Fundamentos de Historia del arte

Fundamentos de Historia del arte

El Futurismo fue el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 24 de febrero de 1909, en el diario Le Fígaro de París. El Futurismo surgió en (Milán) Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica. Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo. El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Humberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto del futurismo. El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini. En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que ofrecen tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos, como en Carpintero serrando o Joven meciéndose. En 1914 se presentaron también los primeros dibujos sobre una ciudad moderna de Antonio Sant'Elia y Mario Chiattone. Sant'Elia presentó ese mismo año su Manifiesto de la arquitectura futurista, un proyecto utópico que cristalizó en las imágenes de la Ciudad Nueva: la nueva medida ya no era el edificio, sino la estructura urbana, y apostaba, además, por las nuevas tipologías, como estaciones de trenes y aeroplanos, centrales eléctricas, casas escalonadas con ascensores... Se trataba de un nuevo mundo vertical y mecánico, conectado a través de redes de ascensores de hierro y cristal. Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1914, su influencia se aprecia en las obras de autores canónicos como Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el definitivo constructivismo ruso. En 1915 algunos de los representantes del futurismo, como Marinetti y Sant'Elia, se enrolaron en un batallón de voluntarios, de acuerdo con el punto nueve de su decálogo fundacional, donde se ensalzaba la guerra como la única higiene del mundo. Algunos de ellos murieron, como Sant'Elia, y los demás radicalizaron sus posiciones, como la conocida conversión al fascismo en las elecciones de 1919. Estética Marinetti concibió esta nueva estética, inspirado en la Patafísica de Alfred Jarry, en Remy de Gourmont y en procedimientos estilísticos, que este movimiento literario, no asumió, respecto de ninguna tradición formal, ni cultural previa. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado (el llamado Pasadismo), y por considerar que los museos, en especial en Italia, eran sitios equivalentes a los cementerios, donde la tradición artística común, lo impregnaba todo. Según Marinetti había que hacer tabla rasa del pasado y crear un arte nuevo, desde cero, acorde con la mentalidad moderna y las nuevas realidades, tomando como modelo a las máquinas y sus virtudes: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento, la deshumanización. En literatura, el Futurismo, abjura completamente del pasado y alienta a no respetar la métrica. Asimismo, intenta sustituir los nexos por notaciones algebraicas y buscar un léxico radicalmente hecho de tecnicismos y barbarismos, plagado de infinitivos, exclamaciones e interjecciones que denotan energía y libertad. El llamado teatro sintético del Futurismo es el espacio en el cual las acciones ocurren a una velocidad vertiginosa, con tramas de no más de diez minutos, y donde se ocultan las presencias humanas, y sólo se ven los pies de los actores, cuyas figuras se adivinan por metonimia. La estética futurista pregona una ética, de raíz fundamentalmente machista, misógina y provocadora. Entre sus postulados se dignifica la guerra como una fórmula para el saneamiento de un mundo anacrónico y decrépito y proscribe la argumentación sentimental o anecdótica. Con el correr de los años Marinetti fue politizando el movimiento hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó en 1919. El Futurismo fue un movimiento fundamentalmente italiano y de carácter literario (Marinetti), aunque tuvo expresiones importantes en la plástica (el pintor argentino Emilio Pettoruti y los pintores italianos Gino Severini, Carlo Carrà, Giacomo Balla o el escultor Umberto Boccioni). También tuvo adherencias en otras manifestaciones artísticas, en arquitectura (Antonio Sant'Elia) y en la música (el ruidismo del compositor Luigi Russolo, antecedente directo de la llamada música concreta). El Futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini. En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que ofrecen tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos, como en Carpintero serrando o Joven meciéndose. Los futuristas italianos publicaron 5 manifiestos políticos, el primero de ellos de Marinetti, de carácter