Hacer un itinerario aproximado de la corta vida de Carlos Mauricio Valenti es difícil por los pocos datos conocidos envueltos en nieblas de lejanía, que hay acerca de él. De ahí la razón de llamar a este trabajo aproximación a una biografía. La desaparición de todas las personas relacionadas en una u otra forma con el artista, es otro de los motivos, y también digámoslo sinceramente, la indiferencia de los hermanos (mi padre y mi tía) al no haber conservado y coleccionado parte de su obra, ni apreciado en todo su valor el talento del inquieto joven, atormentado, en aquellos aciagos años de principios de siglo.
Arte contemporáneo Museo Guggenheim Bilbao, una institución dedicada a patrocinar el arte contemporáneo y un edificio representativo de la arquitectura actual (Frank Gehry, 1997). En su exterior se encuentra una colección de esculturas contemporáneas de grandes dimensiones. El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo. Con criterios sucesivamente cada vez más limitados, incluye únicamente: el arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas); el arte del mundo actual, que en el momento que se definió como término historiográfico se entendía era el posterior a la Segunda Guerra Mundial ..1945- (la mayor parte de los museos de arte suelen denominar «arte contemporáneo» a las colecciones de ese período); el arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente, tomando como hito histórico, por ejemplo, la caída del muro de Berlín (1989) o el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York (2001). Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no se aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), sino a nuestro arte contemporáneo, porque se aplica no con un criterio cronológico (periodización), sino estético, definido por su ruptura con el academicismo y por su adecuación a renovadas y provocativas teorías del arte (arte deshumanizado, arte puro, muerte del arte, crisis del objeto artístico, arte independiente, etc. Véase también estudio de la historia del arte). Lo mismo ocurre con los conceptos de moderno y contemporáneo aplicados a cada una de las bellas artes (especialmente de las artes visuales: arquitectura moderna, arquitectura contemporánea, pintura moderna y pintura contemporánea, escultura moderna o escultura contemporánea); o con el menos usado concepto de arte postmoderno (desde los años 1970). Para las demás bellas artes, esta adjetivación no se usa de forma similar: literatura moderna y literatura contemporánea denotan significados bien diferentes. De manera mucho más clara, el concepto de música moderna suele reservarse para la música popular moderna (de la industria musical de consumo masivo); mientras que el de música contemporánea se hace para el de música académica del siglo XX. La expresión danza moderna se suele utilizar de modo intercambiable con danza contemporánea, y se opone cronológica y estilísticamente a otros géneros de danza, como la danza clásica (ballet) y la danza española, con los que comparte la condición de baile culto o admisible en las instituciones culturales (junto a la ópera o los conciertos de música culta); pero la expresión "baile moderno" (especialmente en plural: "bailes modernos") se utiliza habitualmente para los tipos de baile con menor identificación con tales instituciones (los bailes de salón y el baile juvenil de las discotecas). El surgimiento del cine (séptimo arte) a finales del siglo XIX, previamente de la fotografía, y posteriormente del cómic, hace poco útil la calificación de modernas o contemporáneas a ninguna parte de sus producciones. imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüístico con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo. Este tipo de prácticas se inician desde el cuestionamiento de la institución del arte a partir de la obra de Marcel Duchamp Fuente (1917), un objeto cotidiano descontextualizado y exhibido provocativamente como obra de arte (un urinario puesto al revés). Pero este pensamiento se comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la década de los setenta hasta nuestros días con el redescubrimiento de la obra de Duchamp y de los Dadaistas de principios del siglo XX a manos de artistas como Robert Rauschenberg, teóricos como Rosalind Krauss y toda la escuela postestructuralista, que reintrodujeron este pensamiento dentro del main stream internacional. La modernidad es un concepto polisémico, que se identifica con los valores del Humanismo y el Renacimiento de los siglos XV y XVI y con la Ilustración del siglo XVIII. Edad Moderna, separada de la Edad Contemporánea por el ciclo revolucionario bajo su triple aspecto de Revolución Burguesa, Revolución Liberal y Revolución industrial. La sociedad preindustrial, rural y estamental se ve alterada radicalmente y transformada en una sociedad industrial, urbana y de clases. La expresión artística no fue ajena a un cambio histórico de semejantes dimensioPerro semihundido. Una de las Pinturas negras, que supera el romanticismo para prefigurar el expresionismo o incluso el informalismo. Uno de los cartones, de factura plenamente académica, incluso de gusto rococó. Tras la Revolución francesa se desencadenan una serie de cambios culturales e intelectuales, en paralelo con las transformaciones sociales y políticas de la revolución burguesa y las económicas de la revolución industrial, que se van a reflejar en los movimientos artísticos siglo XIX. La balsa de la Medusa de Gericault, que rompe con las convenciones estéticas del buen gusto académico al presentar en primer plano cadáveres putrefactos de los que se alimentan unos desesperados náufragos. Delacroix fijará icónicamente el protagonismo de las masas en la historia con su La Libertad guiando al pueblo donde refleja las barricadas de las tres gloriosas jornadas de la revolución de 1830 en París. Por su parte, William Turner y William Blake realizan su propia renovación de la tradición pictórica inglesa, y Caspar David Friedrich de la alemana. Las artes y los artistas se pretenden liberar de las formas y los modelos clásicos para lograr un arte más espontáneo, vivo y personal. El artista busca su clientela en un público burgués que sancionará su éxito con la demanda de su obra en un mercado de arte cada vez más animado; y ya no tanto en los patrones tradicionales (nobleza, clero, monarquía). Mientras que el realismo literario (Balzac) surgió como reacción opuesta a los excesos del romanticismo (el exagerado exotismo, orientalismo y medievalismo y el gusto morboso por lo tétrico de la novela gótica), el realismo pictórico de Courbet, Corot o Daumier no significa una reacción en lo formal contra el romanticismo pictórico, sino que como éste, continúa profundizando en el alejamiento de la tradición academicista, de la que se ve radicalmente excluido (se les niega la entrada en las exposiciones oficiales, produciendo la apertura del Salon des Refusés, 1863). No obstante, en lo temático, los realistas ciertamente huyen de las fantasías y formas poéticas del romanticismo, y buscan representar la imagen artística de formas perceptivas con caracteres reales, acercándose más a la realidad. Esa realidad es buscada por unos con la pintura de caballete al aire libre (plenairismo de la Escuela de Barbizon); mientras que otros la encuentran especialmente en la realidad social de lo cotidiano, de lo vulgar y de las clases populares (como lo hizo el naturalismo literario de Émile Zola). La mayor parte de los realistas mostraron un alto nivel de compromiso político y social, vinculándose al naciente movimiento obrero surgido desde la revolución de 1848; otros, en cambio, como Millet, optaron por un misticismo cristiano de raíces conservadoras, postura que comparten de un modo similar, los nazarenos alemanes y la mayor parte de los prerrafaelitas ingleses. Simultáneamente, en Inglaterra, el triunfo del capitalismo y la industrialización, que amenazaba con acabar con las tradiciones artesanales, provocó la reivindicación del trabajo manual con el movimiento Arts and Crafts (artes y oficios) de William Morris, que políticamente se situaba mucho más a la izquierda que aquellos. The Crystal Palace, una estructura (diseño del constructor de invernaderos Joseph Paxton) de 92,000 metros cuadrados, 33 metros de altura máxima y 564 metros de longitud, construida por cinco mil operarios especializados (navvies en:navvy) para albergar la Exposición Universal de Londres de 1851. Es el primer edificio de tales dimensiones que utiliza los nuevos materiales que la Revolución industrial proporciona de una manera eficaz: el acero (previamente utilizado en puentes y otras obras de ingeniería) y el vidrio (que cubría una superficie de vanos de 84,000 m²). La impresionante plaza, que también acoge la Gliptoteca de Múnich, fue diseñada por Karl von Fischer como espacio público y de presencia política de la monarquía bávara; y su capacidad escénica fue aprovechada en los años treinta y cuarenta del siglo XX por el nazismo. Castillo de Pierrefonds, reconstruido con los criterios historicistas neogóticos de Eugène Viollet-le-Duc durante el Segundo Imperio Francés (18521870), para residencia de Napoleón III. Home Insurance Building, William Le Baron Jenney, Chicago, 1885. La reconstrucción de la ciudad tras el incendio de 1871 permitió diseñar con libertad edificios como éste: de 42 metros de altura gracias al uso estructural del acero, es el precedente de los rascacielos, aunque tan sólo contaba con diez pisos. El incremento de las dimensiones de los edificios de oficinas o viviendas hubiera sido del todo inútil sin las innovaciones simultáneas de la era de la electricidad que posibilitaron los rápidos desplazamientos de masas que caracterizan la vida urbana contemporánea: en vertical (el ascensor) y en horizontal (metro, tranvía y otros transportes públicos). 3 De la "modernidad" a la "postmodernidad" Brazo del Sena cerca de Giverny. Las transformaciones sociales que condujeron a la sociedad industrial se habían completado en los países más avanzados (Europa Occidental, Estados Unidos) a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, en el horizonte de la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Manao Tupapau (El espíritu de los muertos vigila). 1892. (Segunda Revolución industrial), y se estaba formando una sociedad de consumo de masas presidida en sus aspectos ideológicos por los modernos medios de comunicación vinculados a cambios tecnológicos (era de la electricidad). 1929 supusieron graves desafíos al sistema liberal y capitalista, que no obstante sobrevivió a los agitados tiempos de un período de entreguerras fertilísimo para las artes (vanguardias artísticas) y a la Segunda Guerra Mundial. Posteriormente a ésta, un nuevo ciclo tecnológico, económico y social (tercera revolución industrial) conducirá a lo que se conoce como sociedad postindustrial. Las artes figurativas pasan por un proceso de transformación, cuyos orígenes están en las viejas culturas euroasiáticas, éstas con una motivación religiosa, firme apoyo en la naturaleza y un centro en el hombre. Desde las cuevas de Altamira al neoclasicismo, pasando por el Partenón, el arte tiene una justificación humana y naturalista. La máquina hace su aparición, y con ella, las fuerzas gigantescas de nuestra época. Por eso los impresionistas utilizan el tema de la locomotora rauda y humeante. Se pinta la luz misma, independiente del objeto. En el impresionismo el tema quedó separado de toda trascendencia. Luego, con los movimientos del siglo XX, el tema acaba desapareciendo, surgiendo lo que se llama el pretexto. Los artistas ya no tendrán interés en pintar nada concreto, y titularán sus cuadros figuras, objeto, composición, etc. Gauguin se marcha a Tahití, en busca de motivos y personas no contaminadas con las civilizaciones blancas. Se alcanza una sobre valoración del arte de estas aisladas culturas. Gauguin, Cézanne, Toulouse-Lautrec y Van Gogh, o los puntillistas Seurat y Signac, son muy frecuentemente englobados dentro de la denominación neoimpresionismo (utilizado por el crítico francés Félix Fénéon en 1887 para referirse a los puntillistas o divisionistas) o postimpresionismo (utilizado por el crítico inglés Robert Fry en la exposición "Manet and the Post-Impresionists" en Londres en 1910); con lo que se quiere indicar que sus propuestas pictóricas desarrollan y amplían el tratamiento de la luz y la pincelada propia de los primeros impresionistas, aunque a través de muy distintos medios (el tratamiento del volumen, de la línea, del color, de la simplificación o división de cada punto de la materia pictórica, etc.) y de los propios conceptos representados. Estilo Internacional, representado por el Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (reunido en varias ocasiones, entre 1928 y 1959) y particularmente por la Exhibición Internacional de Arquitectura Moderna de 1932 organizada por Philip Johnson en el MOMA de Nueva York, que pretendía conciliar las diferentes tendencias arquitectónicas de lo que venía denominándose Arquitectura Moderna o Movimiento Moderno. Archivo:Auguste_Rodin-Burghers_of_Calais_London_(photo).jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/da/ Auguste_Rodin-Burghers_of_Calais_London_%28photo%29.jpg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores:? Colaboradores: This version created by Pumbaa, using a proper partial circle and SVG geometry features. (Former versions used to be slightly warped.) Artista original: SVG version was created by User:Grunt and cleaned up by 3247, based on the earlier PNG version, created by Reidab. 