidas en los tejados. Universidad de San Carlos de Guatemala Facultad de Humanidades -- Departamento de Arte Lic. Angel Milian Página20 BA11 Arte Medieval Arte Gótico 20 Decoración con azulejos en La Seo de Zaragoza. Las molduras góticas se distinguen de las grecorromanas en que no ofrecen corte o sección circular como éstas sino semielíptica, piriforme, cordiforme, etc. todo para que a la vista aparezcan muy tenues y casi aéreos los arcos y demás miembros que se molduran. La decoración pictórica de varios de los mencionados elementos debió ser en su tiempo común pero ha llegado escasa a nuestros días. Con frecuencia se pintaban las esculturas de las portadas, sepulcros, capiteles, claves de bóvedas, nervios de éstas y más la techumbre si se hacía de madera. Y aunque fueron poco abundantes los cuadros de figuras en los muros, se suplieron en gran parte por las vidrieras policromadas. En muchos edificios de España, participando más o menos en la arquitectura mudéjar se usó la decoración de azulejos en frisos y zócalos. Escultura gótica Retablo, típica talla en madera del siglo XV, conservado en la Catedral de Amiens, Francia. Universidad de San Carlos de Guatemala Facultad de Humanidades -- Departamento de Arte Lic. Angel Milian Página21 BA11 Arte Medieval Arte Gótico 21 Virgen del Patrocinio Parroquia de Sant Miguel de Cardona, España. En la escultura gótica las tallas en piedra continúan usándose para la decoración de la arquitectura, además de cumplir la función evangelizadora (el catecismo de los analfabetos, la inmensa mayoría de la población) pero cada vez se emancipa más (paso del relieve al bulto redondo). La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un sentimiento espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del siglo XIII. La influencia de las esculturas griegas y romanas que aún se conservaban se incorporaron al tratamiento de las telas, las expresiones faciales y la pose. 1140), considerada el primer edificio gótico, y muy pronto le siguió la catedral de Chartres (h. Anteriormente, no había tradición escultórica en la Isla de Francia, así que los escultores se traían de Borgoña, quienes crearon las revolucionarias figuras que actuaban como columnas en el Pórtico Real de Chartres. Era un invento enteramente nuevo y proporcionaría el modelo para una generación de escultores. En España la penetración del gótico francés se hizo a través de maestros y obras que llegaron procedentes de este país, por ejemplo en Cataluña la influencia del taller de Rieux es bastante evidente en la virgen del Patrocinio de Cardona. En Alemania, desde 1225 en la catedral de Bamberg en adelante, el impacto se encuentra en todos los lugares. La catedral de Bamberg tiene el más amplio conjunto de escultura del siglo XIII, culminando en 1240 con el Caballero de Bamberg, la primera estatua ecuestre en el arte occidental desde el siglo VI, y que se cree que retrataba a Conrado II. En Inglaterra la escultura estaba más limitada a monumentos funerarios y decoraciones no figurativas, en parte debido a la iconoclastia cisterciense. La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal medio para la narración pictórica en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa, como una continuación de las tradiciones cristiana y románica anteriores.
Bisontes en pie, Cueva de Altamira en el norte de España. Las pinturas de Altamira, fueron descubiertas en 1879 por Marcelino Sanz de Sautuola. Es el período que se inicia alrededor del año 4.000 antes de Cristo y termina con la caída del Imperio Romano de Occidente, el año 476 después de Cristo. Dura aproximadamente 45 siglos y por ello es el per íodo más largo de la historia. Surgen de las civilizaciones de Oriente Antiguo: E gipto, Mesopotamia, China, Irán, Fenicia, etc. Paso de la civilización de Oriente a Occidente: los griegos desarrollan una extraordinaria civilización. Primera cultura de los sumerios en babilonia. Invención de la alfarería y la metalurgia. Tablilla de piedra grabada con escritura pictográfica de la ciudad mesopotámica de Kish (Irak), 3.500 A. de C. En Egipto comienza la fundición de metales blancos: estaño. En Asia Menor aparecen los primeros instrumentos de cobre y estaño. Florecimiento de la cultura micénica en Grecia. En Mesopotamia se emplean poleas simples para levantar pesos o sacar agua. Tales de Mileto predice un eclipse solar en Asia Me brilla por efecto del reflejo de la luz solar. Tales de Mileto, astrónomo y matemático griego es e iniciador de la investigación racional del universo. Ciro II crea el gran imperio persa. En Grecia se emplea el torno en la alfarería. Demócrito propone la primera teoría atómica de la materia. Esplendor de la cultura griega en Atenas, con Pericles. Hipócrates postula que cada enfermedad tiene su cau deben a demonios ni espíritus. Juro por Apolo el Médico y Esculapio y por Hygeia y Panacea y por todos los dioses y diosas, poniéndolos de jueces, que este mi juramento será cumplido hasta donde tenga poder y discernimiento. A aquel quien me enseñó este arte, le estimaré lo mismo que a mis padres; él participará de mi mantenimiento y si lo desea participará de mis bienes. Consideraré su descendencia como mis hermanos, enseñándoles este arte sin cobrarles nada, si ellos desean aprenderlo. Alejandro combatiendo contra el rey persa Darío III en la batalla de Issos. Euclides reúne todo el conocimiento de geometría - acumulado en dos siglos --en su obra Principios. Arquímedes, matemático e ingeniero griego es consid erado el inventor de la rueda dentada, las bombas aspirantes e impelentes, el tornillo sinfin, poleas y palancas. Aristarco postula que los planetas, la Tierra y la Luna giran alrededor del Sol. Eratóstenes calcula que la longitud de la circunferencia terrestre era de 40.000 km. 146 Ptolomeo propone la Teoría Geocéntrica: la Tierra es el centro del universo y los planetas giran en torno a ella. El imperio romano alcanza su máxima extensión. San Agustín, pensador cristiano propone un método s para la teología cristiana. Teodosio declara al cristianismo como religión oficial. División del imperio romano en Roma Oriental y Roma Occidental. Fundación del reino visigodo en el sur de Galia y España. Caída del Imperio Romano de Occidente: el emperador Rómulo Augústulo es destronado. Abarca un período de diez siglos, desde la caída de l Imperio Romano de Occidente (476) hasta la Toma de Constantinopla, po r los turcos, en 1453. Alta Edad Media, que se inicia con la caída del Im perio Romano de Occidente y termina en el siglo IX; Baja Edad Media, que se extiende desde el siglo IX hasta la gestación de las monarquías nacionales, el Renacimiento y la épo ca de los grandes descubrimientos geográficos, entre los siglos IX y XV. Caída del Imperio Romano de Occidente en poder de l Conversión de los francos al cristianismo. El emperador Justiniano lleva a un gran florecimien Oriente (bizantino). El emperador León III vence a los árabes en Constantinopla. Carlos Martel derrota a los árabes en Poitiers. Óleo del siglo XIX que representa a Carlos Martel en la Batalla de Poitiers. El imperio franco queda dividido en tres reinos. La iglesia ortodoxa de Bizancio proclama la desobediencia a Roma. Luis el Niño, rey del reino franco oriental. Conrado I, rey franco, del pueblo franco-alemán. Se consolida el feudalismo en Francia, Inglaterra, Alemania e Italia. Cisma entre Roma y Constantinopla: separación de la iglesia cristiana. El poema de Mío Cid, obra de carácter épico, inaugura la literatura castellana. Guerra de los "cien años" entre Francia e Inglaterra. La peste negra produce miles de muertos en Europa. Nacimiento del pintor renacentista italiano Fra Angélico. En Florencia, Italia, nace Américo Vespucio, navegante que viajó cuatro veces a las tierras descubiertas por Colón, levantando un mapa de ellas. Nace Leonardo da Vinci, genial pintor, escultor, arquitecto, literato, ingeniero y científico italiano. Luis XI, en Francia, sienta las bases de la monarquía absoluta. Nace Michelangello Buonaroti (Miguel Angel), artista italiano del Renacimiento. La Época Moderna o Tiempos Modernos se extiende desde finales del siglo XV hasta el término del siglo XVIII (Revolución France sa, 1789). La duración aproximada es de tres siglos. Para muchos historiadores el comienzo de la Época M oderna está marcada por el Descubrimiento de América, en 1492. Los descubrimientos geográficos, la decadencia comercial del Mediterráneo y el Renac imiento son tres acontecimientos que imponen su sello a la Época Moderna. A través del Tratado de Tordesillas, el Papa delimita los territorios descubiertos en América por españoles y portugueses. Vasco da Gama descubre la ruta naval a las Indias Orientales. En los dibujos de Leonardo da Vinci aparecen aeropl anos asombrosamente semejantes a los que se construirían cuatro siglos más tarde. Nació en Italia, en 1452 y murió en Francia en 1519. Da Vinci, el humanista del Renacimiento,es considerado uno de los más grandes pintores de la h istoria. Enrique VIII (Inglaterra), se nombra jefe de la Iglesia inglesa. Hernán Cortés inicia la exploración del antiguo reino azteca. Hernando de Magallanes y Sebastián Elcano dan la vuelta al mundo. Ignacio de Loyola funda la Compañía de Jesús Enrique VIII (Inglaterra) crea la Iglesia anglicana. Nacimiento del pintor cretense Domenikos Theotokopoulos, conocido como El Greco. El entierro del conde de Orgaz (1586--1588; Iglesia de Santo Tomé, Toledo, España). Es la obra más conocida de El Greco. En la parte superior, idealizada, representó la Gloria y la llegada del alma del conde al cielo. Nicolás Copérnico postula el modelo heliocéntrico del sistema solar. Nace Miguel de Cervantes, el más notable escritor e tiempos. Nace Lope de Vega, prolífico escritor español. El modelo heliocéntrico adquiriría un mayor grado de exactitud cuando el astrónomo alemán Johannes Kepler (1571-1630), reformuló la teoría, sugiriendo que la trayectoria de los planetas no era circular, sino elíptica. Antoine Lavoisier