fascista. El programa político futurista publicado en 1913 en la revista La Cherva glorificaba a la guerra como la "única higiene del mundo". Apoyaron la política colonial italiana en el norte de África y participaron en las manifestaciones que pedían la participación de Italia en la Primera Guerra Mundial. En estas manifestaciones conocieron y se incorporaron a las filas fascistas de Mussolini. El futurismo mantuvo posiciones patrióticas y reaccionarias, incluso pre-fascistas. Para Marinetti la revolución política y la nueva estética revolucionaria tenían que ir necesariamente unidas. Pensaba además que la sociedad industrial tenia la primera oportunidad de aprovechar la energía del creador; el futurismo italiano, en su exaltación de la maquina, coincidió con las posiciones capitalistas. La vanguardia italiana presenta dos variantes absolutamente contrarias, el futurismo violento y la pintura metafísica. PINTURA METAFISICA ITALIANA (1910-1919) Impulsada en un primer momento por Giorgio de Chirico, cuyos planteamientos fueron asimilados por otros pintores, como Morandi. o GIORGIO CHIRICO Chirico nació en Grecia pero sus padres eran italianos. Este hecho condicionó mucho su obra ya que su visión de Italia no es la de la persona que vive allí sino es de una persona que extraña y añora su país de origen. En 1905, con 17 años, muere repentinamente su padre, lo que marcó profundamente al pintor hasta el punto que parte de la iconografía de su obra se suele explicar por esa referencia a la figura de su padre. Su madre decide regresar, pero no a Italia, sino a Munich, para facilitar la formación de Chirico y de su hermano. En su momento de formación se acercó a la obra de Nietzsche, sobre todo en la etapa italiana del filósofo, por lo que de nuevo se acerca a Italia, pero no de manera directa. En 1910 su madre decide trasladarse a Paris para favorecer la formación de sus dos hijos. Antes, hacen un viaje por distintas ciudades italianas, mediante el que Chirico entra en contacto con la realidad italiana del momento, teniendo una serie de experiencias a las que el mismo dotó de una gran importancia. El término de pintura metafísica no alude a un sistema filosófico determinado sino que hay que entenderlo en un sentido literal, ya que alude a que hay algo más. Después de este viaje por Italia se establece en Paris, donde realiza sus obras más conocidas, que no fueron aceptadas al estar en pleno auge el cubismo. "El enigma de la hora" Recupera la forma, algo perdido por las vanguardias. Todas sus obras tienen un carácter ambiguo que evitan que sea un cuadro naturalista. Representa a simple vista una escena tradicionalista, con arcos de medio punto, etc. La presencia del reloj es muy frecuente en la obra de Chirico, y casi siempre marca el mediodía, sin embargo, la luz de sus cuadros responde a la luz dorada de la que habla Nietzsche en sus obras desde Italia. La presencia humana es muy escasa, y cuando aparece lo hace en una escala diminuta frente al tamaño arquitectónico, lo que refleja la obsesión por el paso de la vida humana frente al carácter perdurable de la arquitectura. En este cuadro aparecen dos figuras muy poco definidas. Esta presencia de la ausencia humana también se suele poner en relación con la perdida de la figura paterna. Chirico está muy influenciado también por Schopenhauer, que habla de las revelaciones imprevistas y repentinas, sosteniendo que hay que prescindir de la memoria, que nos hace interpretar los datos que tenemos de manera preconcebida, y así el mundo se nos presenta de manera maravillosa. "Melancolía de Otoño" Aparece una especia de Ariadna dormida, figura mitológica, pero aparece de una manera que nos presenta dudas. Entonaciones doradas que se ven alteradas por el fondo verdoso, muy acido y contrastado que contraviene la ley de perspectiva aérea. A la derecha al fondo se ven montañas representadas con un dibujo muy firme y preciso en un tono diferente. El humo tiene bien dibujado los contornos. Su obra evolucionará con el tiempo hacia una mayor abstracción y sobriedad, hasta culminar en la abstracción expresiva. En Francia se formuló a través de la expresión de la llamada al orden. Esto también se da en Alemania e Italia. Picasso quiere saber si es capaz de dibujar, para lo que realiza una serie de retratos de amigos suyos. En Rusia se impone el realismo sociialista, con un fuerte carácter propagandístico. Grupo integrado por artistas que publicaron entre 1917 y 1925 la revista del mismo