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Pablo Picasso, el iniciador del cubismo, retratado por Juan Gris, 1912, óleo sobre lienzo, 93,3 x 74,4 cm, Instituto de Arte de Chicago. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo». El cubismo literario es otra rama que se expresa con poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y ni tienen una métrica específica ni se organizan en versos. Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro. El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo. A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos. Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta. Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages. La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban. El cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y como jefes y maestros del movimiento figuraban los españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los franceses Georges Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente se inicia con el cuadro Las señoritas de Aviñón (Demoiselles D'Avignon) de Pablo Picasso. Como elemento precursor del cubismo destaca la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907). El cubismo surge en la primera década del siglo XX, constituyendo la primera de las vanguardias artísticas. Entre las circunstancias que contribuyeron a su surgimiento, se ha señalado tradicionalmente tanto la obra de Cézanne como el arte de otras culturas, particularmente la africana. En efecto, Cézanne pretendió representar la realidad reduciéndola a sus formas esenciales, intentando representar los volúmenes sobre la superficie plana del lienzo de una manera nueva, tendencia que fue seguida por los cubistas. Ya antes que él, los neoimpresionistas Seurat y Signac tendieron a estructurar geométricamente sus cuadros. Lo que Picasso y Braque tomaron de Cézanne fue la técnica para resolver ese problema de lograr una nueva figuración de las cosas, dando a los objetos solidez y densidad, apartándose de las tendencias impresionistas que habían acabado disolviendo las formas en su búsqueda exclusiva de los efectos de la luz. Por otro lado, el imperialismo puso a Occidente en contacto con otras civilizaciones con un arte propio y distinto del europeo. A través de diversas exposiciones, Picasso conoció la escultura ibérica y la africana, que simplificaban las formas y, además, ponían en evidencia que la pintura tradicional obedecía a una pura convención a la hora de representar los objetos conforme a las ideas renacentistas de perspectiva lineal y aérea. Lo que parece actualmente excesivo a los historiadores de arte es atribuir una influencia directa de las máscaras africanas con la obra picassiana. Todo ello no hubiera sido posible sin la aparición de la fotografía pues esta, al representar la realidad visual de manera más exacta que la pintura, liberó a este último arte de la obligación de representar las cosas tal como aparecen ante nuestros ojos y forzó a los artistas a buscarle un sentido diferente a la mera transcripción a las dos dimensiones de la apariencia externa de las cosas. La aparición del cubismo se ha relacionado, además, con otros dos hechos acontecidos en la misma década que revelan que las cosas pueden ser diferentes a como aparentan ser: el psicoanálisis al evidenciar que pueden existir motivaciones más profundas para los actos y pensamientos humanos, y la teoría de la relatividad, que revela que el mundo no es exactamente, en su estructura profunda, como lo presentaba la geometría euclidiana. En 1909 Braque y Picasso estrechan su amistad y consiguen desarrollar la nueva tendencia. Juntos crearon las dos tendencias del cubismo. La primera es el cubismo analítico (1909-1912), en donde la pintura es casi monocroma en gris y ocre. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo. Fueron elaborando un «nuevo lenguaje» que analiza la realidad y la descompone en múltiples elementos geométricos. Los puntos de vista se multiplicaron, abandonando definitivamente la unidad del punto de vista de la perspectiva renacentista. Se introducen en la pintura los «pasos», definidos como ligeras interrupciones de la línea del contorno. Entre las obras de esta fase del cubismo se encuentra el Retrato de Kahnweiler (1910, Instituto de Arte de Chicago). Al hermetismo se llega porque los planos acaban independizándose en relación al volumen de manera que es difícil descodificar la figuración, reconstruir mentalmente el objeto que esos planos representan. En su sala 41 aparecieron obras de Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Fernand Léger y Robert Delaunay. En efecto, sobre todo los futuristas objetaron al cubismo que en sus obras el movimiento estuviera ausente, siendo así que el mundo actual es esencialmente dinámico. Se seguían representando sillas, botellas o figuras humanas, aunque las descompusieran en planos y volúmenes geométricos. Comenzó en 1912 a trabajar el cubismo analítico, con obras como Naturaleza muerta con damero (1912, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou). Braque, que había sido el primero en utilizar la caligrafía, y que más de una vez intentó imitar la madera o el mármol, fue quien inició esta última fase del cubismo al realizar papier collés, pegando directamente papeles decorados en la pintura. Kupka, próximo al cubismo, comenzó a estudiar, a partir de 1912, la forma en que el espacio podía representarse mediante planos de color (Planos verticales Amorpha, 1912) o líneas sinuosas. También Francis Picabia recreó los volúmenes de la realidad de manera bastante abstracta (Procesión en Sevilla, 1912) lo que le llevó, a partir de 1913, a la no-figuración. Artista original: SVG version was created by User:Grunt and cleaned up by 3247, based on the earlier PNG version, created by Reidab. Archivo:Fresnaye_conquest_of_air.jpg Fuente: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/07/Fresnaye_conquest_of_air.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Transferido desde en.wikipedia a Commons.
Póster del Matinée dadá (de 62 × 85 cm), de enero de 1923. El dadaísmo es un movimiento cultural y artístico que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del Dadaísmo. Una característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. Para los miembros del Dadaísmo, este era un modus vivendi que hacían presente al otro a través los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. El Dadaísmo fue un movimiento cultural surgido primero en Europa y posteriormente en Estados Unidos. Fue creado en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza) entre 1916 y 1922 con Hugo Ball como fundador, cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en esa ciudad durante la Primera Guerra Mundial. Posteriormente fue adoptado por Tristan Tzara, quien se convertiría en la figura más representativa del Dadaísmo.[1] El Dadaísmo surgió del desencanto que sentían esos artistas al vivir en la Europa del periodo tardío de la Primera Guerra Mundial y, posteriormente, de la actitud de rebelión hacia la abulia y desinterés social característico de los artistas del periodo de entreguerras.[1] Artistas reconocidos de este movimiento fueron Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. Tras varios encuentros informales en distintos cafés, empezaron a darle forma a la idea de crear un cabaret internacional. La primera celebración tuvo lugar el 5 de febrero de 1916 en el Cabaret Voltaire, y consistió en un espectáculo de variedades con canciones francesas y alemanas, música rusa, música negra y exposiciones de arte. Ese mismo año se publicó un panfleto titulado Cabaret Voltaire que contenía aportaciones de Guillaume Apollinaire, Filippo Tommaso Marinetti, Pablo Picasso, Amedeo Modigliani y Vasili Kandinski; en la cubierta aparecía un dibujo de Jean Arp. En 1917 se inauguró la Galería Dadá. La expansión del mensaje dadaísta fue intensa, amplia y tuvo repercusiones en todos los campos artísticos. En Alemania encontró adeptos entre los intelectuales y artistas que apoyaban el movimiento espartaquista. En Francia ganó las simpatías de escritores como Breton, Louis Aragon y el poeta italiano Ungaretti. El Dadaísmo suele ser una sucesión de palabras,letras y sonidos a la que es difícil encontrarle lógica. Se distingue por la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y por la constante negación. Así, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables, lo cual conlleva a una tónica general de rebeldía o destrucción. El Dadaísmo es caracterizado, también, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando, de esta forma, un antiarte. El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. De hecho, por definición, cuestiona el propio Dadaísmo. El Dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. El Dadaísmo se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general. Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el "no" donde los demás dicen "sí" y el "sí" donde los demás dicen "no"; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. Por tanto, en su rigor negativo, también está contra el modernismo, y las demás vanguardias: el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. La estética dadaísta niega la razón, el sentido, la construcción del consciente. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo, la provocación. Para el Dadaísmo, la poesía está en la acción y las fronteras entre arte y vida deben ser abolidas. El aporte permanente del Dadaísmo al arte moderno es el cuestionamiento continuo de qué es el arte o qué es la poesía; la conciencia de que todo es una convención que puede ser cuestionada y que, por tanto, no hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera histórica lo artístico. Gran parte de lo que el arte actual tiene de provocación (como la mezcla de géneros y materias propia del collage) viene del Dadaísmo. Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara los valores estéticos establecidos. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El pintor y escritor alemán Kurt Schwitters destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes ---un secador de botellas y un urinario--- a los que denominó ready-mades. En poesía el Dadaísmo abre el campo para la llegada del surrealismo y ayuda a crear un lenguaje poético libre y sin límites. Para entender qué es la estética dadaísta en el mundo de la poesía nada mejor que recoger los consejos que Tzara propone para hacer un poema dadaísta. También utiliza el azar al admitir como parte de la pieza las roturas que ésta sufrió en 1923 al ser trasladada a una exposición en Brooklyn. Hans Richter lo define como un inventor pesimista, transformando objetos que le rodeaban en objetos inútiles, creando obras con subtítulos como: "objeto para ser destruido", o "haciendo fotografías sin cámara".