postula la ley de la conservación de la masa: la materia no se crea ni se destruye: se conserva. La Toma de la Bastilla ocurre en París el martes 14 de julio de 1789. La caída de esta la fortaleza en manos de los revolucionarios pone fin al llamado Antiguo Régimen y es el inicio de la Revolución Francesa. Los ecos de la Revolución Francesa repercuten en el resto de Europa y más adelante en todo el mundo. Thomas R. Malthus (1766-1834), economista británico autor de la teoría de la población, publica su obra Ensayo sobre el principio de la población. Robert Fulton, inventor norteamericano prueba en el río Sena su primer buque a vapor. Nacimiento de Charles Darwin, naturalista inglés qu e postula la teoría de la Evolución de las Especies. Los jefes de Estado, durante ocho meses, reorganizan a Europa después de las guerras napoleónicas. Georg W. Hegel, filósofo alemán representante del idealismo, publica Filosofía del Derecho. Se constituye Liberia, en África, como colonia para los esclavos estadounidenses liberados. Fin de la guerra de independencia de Grecia contra Turquía. Instauración de la colonia francesa en Argelia. Barthélemy Thimmonier, sastre francés, inventa y demuestra el funcionamiento de la primera máquina de coser que funciona de manera regular y continua. Nacimiento de Gustavo Adolfo Bécquer, escritor español. En Estados Unidos, Samuel Morse inventa el telégrafo. Otto Hahn (Alemania), y Lise Meitner (Austria) descubren el proceso de fisión nuclear: el átomo de puede dividir liberando energía. Paul Cézanne (1839 - 1906), pintor francés postimpresionista, es considerado el padre del arte moderno. En su época fue un pintor ignorado, expuso muy poco y sólo fue reconocido por sus colegas impresionistas. Nacimiento del compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovsky. Fallece Niccolo Paganini, uno de los más notables virtuosos del violín de todos los tiempos. Francia establece que la edad mínima para trabajar es de 8 años. Augusto Comte (1798-1857), filósofo positivista fra ncés, pionero de la sociología publica su obra Curso de filosofía positiva. Se prohíbe el trabajo de las mujeres en las minas de Inglaterra. Guerra entre los Estados Unidos y México. En Inglaterra se establece la jornada laboral de 10 horas diarias. Es el a ño de las revoluciones liberales: crisis económica y sentimientos nacionalistas. Primera convención de los Derechos de la Mujer, en Nueva York. Fin de la guerra entre México y los Estados Unidos. Se publica el Manifiesto Comunista, de Karl Marx. Louis Pasteur postula que las enfermedades contagio sas son producidas por microbios. Con sus experimentos destruye la teoría de la Generación Espontánea. Louis Pasteur (1822 - 1895), científico francés, re alizó descubrimientos importantes en biología, química y microbiología. De joven, sin embargo, sus inclinaciones eran de tipo artístico. Isaac Merrit Singer, norteamericano, fabrica la máquina de coser accionada por un pedal y la comercializa en Boston. Su comercialización a nivel mundial se iniciaría en 1856. Alexandre Dumas hijo, publica La Dama de las Camelias. Herbert Spencer (1820-1903), investigador del cambi o social desde una perspectiva evolucionista publica Principios de Psicología. Guerra de Crimea: Gran Bretaña, Turquía y Francia, contra Rusia. Nacen Marcelino Menéndez Pelayo, escritor español y George Bernard Shaw, escritor irlandés Nacimiento de Sigmund Freud, médico austriaco que d esarrolló teorías centrales para el psicoanálisis, la psicología de l a sexualidad humana y la interpretación de los sueños. Charles Darwin publica el libro El Origen de las Especies por Selección Natural, que sienta las bases de la Teoría de la Evolución. John Stuart Mill (1806-1873), filósofo y economista británico publica uno de sus más notables ensayos: Sobre la libertad. Nacimiento del poeta y filósofo indio Rabindranath Tagore. Guerra Civil (Secesión) en los Estados Unidos de Norteamérica. Se publica Los Miserables, del escritor francés Víctor Hugo. Nacimiento de Henri de Toulouse - Lautrec, pintor francés. León Tolstoi publica La guerra y la paz. Nacimiento de Miguel de Unamuno, escritor y pensador español. Nacimiento de Max Weber, economista y sociólogo alemán. En los Estados Unidos es asesinado el presidente Abraham Lincoln. Termina la Guerra de Secesión en los Estados Unidos; la esclavitud es abolida. Gregorio Mendel descubre las leyes de la herencia. Nacen los escritores Jacinto Benavente y Ramón del Valle- Inclán, españoles; Rubén Darío, nicaragüense, y Luigi Pirandello, italiano. En los Estados Unidos, Sholes inventa la máquina de escribir. Karl Marx publica el primer tomo de El Capital. Guerra de los Diez Años: los cubanos se rebelan ante la falta de reformas por parte del gobierno español. Hazaña tecnológica: el Concorde, avión de fabricación anglo-francesa fue el primer avión de pasajeros que superó la barrera del sonido, alcanzado una velocidad de 2.333 km/h, es decir, 2,2 veces la velocidad del sonido. Vuela a 18.000 metros de altura, cuando la temperatura exterior es de -- 50 ºC. Guerra franco- prusiana: derrota de Francia y nacim iento de Alemania unificada. Nacimiento de los escritores franceses Marcel Proust y Paul Valery. Thomas Alva Edison inventa la ampolleta eléctrica. Fedor Dostoyevski publica la obra Los hermanos Karamazov. Nace Pablo Ruiz, Picasso, notable artista español. Se promulga la Ley de Seguridad Social en Alemania. Nace José Ortega y Gasset, escritor y pensador español. Karl Benz y Gottlieb Daimler inventan, independien temente, el primer automóvil de combustión interna. El 1º de Mayo, en Chicago se produce la primera hue lga general de trabajadores exigiendo una jornada laboral de 8 horas diarias. Nacimiento del arquitecto suizo - francés Le Corbusier. Por primera vez se usa una incubadora artificial (Nueva York). Iván Petrovich Pavlov (1849-1936), fisiólogo ruso, publica sus experimentos sobre reflejos condicionados. Se publica la encíclica Rerum Novarum sobre la doctrina social de la Iglesia, por el Papa León XIII, condenando el abuso de los patronos hacia sus obreros. Oscar Wilde da a conocer su obra El retrato de Dorian Grey. Se promulga la Ley de Seguridad Social en Francia. Wilhelm Röentgen descubre los rayos X. Guerra de España contra Cuba. Konstantin Tsiolkowsky, físico ruso, estudia la posibilidad de lanzar un satélite artificial alrededor de la Tierra. Henry Ford, magnate norteamericano prueba -- en las calles de Detroit - el primer automóvil fabricado en su taller. Proclamación por la ONU de la Declaración Universal de los Derechos Humanos. Los nacionalistas quedan relegados a la isla de Formosa, actual Taiwán. Fundación de la OTAN, tratado defensivo del atlántico norte. Nacen las dos Alemanias: RDA en el Este; RFA en occidente. James Watson y Francis Crick descubren la estructura de la molécula de ADN, que contiene la información genética de las especie s, empaquetada en los cromosomas. En la especie humana los cromosomas (46) contienen no más de 30.000 genes. En 1962, Junto a Maurice Wilkins y Francis Crick, r ecibió el premio Nobel de Fisiología y Medicina. Es como una escalera en caracol que en sus largueros contiene azúcar y fosf ato. En los peldaños están las bases: adenina, timina, citosina, guanina. El código genético está definido por la secuencia u orden de las bases. Los científicos usa n estas secuencias para localizar la posición de los genes en los cromosomas y elaborar el mapa del genoma humano. Muere Albert Einstein el físico más notable del siglo XX. Jonas Salk y Albert Sabin descubren la vacuna antipoliomielítica. La URSS lanza al esp acio el Sputnik I, primer satélite artificial. El Sputnik II, lanzado el mismo año, lleva al primer ser vivo al espacio: la perra Laika. Se firma el Tratado de Roma, dando vida al Mercado Común Europeo (CEE). El Papa Juan XXIII difunde las encíclicas Mater et Magistra y Pacem in Terris, formulando una invitación para construir un orden mundial basado en la justicia y el amor. Los Estados Unidos lanzan al espacio el satélite artificial Explorer I. Charles de Gaulle, asume como primer Presidente de la V República francesa. La URSS lanza al espacio la nave Lunik 3, sonda lun ar que es el primer vehículo que circundó la Luna y transmitió fotografías de su lado oculto. Se independiza la mayoría de los países africanos. Se construye el muro de Berlín, verdadero símbolo de la pugna Este - Oeste y de la Guerra Fría. Yuri Gagarin, cosmonauta ruso, es el primer hombre puesto en órbita alrededor de la Tierra. Permanece en órbita en la cápsula Vostok I durante 108 minutos. Yuri Gagarin (9 de marzo de 1934 - 27 de marzo de 1968), fue el primer astronauta puesto en la órbita terrestre. El Concilio Vaticano II declara que la guerra es inmoral, un crimen contra Dios y la humanidad. Los Estados Unidos lanzan al espacio el Telstar I, el primer satélite de comunicaciones. Primer vuelo orbital norteamericano tripulado: el astronauta John Glenn realiza tres órbitas alrededor de la Tierra. Fotografía de la Tierra en el espacio. Pablo VI publica la encíclica Populorum Progressio, fundamentando el pensamiento de la Iglesia sobre el desarrollo. La nave espacial rusa Vostok VI lleva al espacio por primera vez a una mujer: Valentina Tereshkova. Permanece en órbita durante 70 horas y 50 minutos. El doctor Christian Barnard realiza el primer trasplante cardíaco. Guerra de los Seis Días entre Israel y los estados árabes, Egipto, Jordania y Siria. Las tropas soviéticas invaden Checoslovaquia: fin de la primavera de Praga. En los Estados Unidos son asesinados Martin Luther King, líder del movimiento negro pro derechos civiles, y Robert Kennedy. Guerra de los Seis Días: Israel contra los países árabes. El hombre llega a la Luna (Neil Armstrong, Estados Unidos). La tripulación de la nave espacial Apolo 11 la completan Edwin Aldrin y Michael Collins. El Departamento de Defensa norteamericano crea ARP ANet, considerado el embrión de Internet. Huella del pie humano en la Luna: Neil Armstrong