nombre. Su propuesta estética se conoce como neoplasticismo. Este movimiento coincide con el desarrollo del constructivismo ruso, pero carece de las implicaciones políticas y sociales que tenía el ruso, lo que no quiere decir que no se trate de un grupo radical en sus planteamientos y utópico. La definición que dan ellos mismos es la búsqueda de un método sistemático para construir un mundo de formas coherentes y organizadas que participen de una armonía universal, visual e intelectual. Se van a esforzar en desentrañar los principios básicos que rigen la naturaleza aplicados a la producción artística. Uno de los personajes más activos del grupo es Van Doesburg, pintor que en 1912 escribió "desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y solo quedará el estilo". El neoplasticismo parte de la idea de que la naturaleza que nos rodea son manifestaciones torpes de unas leyes universales. Ese ideal de encontrar las leyes que rigen la naturaleza según estos pintores se alcanzaría mediante el análisis riguroso de los elementos básicos de la expresión artística. Se mueven por el deseo de crear un ambiente armonioso a partir de una postura radical de carácter geométrico. Estarán muy marcados por la experiencia de la guerra. Partiendo del cubismo desde un punto de vista formal llegarán a la abstracción total. Publicaron la revista con el mismo nombre del grupo. El grupo se prolonga hasta comienzos de los años 30, cuando Mondrian y Van Doesburg se trasladan a Paris. En el número correspondiente a octubre de 1917, el primero, dan a conocer un programa de actuación para conseguir la aspiraciones antes mencionadas. En 1918 publican el manifiesto de Stijl, donde quedan claramente establecidos 3 puntos: la guerra había destruido el viejo mundo, basado en el individualismo, y por lo tanto había que crear un nuevo mundo basado en ideales universales resultado de un esfuerzo colectivo. El segundo punto alude a la necesidad de la reforma del arte, la cultura y la vida, que se cumpliría gracias al nuevo arte plástico, del que quedarían eliminadas las formas naturales, recurriendo a la abstracción geométrica. El tercer punto es una llamada a la participación de todos los artistas europeos en una tarea común, aunque en un primer momento los firmantes de este manifiesto fueran prácticamente todos holandeses. Al finalizar la guerra, el neoplasticismo se vería reforzado por artistas franceses o alemanes. Para conseguir este cambio se encaminan a través de los elementos de la expresión plástica y los valores universales. Los elementos primarios son las formas geométricas básicas, en concreto el cuadrado o el rectángulo, generadas a partir del ángulo recto (45 C), que es el resultado de la intersección de las dos fuerzas primarias, la horizontal y la vertical. Reducen su paleta a los colores primarios (rojo, amarillo y azul, más blanco y negro). o Van Doesburg Encargado de difundir las ideas por Europa. En 1916 pinta la "vaca amarilla", en el que partiendo de una imagen real de una vaca pastando reduce las formas utilizando rectángulos o cuadrados. Va eliminando lo superficial para quedarse con la forma básica, el cuadrado. Con posterioridad abandonará el hecho de partir de la realidad para acogerse a un punto de partida ya abstracto y mental. A mediados de los años 20 llega a la conclusión de que con el sistema inicial el resultado era tremendamente estático, por lo que era difícil que quedase recogida la vitalidad de la sociedad moderna, por lo que introduce la línea diagonal y llama a estas composiciones "contraposiciones". Esto se pierde en las contraposiciones porque en el ámbito de la abstracción se llega a una autonomía de la imagen con respecto a la realidad, nos encontramos signos pictóricos que aluden a una experiencia de la realidad, pero que no determina la elección de los motivos. Cuando ocurre esto su forma se libera, así como el color, y el pintor ya no se ve obligado a representar nada real. Esta autonomía lleva a valorar el elemento, no la obra completa, sino la pauta que organiza ese mundo, y nos encontramos con una secuencia de formas que crean un ritmo. Algunas contraposiciones suelen extenderse fuera del marco del cuadro. En 1926, junto a Arp, se encargó de la renovación de un restaurante, lo que supuso la aplicación del neoplasticismo a un espacio concreto, revitalizando y dinamizando el espacio dándole una riqueza y una textura en las paredes que antes no tenía. También se encargó de la re decoración de