Predominan los colores los colores azul, amarillo y verde, contrastando con el blanco y negro. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a prácticamente un solo color estaban ya anticipando el arte minimal.Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras. En 1895 Munch realizó una litografía para imprimir la obra en revistas y periódicos.
El Futurismo fue el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 24 de febrero de 1909, en el diario Le Fígaro de París. El Futurismo surgió en (Milán) Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica. Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo. El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Humberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto del futurismo. El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini. En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que ofrecen tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos, como en Carpintero serrando o Joven meciéndose. En 1914 se presentaron también los primeros dibujos sobre una ciudad moderna de Antonio Sant'Elia y Mario Chiattone. Sant'Elia presentó ese mismo año su Manifiesto de la arquitectura futurista, un proyecto utópico que cristalizó en las imágenes de la Ciudad Nueva: la nueva medida ya no era el edificio, sino la estructura urbana, y apostaba, además, por las nuevas tipologías, como estaciones de trenes y aeroplanos, centrales eléctricas, casas escalonadas con ascensores... Se trataba de un nuevo mundo vertical y mecánico, conectado a través de redes de ascensores de hierro y cristal. Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1914, su influencia se aprecia en las obras de autores canónicos como Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el definitivo constructivismo ruso. En 1915 algunos de los representantes del futurismo, como Marinetti y Sant'Elia, se enrolaron en un batallón de voluntarios, de acuerdo con el punto nueve de su decálogo fundacional, donde se ensalzaba la guerra como la única higiene del mundo. Algunos de ellos murieron, como Sant'Elia, y los demás radicalizaron sus posiciones, como la conocida conversión al fascismo en las elecciones de 1919. Estética Marinetti concibió esta nueva estética, inspirado en la Patafísica de Alfred Jarry, en Remy de Gourmont y en procedimientos estilísticos, que este movimiento literario, no asumió, respecto de ninguna tradición formal, ni cultural previa. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado (el llamado Pasadismo), y por considerar que los museos, en especial en Italia, eran sitios equivalentes a los cementerios, donde la tradición artística común, lo impregnaba todo. Según Marinetti había que hacer tabla rasa del pasado y crear un arte nuevo, desde cero, acorde con la mentalidad moderna y las nuevas realidades, tomando como modelo a las máquinas y sus virtudes: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento, la deshumanización. En literatura, el Futurismo, abjura completamente del pasado y alienta a no respetar la métrica. Asimismo, intenta sustituir los nexos por notaciones algebraicas y buscar un léxico radicalmente hecho de tecnicismos y barbarismos, plagado de infinitivos, exclamaciones e interjecciones que denotan energía y libertad. El llamado teatro sintético del Futurismo es el espacio en el cual las acciones ocurren a una velocidad vertiginosa, con tramas de no más de diez minutos, y donde se ocultan las presencias humanas, y sólo se ven los pies de los actores, cuyas figuras se adivinan por metonimia. La estética futurista pregona una ética, de raíz fundamentalmente machista, misógina y provocadora. Entre sus postulados se dignifica la guerra como una fórmula para el saneamiento de un mundo anacrónico y decrépito y proscribe la argumentación sentimental o anecdótica. Con el correr de los años Marinetti fue politizando el movimiento hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó en 1919. El Futurismo fue un movimiento fundamentalmente italiano y de carácter literario (Marinetti), aunque tuvo expresiones importantes en la plástica (el pintor argentino Emilio Pettoruti y los pintores italianos Gino Severini, Carlo Carrà, Giacomo Balla o el escultor Umberto Boccioni). También tuvo adherencias en otras manifestaciones artísticas, en arquitectura (Antonio Sant'Elia) y en la música (el ruidismo del compositor Luigi Russolo, antecedente directo de la llamada música concreta). El Futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini. En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que ofrecen tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos, como en Carpintero serrando o Joven meciéndose. Los futuristas italianos publicaron 5 manifiestos políticos, el primero de ellos de Marinetti, de carácter fascista. El programa político futurista publicado en 1913 en la revista La Cherva glorificaba a la guerra como la "única higiene del mundo". Apoyaron la política colonial italiana en el norte de África y participaron en las manifestaciones que pedían la participación de Italia en la Primera Guerra Mundial. En estas manifestaciones conocieron y se incorporaron a las filas fascistas de Mussolini. El futurismo mantuvo posiciones patrióticas y reaccionarias, incluso pre-fascistas. Para Marinetti la revolución política y la nueva estética revolucionaria tenían que ir necesariamente unidas. Pensaba además que la sociedad industrial tenia la primera oportunidad de aprovechar la energía del creador; el futurismo italiano, en su exaltación de la maquina, coincidió con las posiciones capitalistas. La vanguardia italiana presenta dos variantes absolutamente contrarias, el futurismo violento y la pintura metafísica. PINTURA METAFISICA ITALIANA (1910-1919) Impulsada en un primer momento por Giorgio de Chirico, cuyos planteamientos fueron asimilados por otros pintores, como Morandi. o GIORGIO CHIRICO Chirico nació en Grecia pero sus padres eran italianos. Este hecho condicionó mucho su obra ya que su visión de Italia no es la de la persona que vive allí sino es de una persona que extraña y añora su país de origen. En 1905, con 17 años, muere repentinamente su padre, lo que marcó profundamente al pintor hasta el punto que parte de la iconografía de su obra se suele explicar por esa referencia a la figura de su padre. Su madre decide regresar, pero no a Italia, sino a Munich, para facilitar la formación de Chirico y de su hermano. En su momento de formación se acercó a la obra de Nietzsche, sobre todo en la etapa italiana del filósofo, por lo que de nuevo se acerca a Italia, pero no de manera directa. En 1910 su madre decide trasladarse a Paris para favorecer la formación de sus dos hijos. Antes, hacen un viaje por distintas ciudades italianas, mediante el que Chirico entra en contacto con la realidad italiana del momento, teniendo una serie de experiencias a las que el mismo dotó de una gran importancia. El término de pintura metafísica no alude a un sistema filosófico determinado sino que hay que entenderlo en un sentido literal, ya que alude a que hay algo más. Después de este viaje por Italia se establece en Paris, donde realiza sus obras más conocidas, que no fueron aceptadas al estar en pleno auge el cubismo. "El enigma de la hora" Recupera la forma, algo perdido por las vanguardias. Todas sus obras tienen un carácter ambiguo que evitan que sea un cuadro naturalista. Representa a simple vista una escena tradicionalista, con arcos de medio punto, etc. La presencia del reloj es muy frecuente en la obra de Chirico, y casi siempre marca el mediodía, sin embargo, la luz de sus cuadros responde a la luz dorada de la que habla Nietzsche en sus obras desde Italia. La presencia humana es muy escasa, y cuando aparece lo hace en una escala diminuta frente al tamaño arquitectónico, lo que refleja la obsesión por el paso de la vida humana frente al carácter perdurable de la arquitectura. En este cuadro aparecen dos figuras muy poco definidas. Esta presencia de la ausencia humana también se suele poner en relación con la perdida de la figura paterna. Chirico está muy influenciado también por Schopenhauer, que habla de las revelaciones imprevistas y repentinas, sosteniendo que hay que prescindir de la memoria, que nos hace interpretar los datos que tenemos de manera preconcebida, y así el mundo se nos presenta de manera maravillosa. "Melancolía de Otoño" Aparece una especia de Ariadna dormida, figura mitológica, pero aparece de una manera que nos presenta dudas. Entonaciones doradas que se ven alteradas por el fondo verdoso, muy acido y contrastado que contraviene la ley de perspectiva aérea. A la derecha al fondo se ven montañas representadas con un dibujo muy firme y preciso en un tono diferente. El humo tiene bien dibujado los contornos. Su obra evolucionará con el tiempo hacia una mayor abstracción y sobriedad, hasta culminar en la abstracción expresiva. En Francia se formuló a través de la expresión de la llamada al orden. Esto también se da en Alemania e Italia. Picasso quiere saber si es capaz de dibujar, para lo que realiza una serie de retratos de amigos suyos. En Rusia se impone el realismo sociialista, con un fuerte carácter propagandístico. Grupo integrado por artistas que publicaron entre 1917 y 1925 la revista del mismo nombre. Su propuesta estética se conoce como neoplasticismo. Este movimiento coincide con el desarrollo del constructivismo ruso, pero carece de las implicaciones políticas y sociales que tenía el ruso, lo que no quiere decir que no se trate de un grupo radical en sus planteamientos y utópico. La definición que dan ellos mismos es la búsqueda de un método sistemático para construir un mundo de formas coherentes y organizadas que participen de una armonía universal, visual e intelectual. Se van a esforzar en desentrañar los principios básicos que rigen la naturaleza aplicados a la producción artística. Uno de los personajes más activos del grupo es Van Doesburg, pintor que en 1912 escribió "desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y solo quedará el estilo". El neoplasticismo parte de la idea de que la naturaleza que nos rodea son manifestaciones torpes de unas leyes universales. Ese ideal de encontrar las leyes que rigen la naturaleza según estos pintores se alcanzaría mediante el análisis riguroso de los elementos básicos de la expresión artística. Se mueven por el deseo de crear un ambiente armonioso a partir de una postura radical de carácter geométrico. Estarán muy marcados por la experiencia de la guerra. Partiendo del cubismo desde un punto de vista formal llegarán a la abstracción total. Publicaron la revista con el mismo nombre del grupo. El grupo se prolonga hasta comienzos de los años 30, cuando Mondrian y Van Doesburg se trasladan a Paris. En el número correspondiente a octubre de 1917, el primero, dan a conocer un programa de actuación para conseguir la aspiraciones antes mencionadas. En 1918 publican el manifiesto de Stijl, donde quedan claramente establecidos 3 puntos: la guerra había destruido el viejo mundo, basado en el individualismo, y por lo tanto había que crear un nuevo mundo basado en ideales universales resultado de un esfuerzo colectivo. El segundo punto alude a la necesidad de la reforma del arte, la cultura y la vida, que se cumpliría gracias al nuevo arte plástico, del que quedarían eliminadas las formas naturales, recurriendo a la abstracción geométrica. El tercer punto es una llamada a la participación de todos los artistas europeos en una tarea común, aunque en un primer momento los firmantes de este manifiesto fueran prácticamente todos holandeses. Al finalizar la guerra, el neoplasticismo se vería reforzado por artistas franceses o alemanes. Para conseguir este cambio