descendió por una escalerilla y puso el pie izquierdo sobre la Luna. Sus primeras palabras fueron "Estoy al pie de la escalerilla. La's patas del Águila sólo han deprimido la superficie unos cuantos centímetros. La superficie parece ser de grano muy fino, cuando se la ve de cerca. Es casi un polvo fino, muy fino. "Este es un pequeño paso para el hombre; un salto gigantesco para la Humanidad". Pablo Neruda, poeta chileno, Premio Nobel de Literatura. Jean Piaget (1896-1980), psicólogo y lógico suizo, pionero de los estudios sobre la inteligencia de los niños, publica Psicología y Pedagogía. La República Popular China ingresa a la ONU. El presidente Salvador Allende es derrocado en Chile. Crisis mundial del petróleo: los países productores restringen la producción. Robert Metcalfe, ingeniero de la empresa Xerox, Pal o Alto, Estados Unidos, crea el estándar conocido como Ethernet, para conec tar computadores en redes de área local. Fallecen dos españoles de talla universal: Pablo Picasso y Pablo Casals. Konrad Lorenz (1903-1989), biólogo austriaco fundador de la Etología (estudio del comportamiento animal), publica La otra cara del espejo. Pablo Ruiz Picasso, nació en Málaga (1881), en una familia vinculada al arte. En Barcelona, donde la familia se instala e 1895, Picasso completa su formación y comienza su carrera de pintor. Es el creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Guernica es probablemente la obra más conocida de Pablo Picasso, pintada en 1937. El nombre alude al bombardeo de Guernica por la aviación nazi, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil. La obra fue realizada por encargo del Gobierno Republicano para ser expuesto en el pabellón españo l durante la Exposición Internacional de París, 1937, para atraer la atenci ón del público hacia la causa republicana durante la Guerra Civil. Juan Carlos I, es proclamado Rey de España. Juan Pablo II, primer Papa no italiano desde 1522. El Ayatollah Jomeini, integrista islámico, asume el poder en Irán. Los sandinistas conquistan el poder en Nicaragua. Intento de asesinato del Papa Juan Pablo II. El sindicato polaco Solidaridad, dirigido por Lech Walesa se enfrenta al gobierno comunista de Polonia. Primer vuelo espacial de la nave norteamericana Columbia. La empresa norteamericana IBM presenta el primer computador denominado PC (personal computer = computador personal). Guerra de las Malvinas, entre Gran Bretaña y Argentina. El investigador Luc Montagnier, del Instituto Pasteur de París descubre el virus del SIDA. Michail Gorbachov es nombrado Secretario General de l Partido Comunista Soviético iniciando una política de reformas económicas y apertura política en la URSS. La computación empieza a generalizarse como herramienta de trabajo. La URSS coloca en órbita el primer vehículo portaaeronaves del espacio. Cae el muro de Berlín, preámbulo de la reunificación de Alemania. Los estados bálticos, Li tuana, Letonia y Estonia, son los primeros en proclamar su independencia. Albert Einstein es reconocido como el personaje del siglo XX.
En 1879 don Marcelino S. de Santuola, dio a conocer las pinturas de la cueva de Altamira (Santillana de Mar, Santander). Demostraba que el hombre prehistórico había realizado obras de arte, hasta entonces desconocidas, en el interior de las cavernas. Pasado un tiempo, en 1907, Juan Cabré publicó unas pinturas de ciervos (halladas en la Roca dels Moros de Calapatá, Teruel) de un estilo diferente al de la cueva de Altamira: se había descubierto otro estilo de arte rupestre: el levantino. Posteriormente se han realizado numerosos hallazgos y los investigadores han podido conocer mejor el arte rupestre y determinar, para la Península Ibérica, tres estilos principales: el Arte Paleolítico, el Arte Levantino y el Arte Esquemático. Pero las pinturas y grabados sobre las paredes de las cuevas y abrigos no fueron la única expresión artística de la Prehistoria. Es el arte propio de cavernas profundas, de galerías recónditas sumidas en la oscuridad más absoluta. Usan diferentes colores (negros, rojos, ocres) y se rellena toda la figura, no sólo se dibuja el contorno. que aparecen aislados a o en grupo. También se representan signos abstractos y manos. Todavía no sabemos el significado y finalidad de los signos abstractos y de las manos. Estos animales se dibujan de perfil pero con los cuernos y las pezuñas de frente: es lo que llamamos "perspectiva torcida". La figura humana, escasa en el Arte Paleolítico, adquiere gran importancia, con frecuencia es el tema principal, cuando aparece en la misma escena que los animales, es la figura humana la que los domina. Hay escenas de caza, de danzas, de luchas, de trabajo agrícola, de domesticación de animales, de recoleccion de miel, de ejecución de hombres... Entre las primera destacan los bisontes de arcilla encontrados en la cueva del Tuc d'Audoubert (Montesquieu-Avantés, Francia).
A partir del siglo V, asistiremos al desarroll o de una tendencia contra la figuración, especialmente la de carácter humano; sólo escaparán a esta corriente las figuraciones animalísticas. En la iglesia oriental existirá una línea de oposición a las imágenes, personificada en los iconoclastas (destructores de imágenes) (745 d.C.). A mediados del siglo IX los iconodulos lograrán imponerse, consiguiendo la aceptación de sus ideas, según las cuales: El honor rendido a la imagen revierte a lo que ésta representa. Cualquiera que venera una imagen, venera a la persona representada en ella (VII Concilio de Nicea). Byzantion, relativo a esa antigua ciudad (siglo VIII a.C.), ubicada en las márgenes del estrecho entre el mar de Mármara y el mar Negro en la región del Bósforo (hoy Estambul, Turquía). La pintura puede ser para los iletrados lo mismo que la escritura para los saben leer (Gregorio I el grande). Con el emperador Justiniano (527-565), Bizancio adquiere el cénit de la supremacía sobre Occidente, tras la iniciativa de Constantino de instalar la capital del Imperio en Oriente y hacer de Bizancio la nueva Constan emperadores en Bizancio desarrollarán un estado teocrático: el emperador es jefe político y espiritual. El Imperio bizantino (330-1453) es una fusión Iglesia-Estado, que se refleja en su arte, donde, junto a lo divino, exaltación de la religión, se manifiesta la glorificación del poder civil hasta el punto que aparecen una serie de paralelismos, tales como: Cristo Emperador, Virgen Emperatriz o Santos-cortesanos. *A causa de su muerte, el imperio se divide entre sus 2 hijos (Honorio parte Occidental y Arcadio parte oriental) esta última pervivió durante mil años mientras que la primera sufrió una invasión de los pueblos germánicos (godos y visigodos). El arte bizantino es una expresión artística que se configura a partir del siglo IV fuertemente enraizado en el mundo helenístico como continuador del arte paleocristiano oriental. En sus primeros momentos se consideró como el conservador natural en los países del Mediterráneo oriental del Imperio Romano, siendo transmisor de formas artísticas que influyen poderosamente en la cultura occidental medieval. Los períodos del arte bizantino se ajustan, como es natural, a las grandes fases de su historia política. Desde comienzos del siglo V se va creando un lenguaje formal artístico propio y diferenciado del que se mantiene en el Imperio de Occidente. Primera Edad de Oro que comprende los siglos VI y VII, es la etapa de formación del arte bizantino en sus aspectos formales básicos. Tras la fundación de Constantinopla, La Nueva roma (330), el incipiente imperio se convirtió en una gran potencia. La prime ra etapa de su desarrollo tuvo como protagonista a Justiniano I el Grande, que intentó reconstruir el imperio Romano bajo un fuerte impulso conquistador y condujo a Bizancio hasta occidente. Después del período de la lucha de los iconoclastas, aunque pobre en monumentos, comienza, en torno al año 850, el arte bizantino medio o Segunda Edad de Oro que perdura hasta el año 1204, cuando Constantinopla es conquistada por los cruzados; en esta época esencialmente se consolidan los aspectos formales y espiritua les del arte bizantino; es la verdadera etapa creadora y definidora de la estética bizantina. Arquitectura de tipo simbólico Grandes construcciones cupulares Plantas redondas u octogonales Decoración de mosaicos Decorativismo en capiteles/brocados Libros miniados Salterios con tradición figurativa Perfeccionamiento en el uso de la pechina Adelgazamiento cupular Escultura decorativa Púlpitos y ambones esculpidos. 