habitaciones. No hay referencias políticas, místicas o religiosas en sus obras. Es el personaje más importante de este movimiento, uno de los grandes pintores abstractos de la primera mitad de siglo. Hijo de un pastor calvinista, tuvo una formación religiosa muy estricta centrada en la filosofía y la teosofía. La teosofía es una creencia a tener en cuenta de muchos pintores abstractos como Malevich o Kandinsky. Parte de la idea de que el ser humano evoluciona desde estadios físicos hacia estadios cada vez más espirituales en un proceso de mejora y perfeccionamiento. Confiere a los artistas y al arte un valor profético como el mejorador de la sociedad. Mondrian empieza a pintar dentro de una línea post-impresionista hasta su contacto con el cubismo, por lo que se traslada a Paris hasta el estallido de la guerra. Tendencia a la geometrizacion de los objetos. Paleta muy fría y bastante restringida en comparación con sus anteriores cuadros. Los objetos que acompañan al motivo principal han perdido importancia, importancia que ha ganado la estructura interna del cuadro, ya que las formas anteriores están organizadas en una especie de malla mucho más controlada y ordenada. Desde el año 1910 hasta 1914 inicia un proceso evolutivo a partir de los objetos del mundo natural. Tiene toda una serie de cuadros con el tema de un árbol que van perdiendo su dependencia del mundo real para ir siendo composiciones cada vez más estructuradas. Similar al cubismo analítico, la composición va perdiendo importancia según se van acercando a las esquinas. Formas aplanadas para eliminar la idea de profundidad. Cuando estalla la guerra vuelve a Ámsterdam, donde su pintura pierde cualquier referencia al motivo real para alcanzar esa autonomía de la imagen. En 1915 conoce la obra de un teósofo holandés, Schoenmaeckers, que publicó "La nueva imagen del mundo", determinante para la vida y la obra de Mondrian. Durante los años de la guerra sus patrones se convierten en cruces con un sentido religioso y empieza a investigar sobre estructuras lineales y cromáticas. Colorido, abandona los tonos ocres y terrosos para acabar llegando a los colores primarios. Sus obras más conocidas son de la década de los 20, caracterizadas por unas formas muy simples de rectángulos y cuadrados absolutamente planos que acotan espacios de color, utilizando solo los colores primarios. La línea horizontal alude a las experiencias espirituales y simboliza el paso de la vida y la muerte. Es decir, con un lenguaje muy escueto y reducido Mondrian piensa que es capaz de explicitar todo el abanico de experiencias humanas, tanto del mundo tangible (vertical) como del espiritual (horizontal). Tampoco retransmite la idea de algo acabado, es tan solo un patrón, por lo que las líneas negras no llegan hasta los bordes y determinados rectángulos de colores aparecen cortados. Ligeras variaciones en el grosor de las líneas negras. Mondrian no aceptó las contraposiciones de Van Doesburg en sus cuadros, aunque fue consciente del carácter estático de sus cuadros. Para remediarlo, gira el cuadro introduciendo un mayor dinamismo sin renunciar a sus principios. Cuando los alemanes invaden Holanda, emigra primero a Londres y luego a Nueva York, donde su estilo denota un cierto cambio por la adecuación a las experiencias vitales del pintor. El 8 de febrero de 1916 Arp abrió al azar un diccionario de francés y de ahí sacó la palabra dada, que no significa nada más que en el lenguaje infantil es el caballo de madera. Ya en 1905 se realiza una exposición que es considera como cuna de la vanguardia de Nueva York. La llegada a Nueva York cambia la obra de Picabia radicalmente, había llegado a la abstracción pero a partir de 1915 la abandona por indicaciones de Duchamp y empieza a realizar una obra de un objetivismo absoluto, conocido como pintura mecanicista, en la que aparecen las maquinas pero con un carácter peyorativo. Relevancia del autor, considerado como una figura equiparable a la de Picasso en la vanguardia del XX, aunque de signo contrario, ya que Picasso tiene una obra extensísima, mientras que la de Duchamp es muy escasa. Sin embargo, es el que más ha contribuido a cambiar el concepto del arte, así como las técnicas y los soportes. Su ejecución real se inicia en 1915, instalado ya Duchamp en Nueva York, y se prolonga hasta 1922, quedando inacabada. Entre el dada y el surrealismo realiza un tipo de obra conocida como redimakes rectificados Modifica estos objetos con la idea de liberarlos