se encaminan a través de los elementos de la expresión plástica y los valores universales. Los elementos primarios son las formas geométricas básicas, en concreto el cuadrado o el rectángulo, generadas a partir del ángulo recto (45 C), que es el resultado de la intersección de las dos fuerzas primarias, la horizontal y la vertical. Reducen su paleta a los colores primarios (rojo, amarillo y azul, más blanco y negro). o Van Doesburg Encargado de difundir las ideas por Europa. En 1916 pinta la "vaca amarilla", en el que partiendo de una imagen real de una vaca pastando reduce las formas utilizando rectángulos o cuadrados. Va eliminando lo superficial para quedarse con la forma básica, el cuadrado. Con posterioridad abandonará el hecho de partir de la realidad para acogerse a un punto de partida ya abstracto y mental. A mediados de los años 20 llega a la conclusión de que con el sistema inicial el resultado era tremendamente estático, por lo que era difícil que quedase recogida la vitalidad de la sociedad moderna, por lo que introduce la línea diagonal y llama a estas composiciones "contraposiciones". Esto se pierde en las contraposiciones porque en el ámbito de la abstracción se llega a una autonomía de la imagen con respecto a la realidad, nos encontramos signos pictóricos que aluden a una experiencia de la realidad, pero que no determina la elección de los motivos. Cuando ocurre esto su forma se libera, así como el color, y el pintor ya no se ve obligado a representar nada real. Esta autonomía lleva a valorar el elemento, no la obra completa, sino la pauta que organiza ese mundo, y nos encontramos con una secuencia de formas que crean un ritmo. Algunas contraposiciones suelen extenderse fuera del marco del cuadro. En 1926, junto a Arp, se encargó de la renovación de un restaurante, lo que supuso la aplicación del neoplasticismo a un espacio concreto, revitalizando y dinamizando el espacio dándole una riqueza y una textura en las paredes que antes no tenía. También se encargó de la re decoración de habitaciones. No hay referencias políticas, místicas o religiosas en sus obras. Es el personaje más importante de este movimiento, uno de los grandes pintores abstractos de la primera mitad de siglo. Hijo de un pastor calvinista, tuvo una formación religiosa muy estricta centrada en la filosofía y la teosofía. La teosofía es una creencia a tener en cuenta de muchos pintores abstractos como Malevich o Kandinsky. Parte de la idea de que el ser humano evoluciona desde estadios físicos hacia estadios cada vez más espirituales en un proceso de mejora y perfeccionamiento. Confiere a los artistas y al arte un valor profético como el mejorador de la sociedad. Mondrian empieza a pintar dentro de una línea post-impresionista hasta su contacto con el cubismo, por lo que se traslada a Paris hasta el estallido de la guerra. Tendencia a la geometrizacion de los objetos. Paleta muy fría y bastante restringida en comparación con sus anteriores cuadros. Los objetos que acompañan al motivo principal han perdido importancia, importancia que ha ganado la estructura interna del cuadro, ya que las formas anteriores están organizadas en una especie de malla mucho más controlada y ordenada. Desde el año 1910 hasta 1914 inicia un proceso evolutivo a partir de los objetos del mundo natural. Tiene toda una serie de cuadros con el tema de un árbol que van perdiendo su dependencia del mundo real para ir siendo composiciones cada vez más estructuradas. Similar al cubismo analítico, la composición va perdiendo importancia según se van acercando a las esquinas. Formas aplanadas para eliminar la idea de profundidad. Cuando estalla la guerra vuelve a Ámsterdam, donde su pintura pierde cualquier referencia al motivo real para alcanzar esa autonomía de la imagen. En 1915 conoce la obra de un teósofo holandés, Schoenmaeckers, que publicó "La nueva imagen del mundo", determinante para la vida y la obra de Mondrian. Durante los años de la guerra sus patrones se convierten en cruces con un sentido religioso y empieza a investigar sobre estructuras lineales y cromáticas. Colorido, abandona los tonos ocres y terrosos para acabar llegando a los colores primarios. Sus obras más conocidas son de la década de los 20, caracterizadas por unas formas muy simples de rectángulos y cuadrados absolutamente planos que acotan espacios de color, utilizando solo los colores primarios. La línea horizontal alude a las experiencias espirituales y simboliza el paso de la vida y la muerte. Es decir, con un lenguaje muy escueto y reducido Mondrian piensa que es capaz de explicitar todo el abanico de experiencias humanas, tanto del mundo tangible (vertical) como del espiritual (horizontal). Tampoco retransmite la idea de algo acabado, es tan solo un patrón, por lo que las líneas negras no llegan hasta los bordes y determinados rectángulos de colores aparecen cortados. Ligeras variaciones en el grosor de las líneas negras. Mondrian no aceptó las contraposiciones de Van Doesburg en sus cuadros, aunque fue consciente del carácter estático de sus cuadros. Para remediarlo, gira el cuadro introduciendo un mayor dinamismo sin renunciar a sus principios. Cuando los alemanes invaden Holanda, emigra primero a Londres y luego a Nueva York, donde su estilo denota un cierto cambio por la adecuación a las experiencias vitales del pintor. El 8 de febrero de 1916 Arp abrió al azar un diccionario de francés y de ahí sacó la palabra dada, que no significa nada más que en el lenguaje infantil es el caballo de madera. Ya en 1905 se realiza una exposición que es considera como cuna de la vanguardia de Nueva York. La llegada a Nueva York cambia la obra de Picabia radicalmente, había llegado a la abstracción pero a partir de 1915 la abandona por indicaciones de Duchamp y empieza a realizar una obra de un objetivismo absoluto, conocido como pintura mecanicista, en la que aparecen las maquinas pero con un carácter peyorativo. Relevancia del autor, considerado como una figura equiparable a la de Picasso en la vanguardia del XX, aunque de signo contrario, ya que Picasso tiene una obra extensísima, mientras que la de Duchamp es muy escasa. Sin embargo, es el que más ha contribuido a cambiar el concepto del arte, así como las técnicas y los soportes. Su ejecución real se inicia en 1915, instalado ya Duchamp en Nueva York, y se prolonga hasta 1922, quedando inacabada. Entre el dada y el surrealismo realiza un tipo de obra conocida como redimakes rectificados Modifica estos objetos con la idea de liberarlos de su función habitual para convertirlos en un objeto estético. La portada es un collage en el que vemos la capacidad de Picasso para crear un universo de una capacidad expresiva y evocadora extraordinaria a través de materiales de desecho. El minotauro es frecuente en eel mundo surrealista porque representa el instinto atrapado en la mente humana. Para Picasso toma más forma de hombre brutal que persigue a las mujeres, por lo que aparece en muchas escenas de violación y persecución de mujeres pintadas por Picasso. También se ha interpretado como el alter ego del pintor malagueño. La profunda crisis personal que atravesaba Picasso por sus problemas matrimoniales le hace abandonar la actividad pictórica en 1934 y 1935, para centrarse en la creación de una obra teatral llamada "el deseo atrapado por la cola", único episodio de la obra de Picasso relacionado con la literatura. En muchos de sus cuadros se pueden encontrar referencias a su niñez. Fascinación y pavor por los bosques, ya que parece que la familia residía cerca de uno. Obsesión por el pájaro, que en el caso de este pintor es porque el día que nació su hermana, siendo él también pequeño, murió una cacatúa que tenia, por lo que quedó fijado en su mente la idea de la mujer y el pájaro y la muerte. "dos niños amenazados por un ruiseñor* Varias técnicas mezcladas dentro de la obra. Presencia de una amenaza latente en prácticamente toda su obra. Es el pintor que más se esforzó por encontrar técnicas pictóricas que neutralizaran el elemento racional y consciente. Una de las técnicas es el "frottage", técnica que empezó a trabajar en 1925 y que viene determinada por experiencias infantiles, y que consistía en la colocación de papeles en una madera desgastada y pasando un lápiz para que se quedara el relieve, que luego el pintor interpretaba según sus obsesiones. Empezó con papeles y luego pasó a los lienzos. Estos "frottage" se suelen convertir en bosques agobiantes que cuentan con la presencia del pájaro, Loplop. Creador del collage surrealista en una serie muy extensa de piezas aisladas. 3 grandes colecciones, la primera en 1929 titulada "la mujer cien cabezas", "sueño de una niña que quiso entrar en el Carmelo" y "una semana de bondad o los siete elementos capitales", hecha en 1934. Se entienden casi como novelas graficas dentro de la creación literaria surrealista. Sorprenden por la arbitrariedad de todas las escenas. Desde un punto de vista técnico, se caracteriza por el uso de un material previo del XIX, que suelen ser novelas, folletines, etc., con una base técnica común, el grabado, con lo que al ensamblar las distintas piezas quedan unificadas por la técnica, siendo muy difícil ver donde se ha manipulado la imagen. Esta ambientación decimonónica hace todavía más absurdo las escenas, ya que son interiores burgueses y acomodados, donde ocurren manifestaciones blasfemas, de índole sexual o de violencia. Otra técnica es "de calcomanía" (1), no utilizada inicialmente por este autor sino por Oscar Domínguez, surrealista canario. Esta técnica consiste en utilizar un pigmento diluido sobre un papel que es presionado por un cristal que se mueve para que el pigmento se distribuya de forma arbitraria. Fondos pintados al óleo de manera tradicional y luego se utiliza esta técnica. MASSON Pintor que a los ojos de Breton tenía una gran virtud, y es que no procedía de las filas de dada, sino que desde 1922 había estado trabajando dentro de un cubismo muy personal. Masson empieza a pintar en 1924 los dibujos automáticos (1), realizados sin control ni modelo previo. Esta vía la trabajó a lo largo de los años 20 y 30 en muchos dibujos, uno de sus temas más reiterados es la violencia en una serie de dibujos llamados "masacre". Este tema obsesiona a Masson por su presencia en la naturaleza. Una técnica de Masson fueron los cuadros de arena (2), en los que lanzaba la arena de la playa sobre lienzos donde previamente había repartido el pegamento de manera descontrolada. MIRÓ Joan Miró nació en 1893, en un pasaje cerca de la Plaza Real de Barcelona, hijo de un herrero de Cornudella. Estudió comercio, según deseo de su padre para tener una preparación y conseguir ser "alguien en la vida". Ante el deseo de Joan de matricularse en la escuela Llotja para dibujar y al tener la posibilidad de las clases nocturnas, su padre aceptó la petición, como un pasatiempo del muchacho.3 En Llotja, se vio influenciado por dos maestros Modest Urgell y Josep Pascó. Con diecisiete años acabó sus estudios de comercio y entró a trabajar durante dos años como empleado en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse a una casa familiar en el pueblo de Mont-roig del Camp. Cuando regresó a Barcelona, ya tenía la firme resolución de ser pintor y aunque con reticencias, también contaba con el permiso paterno; ingresó en la Academia de arte dirigida por Francesc d'Assís Galí, donde conoció las últimas tendencias artísticas europeas y a la que acudió hasta su cierre en 1915. La primera exposición individual de Joan Miró se realizó en las Galerías Dalmau de Barcelona entre el 16 de febrero y el 3 de marzo de 1918, con la presentación de sesenta y cuatro obras entre paisajes, naturalezas muertas