1560 Manifestaciones finales y transición del Deuterobizantino. Desde el punto de vista político, en los primeros años del siglo V (en España, desde 409-411), asistimos a la llegada de pueblos godos, vándalos, visigodos y suevos, que, en su expansión, cruzan las tierras romanas (saquean Roma) y llegan hasta el norte de África. Son gentes originarias de centros culturales muy diversos y con un común denominador: no tienen tradición urbana, viven sobre el caballo. Estos pueblos conocidos generalmente como bárbaros, desarrollarán un estilo resultado de la mezcla de influencias diferentes. El objetivo político de estos pueblos invasores será la unificación (unidad política y religiosa en el estado), escogiendo Toledo como capital del reino. La iglesia sigue un desarrollo de doble vertiente: Catedral y parroquias (oficial), y la monacal, con la creación de los primeros monasterios. Godos: Pueblo proveniente de la Prusia oriental (al norte de la hoy Alemania), pero de origen mítico sueco proveniente de una región denominada Götland" de ahí su nombre. Pueblo guerrerista, cuyo ascenso en la escala social estaría determinado por los meritos en las campañas militares. Las Walkirias: vírgenes guerreras guardianas del reino de los muertos, la Walhalla. A veces intervenían directamente en el camp o de batalla. Desde el punto de vista artístico, podemos decir que el arte de los Godos, es un arte hispanorromano de época visigótica, ya que se desarrolla en las mismas coordenadas que el Paleocristiano. Utilización del arco de herradora (perfeccionado) Construcción en piedra con bloques grandes, uniformes y bien tallados (esta sillería está sentada en seco y sin mortero). Uno de los elementos escultóricos más representativos de la manifestación artística de los godos, figuras antropomorfas con características de ángeles o querubines que sostienen en sus brazos estandartes del tipo oval, heráldico, o similares. La importancia de este elemento radica en su forma ya que rompe con la tradición iconoclasta. El arte Godo, en particular el Visigodo, crea joyas de gran vistosidad. Materiales (ladrillo y piedra para revestimientos exteriores e interiores de mosaico). Los minaretes son producto de la invasión turca. Mosaicos: es un arte decorativo que utiliza teselas (pequeños fragmentos de cristal, mármol, cerámica o piedra) para crear imágenes o dibujos. Son infinitas las adaptaciones y las variaciones de tema, material, color y aplicación que se han ido explorando a lo largo del tiempo. Los mosaicos bizantinos son auténticos focos de luz, con un espacio abierto al decorativismo. La pintura al fresco, es menos costosa que el mosaico y los paramentos de mármol; llenará las paredes de las iglesias para expresar en ellas los ciclos evangélicos. La técnica para realizar los mosaicos es aparentemente simple pero reviste gran complejidad: se utilizan unas pequeñas teselas de color que se van colocando con mínimo detalle hasta formar escenas figurativas de gran realismo y belleza. Es un arte inalterable ya que las piezas no pierden potencia cromática ni se degradan de ninguna forma. Sólo en el caso de desprendimiento o acción deliberada pueden sufrir alteraciones. Rávena cuenta con numerosas iglesias y baptisterios donde podemos admirar, todavía hoy inalterados, sus majestuosos mosaicos revistiendo paredes, nichos y ábsides. La temática es fundamentalmente religiosa pero no se descuida el aspecto propagandístico del poder y así aparecen figuras de gran relevancia política como el emperador Justiniano y su esposa Teodora rodeados de sus respectivos séquitos, o su palacio imperial, etc. No obstante son las escenas puramente religiosas las más frecuentes: la Virgen, Jesucristo, santos, apóstoles, mártires... Las iglesias de San Apolinar Nuevo, San Apolinar in Classe y San Vital; los Baptisterios de los arrianos y de los ortodoxos y el mausoleo de Gala Placidia son los conjuntos más representativos de este arte musivario que tan bien caracteriza la realidad política y religiosa del imperio bizantino en su capital italiana, Rávena, muy destacada durante los siglos VI y VII de nuestra era cristiana. La obra maestra de del arte musivario, es sin duda alguna, el conjunto de mosaicos de San Vital de Rávena, compuestos hacia el año 547, y en los que se representan varios temas bíblicos y en los laterales del ábside los grupos de Justiniano I y de su esposa Teodora con sus respectivos séquitos. Terminada la lucha iconoclasta, a mediados del siglo IX es cuando verdaderamente se configura la estética bizantina y su iconografía. Surgirá una nueva Edad de Oro, la segunda, que supondrá el apogeo de las artes figurativas, irradiando su influjo al arte islámico, por entonces en formación, y al naciente arte románico europeo. El estilo bizantino en escultura debe considerarse como una derivación y degeneración del romano, bajo la influencia asiática. Le caracterizan, en general, cierto amaneramiento, uniformidad y rigidez o falta de naturalidad en las figuras junto con la gravedad la cual suele consistir en esmaltes, en imitaciones de piedras y sartas de perlas, en trazos geométricos y en follaje estilizado o desprovisto de naturalidad. Cultivó el arte bizantino muy poco la estatuaria pero abundó en mosaicos y en relieves sobre marfil, plata y bronce y no abandonó del todo el uso de camafeos (Se llama camafeo a todo relieve obtenido en piedra preciosa, generalmente, de variado color y con delicadas figuras) y entalles (Se llama entalle a toda piedra dura grabada en hueco, especialmente la usada como sello.1 Las piedras finas que se usan para tales efectos suelen ser ágatas, cornalinas, esmeraldas, amatistas, granates y lapislázuli). En los relieves, como en las pinturas y mosaicos se presentan las figuras mirando de frente. No todas las obras de escultura bizantina merecen igual nota desfavorable pues aun en medio de sus defectos reúnen muchas de ellas notables cualidades y relativas perfecciones sobre todo, en las épocas de mayor florecimiento. La plástica escultórica bizantina supuso la culminación del arte paleocristiano, manteniendo sus técnicas y su estética de progresivo alejamiento de las cualidades clásicas: la mayor rigidez, la repetición de modelos estereotipados, la preferencia del bajorrelieve a las obras de bulto redondo. Tras la sistemática destrucción del período iconoclasta hay una vuelta al culto de las imágenes, pero para no caer en la idolatría y por influjo de las nuevas corrientes islámicas desaparece la figura humana. Las obras más destaca das son las labores ornamentales de los capiteles con motivos vegetales y animales afrontados como son los de San Vital de Rávena o los sarcófagos de la misma ciudad en los que se representan los temas del Buen Pastor. Pero las obras capitales de la escult ura bizantina son las pequeñas obras, dípticos y cajas, talladas en marfil, destacándose el díptico Barberini, Museo del Louvre, del siglo V, o la célebre Cátedra del obispo Maximiano, en Rávena, tallada hacia el añ o 533 sobre placas de marfil con minucioso trabajo. El arte bizantino fue más importante que otros tipos de artes existentes en el mundo. Llamaremos arte musulmán: al conjunto de las manifestaciones producidas en las comarcas sometidas a la ley del Islam y gobernadas por príncipes musulmanes. ¿Qué es el Islam?: Es una religión que tiene como fundamento la completa aceptación y obediencia a las enseñanzas de Dios; que Él reveló a su profeta Muhammad*. El Islam (sumisión) tiene como base un libro sagrado, el Corán, que recoge la palabra de Allah (Dios) revelada a Muhammad (Mahoma), su mensajero o enviado. La comunicación del mensaje divino fue realizada en lengua árabe que pasó a convertirse en el idioma oficial y en el vehículo de unidad. La era islámica, Héjira, comienza el año 622, fecha en que Mahoma marcha de La Meca a Medina huyendo de la intransigencia mostrada por su predicación. A partir de esa fecha, junto a la fe religiosa, surgieron unas nuevas actitudes sociales y políticas que, en menos de un siglo, se expandieron desde el golfo de Bengala hasta el océano Atlántico. Córdoba será la ciudad más importante de Europa en el siglo X, y su biblioteca, la mejor del mundo en aquellos momentos, con un número de volúmenes que parec e inimaginable: unos 400,000 libros. Ello exige un estado de limpieza ritual o abluciones, un espacio suficiente para prosternarse e inclinar la cabeza hasta el suelo y una correcta orientación hacia La Meca. Destaca la Mezquita Exuberancia decorativa, los materiales más utilizados son el yeso y el alabastro. Utiliza todo tipo de materiales, pero en general usa poco la piedra, salvo en Egipto y Córdoba, prefieren la mampostería y el recubrimiento con yeso. La medina es el núcleo central de la vida urbana donde se construyen la mezquita mayor y el zoco o mercado. El trazado de sus calles es irregular, con numerosos callejones sin salida y adarves. No hay plazas, y los barrios están especializados en diferentes profesiones, que cierran sus puertas por la noche. Las casas presentan al exterior muros sin vanos. Esta característica de agrupación de edificios y oficios en ciertas calles, permite en la ciudad una fuerte segregación espacial. a. Zocos: lugares en torno a los que gira la actividad de la ciudad. Caravasares: Almacenes y fondas para caravanas y comerciantes, con un patio alrededor del cual se organizan las dependencias. Las fondas son fundamentales en las travesías del desierto. Constan de un gran espacio amurallado, con patio interior, galerías, establos, almacén, etc. c. Baños: Situados junto a las mezquitas (lugar apropiado para lavarse antes de la oración). El musulmán los utiliza para purificarse tanto de las cosas mundanas como de a praxis sexual. Los baños, hamán, imitan las termas romanas ya que tienen la misma estructura, piscinas de agua caliente, fría y templada. Están ricamente decorados y cubiertas por una cúpula calada, para que entre la luz. Madrazas: se trata del edificio escuela donde se enseña la teología y la jurisprudencia derivada del Corán. Casa: No se debe hacer ostentación de ella porque es transitoria; es austera y uniforme: tapias blancas, muros sin ostentación de riqueza. Es un lugar de respeto profundo y casi sagrado por la intimidad, dentro de sus dependencias destaca el harén (lo más apartado posible de la entrada). f. Construcciones funerarias: son muy influidas por la religión, el Corán contiene algunas prescripciones sobre ellas: el cadáver debía ser enterrado sobre el lado derecho, con la cabeza en dirección a La Meca. Las atarazanas son el lugar donde se construyen los buques, por lo que requiere grandes espacios próximos al mar. Se trata de una gran nave cubierta con madera. Además se construyen puentes, alcazabas, alcázares, acueductos, hospitales, y todo tipo de edificios que hacen posible la vida en la ciudad. Entre los edificios civiles destaca el palacio, dividido en tres partes, cada una con una función diferente y estructurada alrededor de un patio. La mexuar está dedicada a la administración de justicia y a las audiencias; el quaat al -arsh es la sala del trono. Intimidad y refinamiento son sensaciones que se exper imentan en esta edificación, arquitecturas frágiles y delicadas, con sus columnillas sosteniendo bóvedas de ladrillos revestido de estuco tallado con formas fantasiosas de lacería. La pintura islámica, en comparación con la arquitectura islámica, es una de las ramas artísticas menos desarrolladas. Se utiliza sobre todo como eleme nto