de su función habitual para convertirlos en un objeto estético. La portada es un collage en el que vemos la capacidad de Picasso para crear un universo de una capacidad expresiva y evocadora extraordinaria a través de materiales de desecho. El minotauro es frecuente en eel mundo surrealista porque representa el instinto atrapado en la mente humana. Para Picasso toma más forma de hombre brutal que persigue a las mujeres, por lo que aparece en muchas escenas de violación y persecución de mujeres pintadas por Picasso. También se ha interpretado como el alter ego del pintor malagueño. La profunda crisis personal que atravesaba Picasso por sus problemas matrimoniales le hace abandonar la actividad pictórica en 1934 y 1935, para centrarse en la creación de una obra teatral llamada "el deseo atrapado por la cola", único episodio de la obra de Picasso relacionado con la literatura. En muchos de sus cuadros se pueden encontrar referencias a su niñez. Fascinación y pavor por los bosques, ya que parece que la familia residía cerca de uno. Obsesión por el pájaro, que en el caso de este pintor es porque el día que nació su hermana, siendo él también pequeño, murió una cacatúa que tenia, por lo que quedó fijado en su mente la idea de la mujer y el pájaro y la muerte. "dos niños amenazados por un ruiseñor* Varias técnicas mezcladas dentro de la obra. Presencia de una amenaza latente en prácticamente toda su obra. Es el pintor que más se esforzó por encontrar técnicas pictóricas que neutralizaran el elemento racional y consciente. Una de las técnicas es el "frottage", técnica que empezó a trabajar en 1925 y que viene determinada por experiencias infantiles, y que consistía en la colocación de papeles en una madera desgastada y pasando un lápiz para que se quedara el relieve, que luego el pintor interpretaba según sus obsesiones. Empezó con papeles y luego pasó a los lienzos. Estos "frottage" se suelen convertir en bosques agobiantes que cuentan con la presencia del pájaro, Loplop. Creador del collage surrealista en una serie muy extensa de piezas aisladas. 3 grandes colecciones, la primera en 1929 titulada "la mujer cien cabezas", "sueño de una niña que quiso entrar en el Carmelo" y "una semana de bondad o los siete elementos capitales", hecha en 1934. Se entienden casi como novelas graficas dentro de la creación literaria surrealista. Sorprenden por la arbitrariedad de todas las escenas. Desde un punto de vista técnico, se caracteriza por el uso de un material previo del XIX, que suelen ser novelas, folletines, etc., con una base técnica común, el grabado, con lo que al ensamblar las distintas piezas quedan unificadas por la técnica, siendo muy difícil ver donde se ha manipulado la imagen. Esta ambientación decimonónica hace todavía más absurdo las escenas, ya que son interiores burgueses y acomodados, donde ocurren manifestaciones blasfemas, de índole sexual o de violencia. Otra técnica es "de calcomanía" (1), no utilizada inicialmente por este autor sino por Oscar Domínguez, surrealista canario. Esta técnica consiste en utilizar un pigmento diluido sobre un papel que es presionado por un cristal que se mueve para que el pigmento se distribuya de forma arbitraria. Fondos pintados al óleo de manera tradicional y luego se utiliza esta técnica. MASSON Pintor que a los ojos de Breton tenía una gran virtud, y es que no procedía de las filas de dada, sino que desde 1922 había estado trabajando dentro de un cubismo muy personal. Masson empieza a pintar en 1924 los dibujos automáticos (1), realizados sin control ni modelo previo. Esta vía la trabajó a lo largo de los años 20 y 30 en muchos dibujos, uno de sus temas más reiterados es la violencia en una serie de dibujos llamados "masacre". Este tema obsesiona a Masson por su presencia en la naturaleza. Una técnica de Masson fueron los cuadros de arena (2), en los que lanzaba la arena de la playa sobre lienzos donde previamente había repartido el pegamento de manera descontrolada. MIRÓ Joan Miró nació en 1893, en un pasaje cerca de la Plaza Real de Barcelona, hijo de un herrero de Cornudella. Estudió comercio, según deseo de su padre para tener una preparación y conseguir ser "alguien en la vida". Ante el deseo de Joan de matricularse en la escuela Llotja para dibujar y al tener la posibilidad de las clases nocturnas, su padre aceptó la petición, como un pasatiempo del muchacho.3 En Llotja, se vio influenciado por dos maestros Modest Urgell y Josep Pascó. Con diecisiete años acabó sus