y retratos. Estas primeras pinturas tienen una clara influencia con las tendencias francesas, postimpresionismo, fauvismo y cubismo. Se ve la cercanía con los colores de Van Gogh y los paisajes de Cézanne reforzados con una pincelada oscura. Una de las pinturas que llama más la atención es la llamada Nord-Sud (2), como la revista francesa en la que en su primer número del año 1917, Pierre Reverdy, se escribía sobre el arte del cubismo. En este cuadro Miró mezcla los rasgos de Cézanne con la inclusión de rótulos dentro de la pintura, como en las obras cubistas de Juan Gris o Pablo Picasso. En el interior del papel de lija aparece un ángulo agudo que evocaría la falda de la bailarina, y en la parte inferior un recorte de una publicación para el zapato de la bailaora. Momento de crisis en la que, según el propio Miró, quiso asesinar la pintura. Se replantea su trayectoria como pintor, coincidiendo con la crisis del movimiento surrealista por su acercamiento al comunismo. Esta crisis lleva a Miró a practicar un tipo de ensamblajes configurados con tablas de embalaje sobre los que recorta otras láminas de madera. El proceso de superación de esta crisis llevó a Miró a un tipo de práctica que no había trabajado hasta entonces, grandes collage de revistas o libros que serán el estimulo para su vuelta a la pintura a comienzos de la década de 1930. Durante esta década, la pintura se hace cada vez más violenta y agresiva, sin encontrar ninguna justificación en su entorno personal y familiar, pero que se explica por el contexto de España, sobre todo tras la revolución de Asturias de 1934, por lo que su pintura refleja las tensiones sociales del momento. Su pintura empieza a mostrar estados emocionales, por lo que este cuadro recoge la tensión social española, mostrada además por una paleta más tenebrosa. Es en esta época cuando se desarrolla el lenguaje pictórico conocido por todos de Miró. Este tipo de obras se relacionan con las pinturas neolíticas, sobre todo las del Levante español, que fueron estudiadas por los surrealistas en estos momentos. Al estallar la guerra, Miró colabora en 1937 en el Pabellón Español de la República en Paris. Sin embargo, su presencia ha quedado más diluida que la de Picasso porque su obra, al desmontarse el pabellón, desapareció. En 1937 pinta "el bodegón del zapato viejo* (1), referida a la Guerra Civil, en la que Miró tampoco alude a ningún episodio concreto del conflicto sino en la incidencia de la guerra sobre la población civil. Es un bodegón que refleja la miseria, con dos trozos de pan y un zapato viejo. Refleja el dolor, la miseria, el odio, etc. desatados entre la población. Importante el color, el fondo es como fluorescente, muy chirriante, sobre el que aparecen grandes nubarrones negros. Miró realiza toda una serie de obras de denuncia sobre el conflicto civil, editando hasta un sello que se vendió en Paris para ayuda de la causa republicana. Cuando avanzan las tropas alemanas hacia Paris, Miró abandono la ciudad francesa y se refugió en un pequeño pueblo de la costa normanda, en el que estuvo hasta 1941, y configuró la "serie de las constelaciones" (2), compuesta por 23 cuadros, en las que explicita sus sentimientos en aquel momento. Se ve como una especie de evasión por la II Guerra Mundial y un ofrecimiento de esperanza ante el desastre. En esta época, la música de Bach y Mozart, el mar, y la contemplación de las estrellas serán los grandes estímulos para la realización de esta serie. Dalí hizo derivar de esta circunstancia su notoriedad pública para hacerse un hueco en su propia familia. Cuando su padre asumió que su único hijo varón estaba destinado a ser pintor, se esforzó en darle todo los medios que necesitara, inscribiéndole en las revistas vanguardistas del momento y obligándole a presentarse a las pruebas de acceso de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en 1922. Con motivo de la publicación, Dalí escribió una carta a su amigo criticando de manera muy dura a Lorca por el carácter popular y folclórico del poema. En este contexto pinta "El gran masturbador" (1), una obra sorprendente por su temática, alusión al propio pintor, ya que Dalí se autorretrata desde años antes de perfil, por lo que la cabeza del masturbador es la del propio pintor. La aplicación de este método da como resultado "la imagen paranoica", que se visualizó a partir de una postal que reproducía una cabaña que Dalí convirtió girándola en un retrato picassiano, demostrando así que un paranoico puede interpretar la realidad de varias maneras. La versión más ambiciosa de imagen paranoica la encontramos en "el enigma sin fin" (3) de 1938, en el que se solapan 6 imágenes distintas, una de ellas un galgo. Según Dalí, este método se puede aplicar a la imagen, al cine, a la literatura y al ensayo. Después de la Primera Guerra Mundial, el arquitecto Walter Gropius, que tenía un amplio recorrido antes de la guerra, se hace cargo de la dirección de la Escuela de Artes y Oficios y de una Academia de Arte en la ciudad de Weimar, uniéndolas formando la Bauhaus en 1919, de modo que la teoría y la practica pudieran ser estudiadas en el mismo centro. En el manifiesto de la fundación se recogía la tradición expresionista habitual en Alemania, pero tampoco se identificaba con nada específicamente, sino que se hacia hincapié en la necesidad de una metodología de carácter general fundada en el estudio de las leyes de la naturaleza y de las estructuras de la mente humana, creando un equilibrio entre las necesidades corporales y las espirituales. En un primer momento, el peso del expresionismo es notable, pero en torno al año 1923 se impone una orientación en arquitectura con el racionalismo arquitectónico y la abstracción en la pintura. PINTURA DE LA BAUHAUS Paso de unas corrientes expresionistas hacia propuestas de abstracción geométrica en la línea de la vanguardia rusa. DDe la unión de los dos círculos grandes van surgiendo el resto de los círculos más pequeños y de colores vivos que se esparcen por el espacio. Paul Klee Suizo de padre alemán, luchó en el ejército alemán durante la Primera Guerra Mundial. Después de la guerra, Klee se incorpora como profesor de la Bauhaus. Es una de las grandes figuras de la abstracción europea. Durante estos años, el peso de la labor docente determina en gran medida su labor pictórica. Obra muy simple en cuanto a composición pero muy rica y densa en el material. El lienzo tiene una capa de yeso, lo que hace que el color tenga una textura física muy diferente al color sobre un lienzo normal. *polifonía* (2) analiza en muchas de sus obras los colores utilizando formas geométricas. El era músico, por lo que las aportaciones musicales a su pintura son continuas. *omega 5* (3) parodia de un bodegón bastante ambiguo y extraño. Se representa cortes de tronco por el sistema de crecimiento, ya que nos permite ver los anillos del trono de un árbol, pero en una de las piezas esos anillos tienen forma geométrica. Tiene una serie de obras que siendo abstractas, evocan los campos roturados visto desde lo alto. Figura importante dentro de la Bauhaus al hacerse cargo del curso preliminar y del taller de los metales. En 1920 se instala en Berlín, donde conoce a Gropius. El pintor húngaro había tenido previamente una etapa dadaísta y tenía una amplia producción fotográfica. A partir de este momento se decanta por la abstracción geométrica. *gran pintura del ferrocarril* (1) ejemplo claro de ese tipo de pintura abstracta que evoca el mundo mecanicista e industrial de los medios de transporte, en este caso hay toda una serie de referencias al mundo del ferrocarril. La r es la palabra con la que se inicia la palabra viajero en alemán y la e es la primera letra de ferrocarril en alemán. El 151 representa el numero de la maquina del tren. El poste rojo organiza y da estabilidad a la composición, en la que predominan las diagonales. *modulador de luz y espacio* (2) una escultura construida entre 1922 y 1930 que constituye la materialización de todos los estudios acerca de introducir el movimiento a la escultura, como ya hacían los futuristas. La estructura es una pieza geométrica que al entrar en movimiento proyecta en el espacio distintas sombras.
Umberto Boccioni, Dinamismo de un ciclista, 1913, Museo Guggenheim de Venecia. El futurismo es el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 20 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París. Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido de una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras, con su radiador adornado de gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales que la historia del arte consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica. Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir un nuevo orden en el mundo. 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas. El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, se reconoce y se define en 1909 a través del Manifiesto futurista, que publica el poeta Filippo Tommaso Marinetti. Se busca el escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de identidad del mundo moderno y pretende romper con el pasado. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Condenan a los museos, a los que considera como cementerios. Pretenden, y valoran, la originalidad por encima de todo. Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la representación del movimiento y la velocidad, para ello representan los objetos sucesivamente, pintándolos en varias posiciones, o emborronándolos, un código que se ha popularizado en los cómic y los dibujos animados. El futurismo llegará a la abstracción a través del rayonismo. Deuda con el cubismo, expuesto ya en el apartado de Historia. 3 Los futuristas italianos Umberto Boccioni (1882-1916) que es, además, el teórico del movimiento. Intenta representar los estados anímicos y el movimiento. Estados del alma: los que se van. Carlo Carrá (1881-1966) quedará fascinado por la tecnología y los espectáculos nocturnos. Entre sus obras destacan: Penélope, Ídolo hermafrodita,Lo que me dijo el tranvía. Luigi Russolo (1885-1947) fue el que más se acercó a la abstracción. Entre sus obras destacan: Perfume, La música, Recuerdos de una noche. Giacomo Balla (1871-1957) es el más fiel representante del futurismo. Investigó los problemas de la luz y el color. Los ritmos del arco, Dinamismo de un perro con correa, Niña corriendo en un balcón, Vuelo de golondrinas, Lámpara eléctrica. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado (el llamado pasadismo), y por considerar que los museos, en especial en Italia, eran sitios equivalentes a los cementerios, donde la tradición artística común lo impregnaba todo. Según Marinetti, había que hacer tabla rasa del pasado y crear un arte nuevo, desde cero, acorde con la mentalidad moderna y las nuevas realidades, tomando como modelo a las máquinas y sus virtudes: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento, la deshumanización. El futurismo fue un movimiento fundamentalmente italiano y de carácter literario (Marinetti), aunque tuvo expresiones importantes en la plástica (el pintor argentino Emilio Pettoruti y los pintores italianos Gino Severini, Carlo Carrà, Giacomo Balla o el escultor Umberto Boccioni). También tuvo adherencias en otras manifestaciones artísticas, en arquitectura (Antonio Sant'Elia) y en la música (el ruidismo del compositor Luigi Russolo, antecedente directo de la llamada música concreta). La importancia que tuvo el futurismo, más allá de sus méritos artísticos, consistió en crear una estética desde cero, con lo que se hizo posible una profunda renovación de las técnicas y principios artísticos, cuyas repercusiones aún se sienten.