decorativo en las edificaciones, normalmente a través de la escritura (decoración caligráfica mediante versículos del Corán), dibujos geométricos o vegetales y, más raramente, mediante la representación figurativa de personas y animales. Pero también destaca la iluminación en los libros sagrados y profanos. Muy relacionada con la arquitectura y la caligrafía, puede verse ampliamente usada en la pintura de azulejos en las mezquitas o en las iluminaciones alrededor del texto del Corán y otros libros. En marfil destacan los olifantes (cuerno de marfil) de carácter decorativo y finamente labrados. La madera se trabajó con mayor profusión, ya que las obras estaban destinadas a la talla de alminares, tribunas, mihrabes, armarios y recubrimiento interior de cubiertas. El Románico es un arte religioso que plasma creencias y miedos al hombre del año mil. A lo largo de los caminos de peregrinación se levantan edificios que ofrecían rasgos comunes por encima de las diferencias nacionales y regionales. Esta es una época de crecimiento económico y demográfico, en la que se recupera el comercio. Roma: Lugar donde habían sido sacrificados los apóstoles Pedro, Pablo y numerosos mártires de la primitiva cristiandad. El origen de la palabra remonta a la cruz hecha de tela y usada como insignia en la rop a exterior de los que tomaron parte en esas iniciativas. La portada románica evoca la idea clásica del arco de triunfo. No obstante, tiene elementos totalmente nuevos como el tímpano, que es un lienzo magnífico para exponer, mediante esculturas, todo un pro grama de fe y de temor religiosos. La Iglesia se preocupó de enseñar la religión con arreglo a un método práctico: haciendo sencillos catecismos y tratados religiosos en piedra, que entraban por los ojos y se grababan fijamente en la mente de los hombre y mujeres de aquella época. Zonas amuralladas para protección del comercio y de los pobladores, en las que destacan torres y puertas, las murallas ejercen una función aduanera. d de contar con torres más fuertes y carentes de los puntos ciegos que las hacían vulnerables. El castillo: las edificaciones de estos no debieran de tener belleza sino funcionalidad, estaban situados, estaban situados en lugares estratégicos para tener el control y dominio de las planicies; podían ser roqueros, montanos, y en planicies, abrían un foso alrededor, el cual llenaban de agua y colocaban trampas para sus enemigos y caballos. Son como una ciudad cerrada, centro religioso y cultural, económico, hacia donde convergen fuertes recursos de todo tipo, incluso los monasterios fueron los únicos autorizados, por la Iglesia, para ser portadores y custodios del conocimiento es decir de los libros. Área de Hospedería, Área de enfermería, casa del abad, las salas capitulares (el lugar más secreto del monasterio, lugares de castigo y redención, lugar de la custodia de tesoros y objetos preciosos del monasterio). Monasterio de Clunni: Dominó la espiritualidad europea por más de un siglo. La longitud de su iglesia se acercaba a los 200 metros y la anchura de su nave central era superior a los 10 metros, estaba flaqueada por do s naves laterales de altura decreciente, cubiertas con bóvedas de arista. Fue considerada como la obra maestra del Románico, lamentablemente fue destruida entre los años 1798 y 1823. Su construcción vertical, tres pisos, superaban los 30 metros en su triforios principales, los que se constituyen en una anunciación de lo que llegaría a denominarse estilo Gótico. La Planta basilical o de cruz latina: símbolo de la Cruz de Cristo. Los cimientos: representan a Cristo (soporte de la Iglesia). Las columnas: representan a los apóstoles y profetas. La iglesia en su conjunto, es el vehículo para la expresión de la Fe; y por su carácter de eternidad, exige construcciones robustas y duraderas. La nave generalmente es obscura y en la creyente pasa de la obscuridad a la luz que es Dios. La cooperación entre maestros de obras y escultores fue muy estrecha e incluso en algunos casos las dos funciones las realizaba la misma persona. La escultura románica puede ser exenta o estar incluida en la arquitectura. En esta última forma, la más abundante, vamos a distinguir entre portadas, claustros y capiteles. La escultura exenta representa a Jesucr isto crucificado con cuatro clavos, sus pies no están cruzados, sus brazos son horizontales siguiendo la línea del madero, el rostro no expresa dolor, siempre va vestido, con una túnica que le cubre todo el cuerpo o con un faldón desde la cintura a las rodillas. Otra escultura exenta muy común es la Virgen. Esta se representa entronizada, hierática, con el niño sentado en sus rodillas. Las representaciones son de madera policromada o de marfil. El Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela es un pórtico de estilo románico realizado por el Maestro Mateo, por encargo del rey de León Fernando II, Antes de c omenzar los trabajos del Pór tico, su taller terminó las naves de la Catedral teniendo para ello que construir una novedosa cripta para salvar el desnivel entre las naves y el terreno de alrededor. El conjunto escultórico pretende ser una representación de la ciudad celeste, utilizando en la iconografía diferentes símbolos tomados del Apocalipsis de San Juan y de otros textos del Antiguo Testamento. Otras teorías (como la del profesor Serafín Moralejo) explican las figuras y su disposición en una representación en piedra del Ordo Prophetarum, una obra teatral de tipo religioso del siglo XII en la que San Agustín convoca a los profetas para alabar a Dios y condenar a los judíos. Está constituido por arcos de medio punto que se corresponden con cada una de las tres naves de la iglesia, sustentados por gruesos pilares con columnas adosadas. El arco central es el mayor (el doble que cada uno de los laterales), es el único que posee tímpano y está dividido por una columna central, el parteluz, con la figura de Santiago. Carencia de profundidad y de luz: pintura bidimencional Disposición frontal y en yuxtaposición. Abundancia de simbolismo: alegorías del Nuevo y Antiguo testamento. El surgimiento y desarrollo del Gótico coincide con cambios notables en Europa: inicio de la decadencia del Sacro Imperio Romano Germánico y del sistema feudal puro a favor de las monarquías y a causa del auge del comercio tras las Cruzadas, lo que favorece el desarrollo de las ciudades y la aparición de una nueva clase social burguesa; la renovación del saber en las universidades y el surgimiento de una nueva espiritualidad más humanizada y próxima a la naturaleza, que se expresa en las nuevas órdenes religiosas mendicantes (franciscanos y dominicos). Los franciscanos: vivir la experiencia de la pobreza como testimonio contestador ante el gran poder económico, papal y monacal. Arquitectura la de Wicleff (La Biblia es la máxima Huss (la base de la fe está en las La arquitectura gótica se caracteriza por la verticalidad y la luz, que es el reflejo de la divinidad. Sin dejar de ser un arte didáctico, el gótico se vuelve mucho más decorativ o. Utiliza un nuevo tipo de arco y de bóveda: el arco ojival y la bóveda de crucería, que gracias a sus nervios, que convergen en contrafuertes separados del muro, a través de los arbotantes; lo que posibilita un muro diáfano que se recubre con vidrieras, que permiten el paso de una luz tamizada por los colores de los cristales. Esta luz crea una atmósfera irreal, símbolo de la divinidad. Los rosetones son el marco privilegiado de las vidrieras de colores, que tiñen el interior de color, o de una luz blanca. Existe un contraste entre estructura y apariencia. Predominan las plantas de cruz latina en las que se distingue: la cabecera, el crucero y las naves, de tres a cinco. La cabecera tiene girola y capillas radiales. La nave central y el crucero son más anchos y altos que las laterales. El arco apuntado es una de las señas de identidad más características del arte gótico. Confiere a los edificios esbeltez y verticalidad. En el siglo XIII son muy abiertos, es el arco apuntado clásico. En el siglo XIV se hacen más apuntados y altos: se denomina arco lanceolado. En el siglo XV se utilizan el arco conopial, el carpanel y el mixtilíneo. Los soportes, generalmente el pilar, evolucionan desde los redond (columnas) a los acanalados con forma de estrella. Aparece el pilar fasciculado, que tiene el fuste formado por varias columnillas delgadas (baquetones). Aquí aparecen los principales motivos ornamentales, que se vuelven más naturales. En ella se colocan las torres y las puertas. Las torres pueden estar adosadas a las naves, o justo encima de las puertas laterales. La fachada típica tiene forma de H. Está formada por dos torres cuadradas, rematadas con un elemento piramidal. Poseen tres niveles: la portada de entrada, los ventanales y el rosetón: que iluminan el interior. El rosetón tiene también una función simbólica, pues representa la luz de Dios. En ocasiones la fachada se remat a con un gablete triangular. Las portadas siguen el modelo románico: son abocinadas y en ellas se encuentra la decoración escultórica. Su número varía en función de las naves que hay en el interior. En el alzado de la catedral se distinguen tres partes: la arquería, el triforio y el claristorio o ventanales. El triforio es estrecho, ya que pierde su función de tribuna, y se emplea sólo para que pase la luz al interior. El gótico clásico, del siglo XIII, principalmente en la primera mitad, a la que pertenece la catedral de Chartres, y en el que desa ventanales se alargan. Aparecen: el arco conopial y las bóvedas estrelladas, como en la catedral de Oviedo. El retablo como parte escultórica Conjunto de grandes dimensiones situado detrás del altar, construido frecuentemente en madera dorada y policrom a. La pintura gótica, implica un gran cambio respecto a la pintura románica, debido a la progresiva reducción de los muros y su sustitución por vidrieras, lo que supone la búsqueda de otros soportes, desarrollándose la pintura sobre la tabla. La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real y puede tener contenido simbólico. El interés por la perspectiva también evoluciona, aparece la preocupación por el espacio pictórico a partir del siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico internacional. Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo idealizado individual y expresivo, al igual que en la escultura. Giotto: Su revolucionario enfoque de la forma y su manera de representar el espacio «arquitectónico» realista (sus figuras son a escala en relación con los edificios y los paisajes que las rodean) marcan un gran salto h acia delante en la historia de la pintura.