estudios de comercio y entró a trabajar durante dos años como empleado en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse a una casa familiar en el pueblo de Mont-roig del Camp. Cuando regresó a Barcelona, ya tenía la firme resolución de ser pintor y aunque con reticencias, también contaba con el permiso paterno; ingresó en la Academia de arte dirigida por Francesc d'Assís Galí, donde conoció las últimas tendencias artísticas europeas y a la que acudió hasta su cierre en 1915. La primera exposición individual de Joan Miró se realizó en las Galerías Dalmau de Barcelona entre el 16 de febrero y el 3 de marzo de 1918, con la presentación de sesenta y cuatro obras entre paisajes, naturalezas muertas y retratos. Estas primeras pinturas tienen una clara influencia con las tendencias francesas, postimpresionismo, fauvismo y cubismo. Se ve la cercanía con los colores de Van Gogh y los paisajes de Cézanne reforzados con una pincelada oscura. Una de las pinturas que llama más la atención es la llamada Nord-Sud (2), como la revista francesa en la que en su primer número del año 1917, Pierre Reverdy, se escribía sobre el arte del cubismo. En este cuadro Miró mezcla los rasgos de Cézanne con la inclusión de rótulos dentro de la pintura, como en las obras cubistas de Juan Gris o Pablo Picasso. En el interior del papel de lija aparece un ángulo agudo que evocaría la falda de la bailarina, y en la parte inferior un recorte de una publicación para el zapato de la bailaora. Momento de crisis en la que, según el propio Miró, quiso asesinar la pintura. Se replantea su trayectoria como pintor, coincidiendo con la crisis del movimiento surrealista por su acercamiento al comunismo. Esta crisis lleva a Miró a practicar un tipo de ensamblajes configurados con tablas de embalaje sobre los que recorta otras láminas de madera. El proceso de superación de esta crisis llevó a Miró a un tipo de práctica que no había trabajado hasta entonces, grandes collage de revistas o libros que serán el estimulo para su vuelta a la pintura a comienzos de la década de 1930. Durante esta década, la pintura se hace cada vez más violenta y agresiva, sin encontrar ninguna justificación en su entorno personal y familiar, pero que se explica por el contexto de España, sobre todo tras la revolución de Asturias de 1934, por lo que su pintura refleja las tensiones sociales del momento. Su pintura empieza a mostrar estados emocionales, por lo que este cuadro recoge la tensión social española, mostrada además por una paleta más tenebrosa. Es en esta época cuando se desarrolla el lenguaje pictórico conocido por todos de Miró. Este tipo de obras se relacionan con las pinturas neolíticas, sobre todo las del Levante español, que fueron estudiadas por los surrealistas en estos momentos. Al estallar la guerra, Miró colabora en 1937 en el Pabellón Español de la República en Paris. Sin embargo, su presencia ha quedado más diluida que la de Picasso porque su obra, al desmontarse el pabellón, desapareció. En 1937 pinta "el bodegón del zapato viejo* (1), referida a la Guerra Civil, en la que Miró tampoco alude a ningún episodio concreto del conflicto sino en la incidencia de la guerra sobre la población civil. Es un bodegón que refleja la miseria, con dos trozos de pan y un zapato viejo. Refleja el dolor, la miseria, el odio, etc. desatados entre la población. Importante el color, el fondo es como fluorescente, muy chirriante, sobre el que aparecen grandes nubarrones negros. Miró realiza toda una serie de obras de denuncia sobre el conflicto civil, editando hasta un sello que se vendió en Paris para ayuda de la causa republicana. Cuando avanzan las tropas alemanas hacia Paris, Miró abandono la ciudad francesa y se refugió en un pequeño pueblo de la costa normanda, en el que estuvo hasta 1941, y configuró la "serie de las constelaciones" (2), compuesta por 23 cuadros, en las que explicita sus sentimientos en aquel momento. Se ve como una especie de evasión por la II Guerra Mundial y un ofrecimiento de esperanza ante el desastre. En esta época, la música de Bach y Mozart, el mar, y la contemplación de las estrellas serán los grandes estímulos para la realización de esta serie. Dalí hizo derivar de esta circunstancia su notoriedad pública para hacerse un hueco en su propia familia. Cuando su padre asumió que su único hijo varón estaba destinado a ser pintor, se esforzó en darle todo los medios que necesitara, inscribiéndole en las revistas vanguardistas del momento y