El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa. Muchas veces escuchamos este término y lo primero en lo que pensamos es en la cara de Marilyn Monroe pintada por Andy Warhol. Pero el Pop Art es mucho más que eso. Es un movimiento cultural, no sólo artístico, que surgió en los años 60 y tiene mucho que ver con el estado de una época. Como adjetivo de arte, Pop establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de la sociedad. Los términos de los valores "hermoso, bueno, auténtico", se convierten en palabras huecas ante la creciente comercialización dentro de la realidad social. Es decir que el espíritu consumista se instala para quedarse y esto se refleja en las artes. El Pop Art es una manifestación absolutamente occidental que nace en New York y Londres y posteriormente conquista Europa, aunque los países del bloque comunista apenas acceden a él. El término Pop surge de la Expresión inglesa "popular" que se refiere a todo lo que tiene aceptación general. Los temas pictóricos del Pop Art están motivados por la vida diaria; reflejan las realidades de una época en la que se define un sistema de vida que tiene como característica la masificación en todos los sentidos. El Pop equipara el arte para todo el mundo; con él desaparece la idea de un tipo de arte elitista. La propaganda también tiene su lugar en este movimiento que plasma en sus obras las expresiones cotidianas como tomar Coca Cola o leer cómics, coleccionar baratijas, comer hamburguesas, y todo lo que hace la vida de todos los días. La conducta provocativa, la conmoción y la alteración de lo cotidiano, la ruptura de los tabúes y el final de la mojigatería forman parte de esta contracultura. Este proceso puso en marcha la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó el tradicional reparto de papeles; la educación antiautoritaria, las nuevas estructuras profesionales, la emancipación de la mujer y la liberación sexual, se desarrollaron a partir de esta "revolución cultural". La revalorización de lo trivial se efectuó a muchos niveles. Los medios de masas favorecieron la internalización de los estilos y formas de expresión, así como la accesibilidad global de todas las marcas y todas las artes. En el lenguaje coloquial americano se generalizó una fórmula para cualquier situación: "That´s a fact" que quiere decir algo así como "así son las cosas". No importa como se valore esta situación, un hecho resulta evidente: el Pop Art tiene una nueva actualidad en la recepción del arte, casi un renacimiento, y en las culturas más generalizadas están escalando el Neo Pop, la industria de las baratijas Pop, la publicidad Pop y los slogan cotidianos ligados a ella. Con razón, pues, algunos críticos han considerado al pop art, que no por casualidad alcanzó, primero en Inglaterra, pero sobre todo en Estados Unidos como la super estructura artística que corresponde a las sociedades más desarrolladas del capitalismo tardío. El pop recupera así la tradición del arte figurativo, que había sido arrinconada por el triunfo de la abstracción pero su pretensión de enlazar con algunos aspectos del surrealismo, sus famosos objetos inútiles, o los "ready-made" de Marcel Duchamp, por ejemplo, substraen un hecho esencial: la voluntad y el carácter crítico y subversivo de los surrealistas que es sustituido ahora por una actitud neutral, objetiva, cuando no directamente apologética. En cuanto a su lenguaje específico el pop art se caracteriza por la apropiación sin rubor de las técnicas expresivas orientadas a la divulgación y el consumo, ya validadas por vehículos de comunicación de masas. Esta peculiar singularidad linguística del pop tiende a eliminar al máximo la expresividad subjetiva del autor y a fomentar una especie de objetividad intrínseca y despersonalización de la obra. Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad (Marilyn Monroe o Jackie Kennedy por Andy Warhol). En los sesenta, otros artistas norteamericanos, como Andy Warhol (1928--1987), Roy Lichtenstein (1923 -- 1998) y Claes Oldenburg (nacido en 1929), empezaron a inspirarse en los aspectos de "arte menor" de la vida contemporánea: publicidad, embalaje, cómics y televisión. No es extraño que el pop empezara a manifestarse en el diseño de objetos de uso cotidiano, ya que los diseñadores buscaban un planteamiento con una base juvenil y menos serio que el buen diseño de los cincuenta. Durante los años cincuenta dominó la estilización de los productos (en nombre de obsolescencia integrada para fomentar una mayor producción), lo cual proporcionó un término muy fértil a la actitud "úselo hoy, tírelo mañana" que impregnó la producción industrial de los años sesenta. La silla infantil BLOW de pvc de De Pas, D'Urbino Lomazzi, eran básicamente desechables y encarnaban la extendida cultura de efímero. También lo hacían los cachivaches de corta vida, como los vestidos de papel, elogiados por su novedad en los numerosos suplementos a color y revistas de papel satinado que cada vez dependían más de la publicación de dichos artículos. Muchos artistas que usaban el lenguaje pop elegían el plástico como material de trabajo. En los años sesenta, las nuevas formas de plástico y de procesos de ajuste, como las molduras por inyección, eran cada vez más habituales y relativamente baratas. Los chillones colores de arco iris y las atrevidas formas asociadas al diseño pop barrieron los últimos vestigios de la austeridad de la posguerra y reflejaron el extendido optimismo de los sesenta, alentando por una prosperidad económica y una liberación sexual sin precedentes. Dado que el diseño pop iba dirigido a un mercado joven, los productos debían ser baratos y, a menudo, de poca calidad. No obstante, su prescindibilidad formaba parte de su atractivo, puesto que presentaban la antitesis de la "intemporabilidad" de los clásicos modernos fomentados en los años cincuenta. El diseño pop con sus asociaciones al antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado dl movimiento moderno "menos es mas" y condujo directamente al diseño radical de los setenta. Con todo, la crisis del petróleo de comienzo de los setenta obligó a un enfoque más radical y el diseño pop fue sustituido por el Craft revival, por una parte y por el High Tech, por otra. El diseño pop tuvo una influencia de gran alcance y sentó uno de los cimientos del posmodernismo, puesto que cuestionó los preceptos del buen diseño y, con ello, el movimiento moderno. Hubo un estilo que mantuvo su lugar inmediatamente después del expresionismo abstracto y que, a pesar de deber algo al ejemplo de éste, tenía profundas raíces en el arte europeo de las décadas del veinte y del treinta. Por "hard-edge" quiero significar el tipo de pintura abstracta donde las formas tienen límites netos, definidos, en lugar de los borrosos, favoritos, por ejemplo, de Mark Rothko. Durante la década del treinta, cuando ya estaba viviendo en Norteamérica, Albers tomó parte en las exhibiciones anuales montadas en París por el grupo Abstracción-Creación. También se denomina con el nombre de racionalismo (especialmente en Europa meridional), mientras que el funcionalismo se aplicó a la arquitectura preocupada por el diseño de edificios con criterios estrictamente funcionales, prácticos más que estéticos. Esta preocupación contrasta enormemente con el decidido apoyo a la tecnología proclamado por otros arquitectos de la época, en especial por algunos seguidores del Art Nouveau, como el belga Víctor Horta. El camino hacia el empleo arquitectónico de los nuevos materiales industriales en detrimento de los tradicionales, lo abrieron a comienzos del siglo XX figuras como los hermanos Auguste Perret en Francia, con sus experimentaciones con hormigón armado, y Louis Sullivan como integrante de la Escuela de Chicago. La influencia de De Stijl se extendió más allá de Holanda, infiltrándose con fuerza a comienzos de la década de 1920 en la Bauhaus de Weimar en Alemania. Sin embargo, los principios del movimiento moderno continúan siendo la referencia fundamental, crítica o adepta, de la arquitectura contemporánea. El Centro Pompidou de París proyectado en el año 70 constituyó un hito en la arquitectura moderna inaugurando un lenguaje high- tech que habría de continuarse en el todavía hoy polémico Lloyd's. Lo central de la actitud High Tech no consiste en la incorporación de la moderna tecnología a lo edificios, sino en transformar la exhibición de la parafernalia tecnológica en la expresión misma del edificio. Ofrece una amplia variedad de opciones que se ajustan a las exigencias físicas y del entorno laboral de cualquier persona. En efecto, el segmento está muy relacionado con la capacidad industrial y desarrollo de materiales nuevos, como pueden ser el hallazgo de un plástico de alta resistencia o la producción de un policarbonato, que no cualquiera puede lograr, y que aplicado en mobiliario hace el elemento Higt Tech. Esto significa de paso que no estamos hablando de un estilo apuntando a las formas sino más bien a un producto final reflejo de su proceso específico. Este estilo y tipo de producción mucho más aplicado y notorio en países de reconocido desarrollo como Alemania, Japón o Estados Unidos, no resulta tan contemporáneo en nuestro continente, porque sencillamente las técnicas, capacidades y alcances de nuestros procesos industriales no alcanzan los niveles de exigencia que si logran los primeros. "Para un alemán el Higt Tech es contemporáneo, para un sudamericano es simplemente Higt Tech". Los orígenes del craft revival se remontan a mediados el siglo XIX con la reivindicación de la conservación y la recuperación de la artesanía tradicional tras la industrialización sin precedentes de Gran Bretaña (art & craft). Desde a mediados del siglo XX, cuando los procesos de fabricación ofrecían mayores posibilidades, el diseño y la producción fueron distanciándose cada vez más y las técnicas artesanales terminaron deteriorándose. Para invertir esta tendencia John Makepeace y Wendell Castle, dos de las figuras más importantes del craft revival actual han y conservado las técnicas artesanales para trabajar la madera a través de su obra como diseñadores y sus escuelas de artesanía. Durante los años ochenta, el craft revival se abrió paso estilísticamente con el posmodernismo, y algunos diseñadores como Fred Baier (nacido en 1949) combinaron el virtualismo técnico con formas extravagantes para crear objetos completamente opuestos al "mobiliario para buenos ciudadanos" defendido por Morris y Ruskin. El posmodernismo surge a la emergencia del diseño pop y antidiseño. Durante la década del sesenta, se discutía el estado de todos los ámbitos de vida, incluso del diseño moderno. La modernidad se vio realmente cuestionada por primera vez en el libro de Jane Jacobs "muerte y vida de las grandes ciudades" (1961), centrado en el fin de la cohesión social de la construcción y el urbanismo utópico del movimiento moderno habían provocado en as urbes, y en el de Robert Venturi, complejidad y contradicción en la arquitectura (1966), que argumentaba que la arquitectura carecía de sentido ya que no poseía la complejidad e ironía que enriquecía los edificios históricos. En 1972, Ventura, Denise Scott Brown y Steven Izenour publicaron la obra seminal Aprendiendo de las vegas, que elogiaba la honradez cultural del comercialismo de los rótulos y edificios de es ciudad del desierto. Ese mismo año, la traducción al ingles del libro de Roland Barthes Mitologías (1957) dio paso a la diseminación de sus teorías sobre semiótica (el estudio de los signos y símbolos como instrumentos de comunicación cultural). Se creía que si los edificios y objetos estaban imbuidos de simbolismo, y sus espectadores y sus usuarios podrían relacionarlos psicológicamente. Tiempo después, la recesión económica de los años noventa motivo a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y mas racionales; de este modo, las atrevidas manifestaciones del antidiseño de los ochenta fueron sustituidas por la silenciosa pureza del minimalismo. Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión del movimiento moderno a la abstracción geométrica que negaba el ornamento y por tanto el simbolismo, deshumanizaba y a la larga alienaba el diseño y la arquitectura. Muchos diseñadores en este movimiento buscaban inspiración en los productos KISCH de los años cincuenta, lo que hizo surgir multitud de productos del diseño retro, como radios de colores papel y muebles asimétricos con patas largas y estrechas. Está en contra de los preceptos racionales que defendía el movimiento moderno. Radicalmente critico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en la sociedad, el movimiento antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus provocadoras superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite. Italia es reconocida por la calidad tecnológica y formal de los diseños, hay que destacar una figura clave en este desarrollo, como lo es Ettore Sottsass, que junto a su labor de diseño en el campo de alta tecnología en empresas como Olivetti, inicia un movimiento alternativo que rompe con el papel de diseño en la industria y cuestiona el uso de los objetos al proponer: Una filosofía de diseño más ambiental y humanista, que incluía como elemento esencial la idea del gusto popular. Así surge el llamado diseño radical, anti-diseño o contra diseño, que recibe influencias del Art pop de los años 60 y de algunos elementos de culturas primitivas. Los objetos se expresan como símbolos visuales y los diseñadores desarrollan su trabajo sin la ayuda de la industria, volviendo los ojos nuevamente al estilo y concepción artesanal. ... al rechazar el proceso industrial, los productos del posmodernismo serian invariablemente "asuntos de una elite" y que, como tal, presentaban el triunfo del capitalismo sobre la ideología social, base del movimiento moderno. El carácter ecléctico del posmodernismo no solo refleja el dominio del individualismo sino también la mayor fragmentación de la sociedad durante los años ochenta. El Boom de la década, impulsado por los créditos, permitió que floreciera el antirracionalismo del posmodernismo. A finales de los ochenta el estilo se había diversificado más aun y engloba él descontructivismo y postindustrialismo. Sin embargo, la recepción de principio de los noventa motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales. EL atractivo del posmodernismo empezó a desvanecerse. Las atractivas manifestaciones del antidiseño de los ochenta han sido sustituidas por el silencioso minimalismo de los noventa, pero la influencia del posmodernismo sigue viva, ya que al cuestionar el movimiento moderno ha causado una importante e ininterrumpida revalorización de lo esencial en el diseño. Fundado en 1966 en Firenze (Italia) por cuatro arquitectos y dos diseñadores que fueron influenciados por las visiones utopicas del grupo arquitectonico archigram. Se dedicaron a diseñar exposiciones, trabajos arquitectonicos y diseño de objetos. Sus proyectos y numerosos ensayos reflejaron una nueva búsqueda, basándose en un acercamiento a lo flexible y tecnológicamente influenciado en el diseño urbano. ARCHIZOOM Grupo de diseño y arquitectura fundado en 1966 en Florencia por Andrea Branzi, Paul Deganello, Morozzi Máximo y Gilberto Coretti. Agrupe que funciona entre los años sesenta y setenta de período completo del cuestionamiento ideológico, transforma la tecnología en "fantatecnologia" para ponerlo al servicio del diseño radical. Hippy barbudo la ropa sólo sus calzoncillos surgen de lo que aparece ser un arcón subterráneo concreto. Él es seguido de un hombre peludo en pantalones de trabajo, una mujer topless con el pelo largo, y el otro, y el otro, como payasos de un Volkswagen. Una voz superpuesta nos informa que esta gente olvida " una casa indescriptiblemente grande ... con todas las comodidades posibles, y con todos los pedazos de muebles modernos sobre el mercado ... construido después de todos los estilos antiguos y modernos, formando un todo homogéneo y agradable. La película, la Ceremonia, es una de cinco películas (juntos llamó Actos Fundamentales) que el colectivo de arquitectura italiano de vanguardia el Superestudio planificado a principios de los años 1970 para comunicar su visión radical de un mundo ideal: un desprovisto de arquitectura. Esta visión es hecha la crónica en el Superestudio: Vida Sin Objetos, una exposición retrospectiva ambiciosa del trabajo conceptual de la firma a partir de 1966 hasta 1978 actualmente extendido a través de varias galerías de Nueva York. " [El superestudio] vio que los arquitectos tienen que estar implicados en una clase diferente de pensar cual su profesión es, " dice Guillermo Menking, profesor en el Instituto de Pratt y el co-conservador del objeto expuesto con el arquitecto Peter Lang. ¿" Más bien que solamente (justo) crear objetos lujosos, o introducir a la gente en el mundo de objetos de consumidor, ellos deberían estar preocupados sobre tales publicaciones (cuestiones) políticas como, ' Qué es la arquitectura? Dècada de los 80's «La aldea global» l Se comenzó a utilizar este término cuando la nueva tecnología hizo posible la comunicación virtual inmediata con cualquier parte el mundo. Aunque no fue el único que intervino, su versión del racionalismo y posteriormente del funcionalismo, se han convertido en modelos para el resto de los profesionales de su siglo.
Es el retorno de las im ágenes figurativas en las sociedades m ás desarrolladas del capitalismo tard ío, como las del mundo anglosajón (Inglaterra y Estados Unidos), emergió más vinculado a la moderna cultura de masas, a la cultura de los mass media, que al concepto de tradición pictórica o estilística, en este caso, la informalista. Estados Unidos, fue el primer movimiento en redescubrir el universo cotidiano en los aspectos m ás banales de la moderna sociedad industrial y de consumo. Este redescubrimiento del entorno vital, que trajo consigo la implantación de un a nueva tem ática, hasta entonces ajena al arte (publicidad, ilustraciones, revistas, cómics, ropas, artículos de consumo, estaciones de servicio, alimentos), no fue privilegio exclusivo de las artes. Lucy Lippard sostiene que para que se produjera este proceso fue necesaria una reflexión desde la filosofía y desde ciertas áreas del pensamiento. Así, por ejemplo, en la obra de filósofos como Husserl, en la que se desarrolla su concepto de "mundo vital",Heidegger, que expresa su teor ía del universo cotidiano en su libro El ser y el tiempo (1927), y Witthenstein con su proposición del arte como forma de vida, o en la de literatos como Timbaud o James Joyce (Ulisses), ya se aprecia una vuelta hacia lo cotidiano que, aunque no ejerció una influencia inmediata sobre la nueva generación de artistas pop, s í en cambio ayudó a expresar un nuevo estado de cosas que propició la eclosión de una obra de arte orientada hacia el mundo vital. Aunque cronológicamente el pop ingl és antecedente al americano, es en Estados Unidos donde hay que buscar la esencia del pop -art. El a ño 1962 fue sin duda el a ño de su consagración. El crítico de Art News, Swenson, escribió el primer artículo favorable a estos pintores, a los que denominaban pintores de ense ñas. Casi al mismo tiempo, importantes revistas, como Time, Life o News Week, dedicaron algunos ensayos al nuevo esc ándalo artístico. Además, aunque hay que decir que el pop -art fue reconocido antes por el gran público y las revistas de amplia tirada que por los críticos especialistas o los museos de arte contemporáneo, algunas de las principales galer ías neoyorquinas -Green y Leo Castelli empezaron a apostar por la nueva generación de artistas que lo representaban: Wesselmann, Oldenburg, Segal y Warhol, entre otros. Lucy Lippard sostiene que a pesar de que los artistas pop se inscriben en la larga trayectoria realista de la pintura americana de principios de siglo -desde el Ash Can School a los Pintores de la Escena Americana, pasando por la figura paradigm ática de Edw ard Hopper-, sería un error atribuir la aparici ón del pop -art a influencias hist óricas. Según Lippard, habr ía que buscar la fuerza del movimiento en un impulso del momento. Sobre lo que no hay ninguna discusión es en que fue decisiva la presencia en Nueva York de Marcel Duchamp y otros representantes de la corriente dada ísta en la consolidaci ón del pop americano. Una exposición celebrada en 1961, "The art of assemblage", con Dine, Johns, Kienholz y Rauschenberg, confirmaría que el arte pop americano, al menos el de sus precursores, fue un retorno al dadaísmo y, por tanto, una nueva forma de arte neodadá. Ese resurgimiento del espíritu dada también se dio en otros ámbitos de la cultura, como el musical, con la figura pionera de John Cage, cuyo pensamiento, derivado de dad á y del budismo zen, contribuyó mucho a formar la sensibilidad de jóvenes pintores y compositores, a hacerles interesarse por la vida que les rodeaba, por la vida de cada día. Los propios artistas no siempre se ponían de acuerdo en la relación pop-dada. Así, mientras Tauschenberg, por ejemplo, decía de la Rueda de bicicleta de Duchamp que se trata de una de las esculturas más bellas que ha visto, Dine o Wesselmann afirmaban su apartamiento del dada. En realidad, la mayoría de artistas pop-art nunca renegaron del arte como lo hizo el movimiento dadá, ni tenían nada que ver con el nihilismo dadaísta. Al contrario que sus contempor áneos, Léger aisló el objeto, lo trató como un elemento activo al margen de toda atmósfera, lo acercó a la imagen publicitaria e incluso a la cinematográfica, en la que se valió de los primeros planos. Lichtenstein es uno de los artistas que más cerca está de este objeto promovido al rango de "absoluto figurativo" implícito en la obra de Léger. La relación