Por ello estos artistas crearon unos sistemas propor cionales, canónicos, basados en la experiencia natural como reflejo de la propia armonía que rige la Naturaleza. La figura humana será el centro de interés del artista griego. Es tan importante esta nueva visión de la vida que al griego le va a permitir buscar una belleza; y el arte dejará de ser funcional (ni al servicio de un dios ni al servicio de un monarca). Nacerá el arte en su función placentera, del espectador, optando por el realismo y naturalismo por la armonía como ingredientes de lo bello. El griego amará la belleza, que estará definida por la proporción, la medida y el equilibrio; una belleza que tendrá su módulo en la medida de lo humano la cual vivirá apasionadamente. En adelante, el artista no estará al servicio y la glorificación de un soberano, sino al placer y refinamiento de la existencia humana (hedonismo). El arte Griego marca un referente para la civilización occidental que perdurará hasta nuestros días. Los modelos griegos de la antigüedad, son tenidos como clásicos y los cánones escultóricos y los estilos arquitectónicos han sido recreados una y otra vez a lo largo de la historia de Occidente. La arquitectura se caracterizó por el uso del mármol y la piedra caliza, la madera y las tejas. La escultura se basó en la utilización también del mármol, la arcilla y el bronce, incluso muchas de ellas recubiertas en oro e incrustaciones de marfil. La pintura era realizada con colores al agua que daban dimensión a grandes murales o vasijas. La cerámica se cocía, se trabajaba en tornos verticales, pulía y pintaba. Para los griegos la belleza posee un carácter matemático y se identifica con la proporción geométrica. Por ello estos artistas crearon unos sistemas proporcionales, canónicos, basados en la experiencia natural (El hombre como medida de todas las cosas) Protágoras. Periodos: debido a la fluctuación en los estilos el arte griego se divide en diferentes periodos artísticos: geométrico y orientalizante (1100 a.C. a 650 a.C.); arcaico (650 a.C. 475 a.C.); clásico (475 a.C. a 323 a.C.) y helenístico (323 a.C. a 31 a.C.). El periodo geométrico y orientalizante del arte griego presenta vestigios esenciales de piezas de cerámica, decoradas con motivos geométricos (de allí su denominación), rectilíneos y curvilíneos. Avanzada esta etapa se introdujeron motivos humanos y animales. Fruto de la colonización del Mediterráneo, el arte griego sufre transformaciones allá por al año 750 de reemplazo de los motivos descritos en las vasijas por propios de este arte (leones, esfinges, palmas, etc.). La arquitectura es sencilla, pasando de chozas circulares a elipses de adobe y ripio, aunque tanto de éstas como de los templos sólo se han hallado cimientos. El centro de esta manifestación será el hombre (Protágoras plasmó este pensamiento con su frase: El hombre como medida de todas las cosas). Es un arte que es la manifestación del sentir estético del pueblo. Su temática está relacionada principalmente con el antropocentrismo tanto individual (belleza física y moral) como colectivo (progresivo desarrollo de una civilización urbana que se expresa en la libertad individual y en las formas democráticas). Todas las manifestaciones artísticas cumplían la función de plasmar acontecimientos civiles (muchos deportivos) y religiosos, todos de carácter público. Es impresionante la destreza a la hora de unir las piedras sin mortero, ligadas con grapas metálicas (de plomo), no percibidas desde el exterior, impresiona también la forma de disimular las adherencias entre tambor y tambor en los fustes de las columnas; crearán convencionalismos ya que se pretenderá conseguir las perfecciones lógica y óptica. Éntasis de las columnas Creación de los órdenes arquitectónicos, reflejados en sus más importantes construcciones (templos) Introducción de refinamientos cromáticos, no sólo derivados del color natural de la piedra o del mármol con que se construyen, sino procedentes de la capa de pasta polícroma añadida. El tema más importante de la escultura griega es la representación de la figura humana. El escultor griego busca la perfección corporal del hombre, en consecuencia la escultura griega se humaniza. Destreza en el perfeccionamiento de las formas, principalmente en el tratamiento de la anatomía humana. Existe una idealización (N o esculpirán lo que son, sino lo que aparentan), la belleza ideal se alcanza a través de la simetría, que debe existir entre las diferentes partes del cuerpo, (Su belleza radica en la armonía y en la perfección). El escultor griego busca la perfección corporal del hombre. Al principio tendían a ser rígidas pero con los años adquirieron flexibilidad mediante la observación de la naturaleza con un sentido idealista. El material preferido siempre fue el mármol blanco. Se caracteriza por la condición patética d e las obras reflejadas en las formas dramáticas y apasionadas, dinamismo en las expresiones, por el movimiento excesivo. Mirón: fue esencialmente un broncista, (con algunas obras en mármol); su objetivo es alcanzar la euritmia a través de la figuración y el movimiento, su preocupación es el cuerpo humano en movimiento con posturas forzadas. Dentro de sus obras más importantes tenemos: Discóbolo y el grupo de Atenea. En el discóbolo pretende captar el movimiento en tres posiciones: anterior, posterior y parado. Policleto: aspira a los mismos ideales que Mirón, pero ahora a través de la medida (canon) y la proporción (La perfección) que sólo se alcanza a través de muchos números. El cuerpo humano es igual a siete cabezas y 2/3. Fidias: Considerado como el paradigma del clasicismo, tanto por su actividad, ya que fue escultor, pintor, orfebre, arquitecto y director de obras en la restauración de la Acrópolis. (Creador de la técnica de paños mojados), que pegados al cuerpo, traslucen su anatomía, acentuando aún más su naturalidad. Fidias es considerado tradicionalmente como el paradigma del clasicismo. Fue escultor, pintor, orfebre, arquitecto y director de obras en la restauración de la Acrópolis. Conquista la belleza ideal, creando un mundo de seres plásticos perfectos y llenos de equilibr io expresivo. Praxíteles: concibe su obra en una atmósfera de hedonismo y al serv icio de la fe; sus dioses adoptan actitudes indolentes, sus cuerpos describen curvas suaves; los ve como doncellas hermosas a las que desnuda, o como muchachos de formas graciosas, con líneas sensuales y táctiles. Formalmente a Praxíteles: se le atribuye l a creación de la o bien llamada curva praxiteliana. Dentro de sus obras más importantes tenemos: Venus de Gnido, Apolos Saurótono y Fauno. Lisipo: fue el escultor predilecto de Alejandro Magno (esculpió más de 1,500 figuras de él), su mejor maestro fue la calle, modificó el canón de proporciones a 8 cabezas, fue detallista, (representa perfectamente los cabellos). Dentro de sus obras tenemos: Apoxiomenos y Ares Ludovisi. En el Helenismo, el arte clásico pierde su carácter estático, su sencillez y su moderación para buscar y expresar el movimiento, la suntuosidad y la monumentalidad. La monumentalidad y grandiosidad, tanto en arquitectura como en escultura, definen este período artístico. En arquitectura se impone el capitel corintio y destacan los templos de Zeus Olimpico, con sus monumentales columnas corintias, la torre de los Vientos de planta octogonal, el altar de Pergamo; siendo su ejemplo más significativo el Coloso de Rodas. Mención aparte merece Laoconte y sus hijos donde el realismo es su principal característica. Los órdenes arquitectónicos griegos fueron dotados de carácter propio, y en ocasiones reinterpretados (como el toscano, versión etrusca del dórico); incluso un nuevo orden que el renacimiento denominará compuesto. Su influencia en la posteridad será enorme. Esta se expresó principalmente en dos campos: retratística y relieve histórico funerario. Dentro del amplio campo de la retratística, cabe mencionar la destinada al emperador, es en general, un retrato de tendencias idealizantes, inspirado en las figuras de Alejandro Magno, Marco Aurelio, y otros personajes importantes. En cuanto al relieve, se expresa sobre todo en las columnas y los arcos del triunfo siendo su temática, principalmente histórica; presentada de una forma narrativa. Columna Trajana: se trata de un relieve en espiral, que narra las campañas del imperio romano mediante unas 2500 figuras. La columna mide 38 m de altura y el fuste está compuesto por 18 tambores de mármol. Tiene una escalera interior que conduce hasta la cima (185 escalones). Los relieves narran las dos guerras en la Dacia entre los años 101 y 106 d.C. El hilo conductor es la figura de Trajano, que aparece repetidamente con indumentarias diferentes según los hechos. Ara Pacis: se trata de un monumento conmemorativo construido entre el 13 y el en el 9 a. C. por decisión del Senado, en acción de gracias por el regreso del emperador Augusto tras sus victoriosas campañas en Hispania y Galia, y la paz que éste había impuesto. Está dedicado a la diosa de la Paz y levantado en Roma, en el Campo de Marte, donde cada año se debían sacrificar un carnero y dos bueye s. El material utilizado es mármol de Carrara, tiene una planta rectangular con unas dimensiones de 11 x 10 x 4'60 metros y no está cubierto. Presenta dos puertas: una frontal para el sacerdote oficiante, precedida