obligándole a presentarse a las pruebas de acceso de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en 1922. Con motivo de la publicación, Dalí escribió una carta a su amigo criticando de manera muy dura a Lorca por el carácter popular y folclórico del poema. En este contexto pinta "El gran masturbador" (1), una obra sorprendente por su temática, alusión al propio pintor, ya que Dalí se autorretrata desde años antes de perfil, por lo que la cabeza del masturbador es la del propio pintor. La aplicación de este método da como resultado "la imagen paranoica", que se visualizó a partir de una postal que reproducía una cabaña que Dalí convirtió girándola en un retrato picassiano, demostrando así que un paranoico puede interpretar la realidad de varias maneras. La versión más ambiciosa de imagen paranoica la encontramos en "el enigma sin fin" (3) de 1938, en el que se solapan 6 imágenes distintas, una de ellas un galgo. Según Dalí, este método se puede aplicar a la imagen, al cine, a la literatura y al ensayo. Después de la Primera Guerra Mundial, el arquitecto Walter Gropius, que tenía un amplio recorrido antes de la guerra, se hace cargo de la dirección de la Escuela de Artes y Oficios y de una Academia de Arte en la ciudad de Weimar, uniéndolas formando la Bauhaus en 1919, de modo que la teoría y la practica pudieran ser estudiadas en el mismo centro. En el manifiesto de la fundación se recogía la tradición expresionista habitual en Alemania, pero tampoco se identificaba con nada específicamente, sino que se hacia hincapié en la necesidad de una metodología de carácter general fundada en el estudio de las leyes de la naturaleza y de las estructuras de la mente humana, creando un equilibrio entre las necesidades corporales y las espirituales. En un primer momento, el peso del expresionismo es notable, pero en torno al año 1923 se impone una orientación en arquitectura con el racionalismo arquitectónico y la abstracción en la pintura. PINTURA DE LA BAUHAUS Paso de unas corrientes expresionistas hacia propuestas de abstracción geométrica en la línea de la vanguardia rusa. DDe la unión de los dos círculos grandes van surgiendo el resto de los círculos más pequeños y de colores vivos que se esparcen por el espacio. Paul Klee Suizo de padre alemán, luchó en el ejército alemán durante la Primera Guerra Mundial. Después de la guerra, Klee se incorpora como profesor de la Bauhaus. Es una de las grandes figuras de la abstracción europea. Durante estos años, el peso de la labor docente determina en gran medida su labor pictórica. Obra muy simple en cuanto a composición pero muy rica y densa en el material. El lienzo tiene una capa de yeso, lo que hace que el color tenga una textura física muy diferente al color sobre un lienzo normal. *polifonía* (2) analiza en muchas de sus obras los colores utilizando formas geométricas. El era músico, por lo que las aportaciones musicales a su pintura son continuas. *omega 5* (3) parodia de un bodegón bastante ambiguo y extraño. Se representa cortes de tronco por el sistema de crecimiento, ya que nos permite ver los anillos del trono de un árbol, pero en una de las piezas esos anillos tienen forma geométrica. Tiene una serie de obras que siendo abstractas, evocan los campos roturados visto desde lo alto. Figura importante dentro de la Bauhaus al hacerse cargo del curso preliminar y del taller de los metales. En 1920 se instala en Berlín, donde conoce a Gropius. El pintor húngaro había tenido previamente una etapa dadaísta y tenía una amplia producción fotográfica. A partir de este momento se decanta por la abstracción geométrica. *gran pintura del ferrocarril* (1) ejemplo claro de ese tipo de pintura abstracta que evoca el mundo mecanicista e industrial de los medios de transporte, en este caso hay toda una serie de referencias al mundo del ferrocarril. La r es la palabra con la que se inicia la palabra viajero en alemán y la e es la primera letra de ferrocarril en alemán. El 151 representa el numero de la maquina del tren. El poste rojo organiza y da estabilidad a la composición, en la que predominan las diagonales. *modulador de luz y espacio* (2) una escultura construida entre 1922 y 1930 que constituye la materialización de todos los estudios acerca de introducir el movimiento a la escultura, como ya hacían los futuristas. La estructura es una pieza geométrica que al entrar en movimiento proyecta en el espacio distintas sombras.

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