directa entre la temática pop y la sociedad en la que se origina sería en último término lo que explicaría la gran diferencia entre el pop anglosaj ón, el europeo continent al y el norteamericano, viva expresi ón este último del modo de vida americano, el denominado American way of life. La utilización de la pintura acrílica, derivada de los colores planos del cartel, el cultivo de la bidimensionalidad, el recuso del dibujo n ítido y la utilizaci ón del gran formato son otras tantas características del pop -art americano, a las que tendr íamos que a ñadir la de despersonalización, aspecto en el que el pop ha manifestado un mayor distanciamiento y rechazo con respecto a los planteamientos del expresionismo abstracto y del surrealismo. El pop-art rechaza las convenciones estilísticas y temáticas de la tradición aristocrática del arte, al tiempo que desprecia la cultura de museo, el arte institucionalizado, el arte de los grandes maestros. Los pioneros del pop: Rauschenberg y Johns. El distanciamiento del subjetivismo expresionista por parte de dos artistas, Robert Rauschenberg y Jasper Johns, as í como el descubrimiento de un nuevo universo cotidiano y las referencias constantes al objeto, abrieron una nueva vía artística denominada New-Dada que desembocaría en el pop-art. Una obra de 1955 de Rauschenberg, Bed (consistente en ropa de cama salpicada de pintura, montada y colgada en la pared), fue la carta de presentaci ón de este nuevo tipo de arte basado en la utilización de la imagen popular y el objeto vulgar. Además, para Rauschenberg esta obra signific ó la creación de una nue va modalidad de soporte, la pintura combinada combine painting-, en la que usa la pintura para integrar objetos reales. Las pinturas resultantes anticipaban la nueva iconografía pop, pero sin renunciar a un planteamiento pictórico de factura personal, que además ofrecía unas calidades algo sugerentes por su refinamiento y sensibilidad. Uno de los artistas m ás genuinamente pop es Roy Lichtenstein (1923) donde los primeros trabajos se inspiran directamente en el mundo publicitario, para proyectarse despu és en historietas de cómics. El espacio, el movimiento y el tiempo se convierten en protagonistas de la nueva obra, que por vez primera deja de considerarse soporte de una idea para serlo de una acci ón. Una gran diversidad de temas y situaciones, extraídas en su mayoría de la vida cotidiana, invaden sus espejos y acaban creando nuevos ambientes en un juego ambiguo de ficción y realidad. Por su lado, PETER STÄMPFLI (1937) aporta al pop una nueva interpretación de las imágenes extraídas del mundo de la publicidad. De modo parecido a Wesselmann, St ämpfli hace de cada obra una prolongación de la realidad, que congela gracias al medio fotográfico. Stämpfli juega a descontextualizar elementos de la realidad y a presentarlos de forma abstracta, al margen de toda an écdota. Sus macrovisiones de cigarrillos, ruedas de coches o bocas femeninas, aluden en último término a situaciones simbólicas, más allá de la banalidad que les sirve de soporte. El arte pop alemán tiene una buena representación en las figuras de PETER KLASEN (1935) y de WINFRED GAUL (1928). Klasen se distingue por la claridad en la comp osición y por la incorporación de objetos en la tela pintada, en la que invariablemente son protagonistas los desnudos femeninos, que dejan entrever un erotismo a la vez agresivo y sutil; todo ello servido por un cromatismo reducido a lo esencial, generalm ente una confrontaci ón rojonegro. En Francia es dif ícil encontrar representantes ortodoxos del pop. La irrupci ón del nuevo realismo aglutinó experiencias paralelas al fenómeno pop. Si Martial Raysse o Alain Jacquet pueden considerarse figuras a caballo entre el nuevo realismo y el pop, BERNARD RANCILLAC y HERVÉ TÉLÉMAQUE, el primero con sus pinturas de bandas dibujadas que incluyen imágenes fotográficas, y el segundo con sus grandes cuadros que incorporan objetos, aportan un realismo decididamente pop. En España, el arraigo de las maneras informalistas y neofigurativos dificultó la difusión de la estética pop. Además, la realidad sociopolítica y cultural de la época no era la más adecuada para dar cabida a un tipo de arte tan ligado al mundo de los mass media y la sociedad de consumo. Por otro lada, las t écnicas basadas en la objetividad y la despersonalizaci ón, propias del pop, encontraron escaso eco entre una clase artística valorada de la subjetividad y de lo irracional y emocional. Los artistas pop espa ñoles empezaron utilizando con timidez un "realismo del objeto" que, comparado con el realismo americano, resultaba "poco efusivo, ecl soluciones elegantes". Han sido dos artistas que han trabajado mucho tiempo fuera de España, CARLOS SANSEGUNDO (1930) y ANOTIO XIMENES (1934) -este último residente en Italia -, los que han practicado un pop m ás ortodoxo. La mayor ía han tratado de sintetizar soluciones neofigurativas e incluso informalista con las maneras del pop, tal como se pone de manifiesto en RICARDO L. SANTAMAR ÍA, y ARMAND CARDONA TORRANDELL. Por su parte, ANZO, ÁNGEL ORCAJO, EDUARDO ÚRCULO, ALFREDO ALCA ÍN Y EDUARDO ARROYO resumen las más genuinas aportaciones del arte espa ñol al fen ómeno del pop internacional. Caso aparte es la actividad de ciertos grupos de trabajo, como el Equipo Crónica o el Equipo Realidad, cuya producción supera la estricta ortodoxia pop y se inscribe en un concepto más global de realismo. Todo esto nos va dar paso al Nuevo Realismo que la contrapartida europea al pop americano o tambi én llamada nouveau réalisme. Considerando el pop como la respuesta anglosajona al expresionismo abstracto, el nuevo realismo, que se genera en Par ís bajo el liderazgo del cr ítico Pierre Restany, es la alternativa europea ante el práctica informalista. El Pop Art es un movimiento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, óleo, pintura pl ástica.....con materiales de desecho: fotograf ías, trapos viejos, collages, assembla ges...etc. Este movimiento ir ónico de pintura, surge en 1960 en Norteamérica. El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnol ógicas de la sociedad industrial. Norteam érica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa. El Pop nace en dos ciudades: New York y Londres. Los temas pict óricos del " Pop Art" están motivados por la vida cotidiana, reflejan la s realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. Fue rápidamente aceptado por el público por sus estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gr áfica y la moda. De Jasper Johns son mundialmente conocidas sus pinturas de banderas, con la bandera americana como elemento formal que repite una y otra vez. Pero si nos referimos al Por Art americano, sin duda la figura que más éxito obtuvo fue Andy Warhol. Artista exc éntrico, algo neur ótico, y siempre relacionada con el mundo de los excesos, Warhol supo hacer del Pop Art su gran aliado. El representa esa figura del artista socialmente aceptado, considerado una estrella del arte, artista de éxito. En sus inicios Warhol trabajó como diseñador gráfico y también como diseñador de escaparates para tiendas importantes de Nueva York. A princip ios de los 60 cre ó un estudio, "The Factory", que se convirtió en el centro de operaciones de Warhol, donde trabajaba con gran número de colaboradores. La Factoría también fue el centro de realización de proyectos financiados por Warhol, relacionados con la cultura underground de aquellos momentos; cine, música y hasta una revista "La Interviú", donde publicaba sus ideas. Utilizó la técnica de la serigrafía sobre la que luego pintaba, no solo como base sino como elemento fundamental, la utilizaci ón de un me dio de reproducci ón masiva de obras que le permitía la repetici ón infinita.Warhol trabaja con la idea de serie y el uso de la imagen repetida. Su relación con el cine no solo se basa en las imágenes que repite si cesar, sino que también realizará films como: "Sleep" que consiste en grabar durante 6 horas de imagen fija a un hombre durmiendo, y " Empire" grabar del mismo modo en imagen fija al Empire State durante 8 horas. En 1987 fallece Andy Warhol, hombre de apariencia fría pero con un volcán en su mente, que encumbró a este arte de los suburbios. Con el Pop llegó el cambio de mentalidad del artista, a partir de este momento asumen en su trabajo la fama y el éxito, ya no ser án almas en talleres creando una obra para su propio disfrute, y aspirar án al recono cimiento social. El artista se convierte en un cronista del mundo contemporáneo, un fiel reflejo de las miserias y las alegrías del mundo.
De un cilindro hago una botella, decía el pintor español Juan Gris, quien, junto con otro compatriota, Pablo Picasso y un francés Georges Braque fue uno de los exponentes más destacados del cubismo, movimiento artístico del primer cuarto del siglo XX que, con su descomposición de la figura y su renuncia a la perspectiva tradicional, revolucionó el mundo de la pintura. El nombre de cubismo fue acuñado por primera vez por el crítico de arte francés Vauxcelles al referirse a los paisajes de Braque expuestos en la galería parisiense Kahnweiler en 1908. Los creadores que iniciaron las experimentaciones cubistas fueron Picasso y Braque. Simultáneamente Braque había realizado una serie de paisajes denominados l`Estaque caracterizados por la escasez de colorido y un volumen facetado, a base de planos inclinados, que se presentaron en Paris en la exposición que dio origen al nombre de cubismo. El estilo cubista reclamó una pintura plana bidimensional, opuesta a las técnicas tradicionales de la perspectiva y el claroscuro. Quizá por esto aunque inicialmente los pintores cubistas tomaron como modelos a los temas de la naturaleza y representaron rostros y figuras humanas, pronto centraron su temática en la naturaleza muerta. Éstas eran composiciones formadas con objetos usuales, agrupados casi siempre sobre una mesa que carecían de profundidad, y en los que todos los elementos ocupaban el primer plano gracias a una descomposición en facetas. Desde los primeros años se estableció una estrecha relación entre Picasso y Braque que permitió pasar al cubismo de una fase de experimentación a otra más madura, entre los años 1910 y 1912. Los lienzos de esta época se caracterizaron por el análisis de la realidad y la descomposición en planos de los distintos volúmenes de un objeto para que la mente captase su totalidad. En una primera etapa de la fase analítica todas estas formas aparecieron generalmente compactas y densas para irse haciendo cada vez más amplias y fluidas hasta difuminarse en los bordes del lienzo. En este estilo cubista, Braque que realizó sus famosos papiers collés y Picasso obras como "el jugador de cartas" o "naturaleza muerte verde". Reivindica la autonomía total y absoluta de la obra de arte y el escritor pretende captar la simultaneidad de la realidad.