de una escalinata, y otra posterior para las víctimas; estas puertas estaban orientadas originalmente al este y al oeste. En su interior el centro está ocupado por el ara propiamente dicha que se asienta sobre un pedestal escalonado. Lo más destacado es la decoración escultórica que recubre el edificio. En el interior el friso está ocupado por guirnaldas. Los frisos exteriores tienen distin ta decoración según su ubicación: flanqueando las puertas cuatro alegorías, y en los muros laterales dos procesiones. De los cuatro originales solo dos se han conservado casi completos; uno de éstos representa a Eneas y el otro (el mejor conservado) a La Tierra, como una mujer con dos niños, flanqueada por los genios fertilizantes del Aire sobre un cisne y del Agua sobre un monstruo marino; todo ello acompañado de frutos y animales que hacen alusión a la prosperidad proporcionada por la Paz de Augusto. La pintura romana manifiesta la influencia de la pintura helenística, aunque posee características propias. Destaca la pintura mural, cuyos temas principales son el paisaje, el bodegón y las escenas de género y, como novedad, retratos de tendencia naturalista. El romano desarrolla una serie de formas decorativas que incluyen estilos variados: el revestimiento de paredes imitando placas de mármol (incrustaciones), la simulación arquitecturas de columnas y ventanas con efectos de profundidad, etc. Sus temas son geométricos, retratos y sobre todo cuadros de inspiración mitológica e histórica. En pleno apogeo del Imperio romano, surge una nueva concepción del arte, como respuesta y manifestación de una nueva ideología religiosa, el cristianismo, lo que va a suponer la ruptura con el lenguaje clásico pagano; no obstante, por tratar se de una religión de ascendencia hebraica en el seno del mundo clásico, dos corrientes doctrinales antagónicas van a entrar en conflicto, surgiendo de él, el nuevo código artístico del mundo cristiano, y con ello el comienza del arte medieval; del mundo c lásico va a heredar la necesidad de dar forma antropomórfica a la idea de lo divino en contraposición a la concepción hebraica que no concibe tal representación de Dios, en cuanto limitación de su infinitud y perfección; por ello el incipiente arte cristia no va a tener que recurrir a un lenguaje de formas simbólicas y alegóricas extraídas del repertorio clásico, hasta que encuentre más tarde su propio modo de expresión, producto de la combinación de elementos simbólicos e históricos contenidos en los Evangelios. Arquitectura de la primera etapa (de clandestinidad) Catacumbas: El origen de las catacumbas son los arenarios que habían perforado los romanos en el subsuelo de la ciudad para extraer arenas y materiales de construcción. Cuando se agotaban o se abandonaban estas canteras, los cristianos las aprovechaban como cementerios añadiéndoles nuevos túneles. La más antigua que se conserva es el Tituli de San Martín de los Montes, del siglo III, que era una sala alargada con pilares que soportaban bóvedas de arista. Al esquema anterior de planta rectangular se le añade un patio rodeado de columnas o atrio al que le seguía un pórtico o nártex que servía de vestíbulo y que era el lugar donde se formaba a los catecúmenos. Denominador común en to dos ellos será la sencillez de materiales utilizados para el exterior, predominando especialmente el ladrillo, donde la riqueza arquitectónica estará presente en el interior del edificio. Los "martyria" Son lugares en los que se daba culto a las reliquias de los mártires. Son templos poligonales que derivan de las rotondas funerarias romanas, y que se asocian al templo del Santo Sepulcro de Jerusalén, por lo que esta concepción se propagó por occidente a raíz de las cruzadas. Siendo el Santo Sepulcro el templo modelo de las iglesias románicas de planta circular o poligonal, es lógico que fueran las Órdenes Militares las propietarias de este tipo de iglesias. Poseen estructura cupulada y no son aptas para celebrar ceremonias multitudinarias (generalmente solo se celebra la Eucaristía el día de la muerte del mártir). Poseen una cámara baja de forma rectangular o cruciforme, que suele albergar la tumba o reliquias del santo o mártir que se rodea de una nave circular o diagonal, llamada deambulatorio; destinada a las peregrinaciones. (origen de la girola en el Románico). La forma de los edificios está inspirada en las salas de las termas, con pila central para bautizar al neóf ito por inmersión total, como lo siguen haciendo los cristianos ortodoxos. Los primeros cristianos vivían en medio de una sociedad mayoritariamente pagana y hostil. Desde la persecución de Nerón (64 después de Cristo) se consideraba que su religión era "una superstición extraña e ilegal". Los paganos desconfiaban de los cristianos y se mantenían a distancia, sospechaban de ellos y los acusaban de los peores delitos. Los perseguían, los encarcelaban y los condenaban al destierro o a la muerte. Como no podían profesar abiertamente su fe, los cristianos se valían de símbolos que pintaban en los muros de las catacumbas y, con mayor frecuencia, grababan en las lápidas de mármol que cerraban las tumbas. Como a todos los antiguos, a los cristianos les agradaba mucho el simbolismo. Los símbolos expresaban visiblemente su fe. El término "símbolo" se aplica a un signo concreto o a una figura que, de acuerdo con la intención del autor, evoca una idea o una realidad espiritual. Los símbolos más importantes son el Buen Pastor, el "orante", el monograma de Cristo y el pez. El Buen Pastor con la oveja sobre los hombros representa a Cristo salvador y al alma que ha salvado. Este símbolo se encuentra con frecuencia en los frescos, en los relieves de los sarcófagos, en las estatuas, así como grabado sobre las tumbas. El orante: esta figura, representada con los brazos abiertos, es símbolo del alma que vive ya en la paz divina. El monograma de Cristo está formado por dos letras del alfabeto griego: la X (ji) y la P (ro) superpuestas. Son las dos primeras letras de la palabra griega "Christòs" (Jristós), es decir, Cristo. Este monograma, puesto en una tumba, indicaba que el difunto era cristiano. Puestas en vertical, estas letras forman un acróstico: "Jesús Jristós, Zeú Yiós, Sotér" = Jesucristo, Hijo de Dios, Salvador. El Alfa y la Omega son la primera y la última letra del alfabeto griego. El ave fénix, ave mítica de Arabia que, según creían los antiguos, renace de sus cenizas después de un determinado número de siglos, es el símbolo de la resurrección. En este signo existe un simbolismo cosmológico, la rueda solar, con la idea de Cristo. El triunfo de la fe, (cielos estrellados con el Crismón en el centro) se ve más frecuente en los baptisterios.
Historia: es una analogía escrita de los hechos del hombre, que involucra el pasado y presente, a través de un estudio cronológico de sus hechos. Relato de lo ocurrido explicación de cómo ocurrió porqué ocurrió cuando ocurrió. Arte: El arte (del latín ars) es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea r eal o imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones. Una producción expresiva (para ser contemplada y que comunique algo). Es el resultado de una actividad mental. Es una disciplina de las ciencias sociales que estudia la evolución del arte a través del tiempo, en sus vertientes arquitectónica, plástica, visual y auditiva. La obra de arte es un producto social donde el productor es el artista y donde su producto es un hecho estético que nos invita a comprender sus elementos compositivos. Si la obra de ar te es un hecho histórico entonces el arte es una ciencia humanística, que como ciencia social estudia al hombre y también sus creaciones culturales (La ciencia transmite conocimientos y el arte sentimientos). es un sistema de conocimiento ordenado de cómo en cada lugar y cada momento ciertas formas que llamamos arte han sido producidas (reconocidas o no) por sus coetáneos y conservadas (o destruidas) J. Fernández Arenas Objetivo del curso: estudiar las creaciones artísticas en su contexto socioeconómico, político y religioso (entender al artista en su entorno social y cronológico). Paleolítico paleos=antiguo lithos=piedra Edad de Piedra (40,000-10,000 a.C.) Reconocemos la existencia de un ser humano cuando encontramos utensilios que nos hablan de su vida material, testimonio de su esfuerzo por dominar la naturaleza. Con la aparición del hombre, comienza la historia del arte. El Paleolítico es una etapa de la prehistoria caracterizada por el uso de útiles de piedra tallada; aunque, también se usaban otras materias primas orgánicas para construir diversos utensilios: hueso, madera, cuero, fibras vegetales, etc. (mal conservadas, y poco conocidas). El Paleolítico es la etapa más larga en el estudio de la historia del ser humano. Durante este periodo, nuestros ancestros vivían de l a caza y de la recolección de vegetales, se asociaban en tribus y sus herramientas eran de piedra tallada, madera y hueso. El arte nace en el Paleolítico Superior, poco después del añ o 40,000 a.C. Cuando los seres humanos modernos poblaban prácticamente todo el globo terráqueo. Sin embargo, sus manifestaciones fundamentales, por no decir casi las únicas, parecen reducirse a Europa, al sur del límite que marcarían los hielos durante la Glaciación de Würm. Este primer artista que pinta, dibuja o esculpe vive inmerso en un clima de interglaciaciones, que condiciona su manifestación artística, a pesar de que nunca nos su espacio. Su vida discurre en las montañas y lugares altos; su entorno está formado por casquetes polares y glaciares en retroceso. Los animales con los que convive y a los que debe dar muerte para alimentarse están también adaptados al frío. Se alimenta fundamentalmente de carne y, en los lugares costeros, de moluscos, por eso será un hombre eminentemente cazador de grandes animales (reno, bisonte, mamut); pero también es consumidor de una dieta vegetal. Huellas de manos (colores rojo o en negro). Su obsesión es la posesión de animales y tal vez por eso los pinta y los esculpe en una especie de rito mágico de captación a través de la imagen; no podemos olvidar que el hombre de mentalidad dominada por la magia piensa que: lo que se hace al representado sucederá en la realidad. Los animales aparecen pintados como desearía encontrarlos: degollados, durmiendo, etc. La hembra jamás es representada herida y, frecuentemente aparece preñada. La escultura prehistórica es realizada principalmente en piedra y hueso. Como primeras manifestaciones de escultura prehistórica encontramos utensilios y plaquetas de marfil, y hueso grabados. Según los hallazgos arqueológicos, la escultura precedió a la arquitectura, y era una forma de arte practicado por casi todas las tribus antiguas. La pintura se caracteriza por su esquematismo y por su marcado carácter simbólico. Su ubicación es fuera de las cuevas (ha dificultado su conservación). Los habitantes de Mesopotamia fueron politeístas, es decir, tenían una gran cantidad de dioses. Se estima que el culto a los astros y las fuerzas de la naturaleza comenzó alrededor del año 4,000 a.C. Los sumerios llegaron al sur de Mesopotamia durante el cuarto milenio a.C., se cree que provenían de la India o de Asia Central. Su primera tarea fue controlar las inundaciones generadas por las violentas crecidas de los ríos Éufrates y Tigris, que se producían entre abril y mayo por los deshielos de las montañas de Armenia. Fue entre el 3500 y el 3100 a.C. cuando hicieron su mayor invención: la escritura cuneiforme. Este avance marca el término de la prehistoria y el comienzo de la historia. Es una serie de signos que tienen forma de clavo y se realizaron con un instrumento en forma de cuña, por lo que reciben el nombre de cuneiformes. Aparecen grabados en tablillas de arcilla y también se han encontrado en inscripciones hechas en metales, pi edras, estelas y otros materiales. Los textos más antiguos que se escribieron en La escritura cuneiforme, tiene su punto de origen en el sur de Mesopotamia, posiblemente en Uruk, se cree que fue inventada por los sumerios, quienes escribieron con estos signos procedimiento en su propia lengua; después fue utilizada para escribir en acadio, lengua de la que se derivan tanto el asirio como el babilónico. Los mesopotámicos tenían una arquitectura muy particular debido a los recursos que tenían disponibles; hicieron uso de los dos sistemas constructivos básicos: el abovedado y el adintelado. Construyeron mosaicos pintados en colores vivos, a manera de murales. No había ventanas y la luz se obtenía del techo. Se preocupaban de la vida terrenal y no de la de los muertos, por tanto las edificaciones más representativas eran: el templo y el palacio. El templo era un centro religioso, económico y político. Uso del pequeños ladrillos de adobe (barro secado al sol) Arcos de medio punto (arco semicircular que apoya en dos soportes) y la bóveda de cañón Construcciones recubiertas con mármol, ladrillo vidriado o alabastro al exterior y pinturas y relieves al interior. Sobre terrazas Varios patios palacio-ciudad: almacenes, cuadras, viviendas de los siervos, patios y dependencias reales. Se encontraban rodeados de un muro en cuyas puertas se colocaban las figuras de toros alados como protección y decoración. Su elemento más destacable es el zigurat: torre escalonada de varios pisos (normalmente 7), a los cu ales se accede por una rampa y cada uno de ellos se encontraba pintado de uno de los colores del arco iris. Está coronado por una capilla real y un observatorio. En la parte inferior se encontraban las habitaciones y almacenes de sacerdotes y sacerdotisas. La planta siempre estaba orientada hacia los puntos cardinales. Periodo SUMERIO del 3000 al 2500 A.C. Escritura cuneiforme. Ciudades -estado SUMER, UR, URUK, LAGASH gobernadas por un PATESI: rey -sacerdote que tiene tres misiones: ocuparse de la religión, de la justicia y ponerse al frente del ejército en caso de guerra. ESCULTURA DE BULTO REDONDO: Realizadas en piedra. Tienen función religiosa pues su destino era ser colocadas delante del altar para servir de exvoto. Se impusieron sobre los dioses de las divinidades cósmicas o astrales de los comienzos sumerios. Pueblos de origen semita, guerreros con reyes militares que imponen en el territorio conquistado una gran centralización política. Su persona tiene carácter divino y vivir cerca de él reporta beneficios. El arte egipcio está influenciado profundamente por la religión y por el centralismo político que trata de exaltar el poder absoluto de los reyes y la grandeza de su reino. Aunque el artista era anónimo, no firmaba sus obras y muy pocos nombres han llegado hasta nosotros, no lo era para sus contemporáneos y algunos estaban altamente reconocidos como lo prueba la decoración de algunas tumbas de artistas. Pero el artista no tiene independencia en su creación, todo lo que creaba debía estar de acuerdo a unos cánones, es por tanto falto de originalidad. Adobe: es una pieza en forma de ladrillo, hecho a base de fango y paja y secado al aire (con este material se construyeron algunas mastabas y, esencialmente, las casas del pueblo). Mastabas: son pirámides truncadas, revestidas de piedra o de ladrillo. Pirámides Existen 2 tipologías: Clásicas (de cuatro lados, en forma de triángulo isóseles) y Escalonadas (de planta cuadrada, superpuestas en ritmo decreciente, superposición de mastabas). La construcción de una pirámide se hacía por medio del escalonamiento sucesivo de piedras hasta el vértice, y desde él se descendía colocando un revestimiento de placas de caliza o granito hasta el suelo. La construcción de una pirámide se hacía por medio del escalonamiento sucesivo de piedras hasta el vértice, y desde él se descendía colocando un revestimiento de placas de caliza o granito hasta el suelo. Pirámide escalonada de Djoser (construída por Imhotep) que es una superposición de seis mastabas, hecha en piedra y su planta es de forma rectangular. Interiormente tiene una cámara mortuoria, dos naves revestidas de azulejos, una cámara conteniendo tras monolitos del rey Djoser, un templo funerario y divers as cámaras que albergaban toda una serie de bienes terrenales para alegrar la vida eterna en el paraíso. Pirámides clásicas de Gizeh: Keops, Kefren y Mikerinos. Lla pirámide de Keops es considerada una de las siete maravillas del mundo, con una altura de 146.3 m. (un edificio de 48 pisos); cada lado mide 230 m (la longitud de 2 campos de fut bol y medio). Ocupa una superficie de 54,000 metros cuadrados (unos 7 campos de fut bol y medio). Hipogeos: Hipo = dentro Geo = tierra (dentro de la tierra) Son tumbas cuya construcción tenían carácter privado, eran propias de príncipes y altos funcionarios. Tienen una fachada labrada en la ladera de la montaña, un interior de techos apoyados en columnas, una salita para nicho de estatuas y un pozo o escalera que conduce a la cámara mortuoria. Suelen estar precedidos por avenidas de estatuas de animales o esfinges de cabeza humana, estos solían tener tres partes importantes: a. área exterior (rodeaba el templo con jardines o esculturas), b. un patio rodeado de columnas que, como las paredes, pueblo tenía acceso hasta aquí, existía una entrada flanqueada por obeliscos y estatuas a ritmo par: colosos representando al faraón constructor del templo; c. Sala hipostálica, o lugar de recepción de la estatua del dios, estaba construida a un nivel más alto; su nave central estaba sostenida por columnas y las dos naves laterales eran de menor altura, con la cual se creaba una luz indirecta que anunciaba ya la cercanía del dios. Las representaciones escultóricas son de carácter religioso, funerario o de uso cotidiano. El artista es considerado un artesano al servicio del poder (faraón), y será ese poder quien determine las normas de representación que se mantendrán homogéneas, exceptuando el período de "libertad" artística que se implantó durante el reinado de Amenofis IV. Las representaciones están sometidas a un arquetipo idealizado: de ahí que la imagen del faraón responda a un ideal de belleza y los demás pueden presentar rasgos más naturales. El realismo se destina a los hombres ordinarios. Hieratismo: la rigidez en el gesto indica eternidad. Las representaciones deben garantizar la inmortalidad del difunto y la posibilidad de que la vida de ultratumba se desarrolle sin contratiempos. De ahí surgen una serie de convencionalismos. La estatua-cubo: adaptación al bloque, sin salientes para evitar las roturas. Las imágenes se someten fácilmente a la Ley de la frontalidad. La perspectiva: en general, escultura y pintura se representan en dos dimensiones, pero cuando se quiere lograr la tercera dimensión utilizan la multiplicación de perfiles, disposición en bandas o pisos, teniendo en cuenta que la mayor altura indica lejanía. Jerarquización de las figuras: el faraón aparece generalmente representado en un tamaño superior. Los egipcios utilizaron diversos tipos de escultura: escultura exenta y relieve. En esculturas exentas de un mismo faraón proliferan con frecuencia debido a las atenciones funerarias que recibían los faraones y cada una de sus partes. Junto a él aparecen con frecuencia representaciones de funcionarios (escribas, sacerdotes, contables, alcaldes, etc...) cuyos rasgos transcriben cierto realismo. Con frecuencia se acompañan estos relieves con inscripciones jeroglíficas. Las esculturas fueron talladas en los más diversos materiales, desde la caliza y la madera (materiales blandos) a las piedras más duras y lujosas como el granito, basalto, obsidiana, pórfido, etc. La policromía completaba, a veces, la plástica, sobre todo si se trataba de materiales pobres (caliza o madera) o existía la necesidad de acentuar el realismo. La inmensa mayoría de los ejemplos que han llegado hasta la actualidad están asociados a los enterramientos: murales que decoraban los interiores de las mastabas de Sakkara, o de los hipogeos del Valle de los Reyes, etc; rollos de papiros con el Libro de los Muertos,...